“ El irlandés “ El regreso del mejor Scorsese

Dirección : Martin Scorsese.

Reparto: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci.

   Es imposible entender la historia de EEUU de la segunda mitad del siglo XX, es especial las décadas de los 50 y 60 , sin describir el papel capital  de la mafia italiana y sus conexiones con el poder y episodios como la invasion de Bahía Cochinos o el ascenso y caída del Clan Kennedy. “ El irlandés” es un monumental fresco sobre ese trozo sangriento y corrupto de la historia americana, narrado con cierto humor negro por Scorsese que da toda una lección de historia. Pero no es esa la única intención del autor de “ Casino” , “ El irlandés “ es también un amargo y crepuscular retrato acerca de la amistad, la fidelidad, la familia, la corrupción que puede provocar el poder, la traición  y sobre todo acerca del paso del tiempo y la muerte. No en vano muchos la han comparado por si tono de fin de una era con “ El hombre que mató a Liverty Valance “ de John Ford, otro retrato crepuscular de un género ( el western) en vías de extinción como género clásico.

  Scorsese vuelve al subgénero de films sobre gangsters que tan buenos resultados le dio con obras capitales como “ Malas calles” , “ Uno de los nuestros “, “ Casino” y “ Gangs of New York “ y de nuevo nos muestra violencia, sangre y muerte a manos de hombres que imponen su código de conducta y luchan por el poder y por mantenerlo usando la violencia de un modo frio, deshumanizado y sin escrúpulos ni arrepentimientos. Los personajes interpretados por unos memorables De Niro y Pesci viven en un mundo cruel y amoral en que que dar una paliza u ordenar y ejecutar un asesinato es algo normal y desprovisto de remordimientos, los personajes que cometen estos actos cotidianos no se arrepienten porque como dice Sheeran- De Niro “ es agua pasada “ . A través  de la historia de Frank «The Irishman» Sheeran (De Niro) un camionero ex combatiente de guerra que se vuelve un matón y asesino a sueldo para el mafioso Russell Bufalino (Pesci) y su familia criminal y la relación que entabla con el mítico sindicalista Jimmy Hoffa ( Pacino ) cuya desaparición es junto a la autoría del asesinato de John Kennedy, el  gran misterio de la historia americana del siglo XX, Scorsese narra una amarga historia de ecos trágicos y Shakespearianos, sobre la culpa y el precio que el crimen se cobra en los amigos y la familia y como los recuerdos de un pasado criminal pesa como una losa en la vida de su protagonista.

   Durante cinco décadas el cine de Scorsese ha mantenido una serie de constantes y obsesiones que “ El irlandés “ condensa como nunca antes en alguna obra anterior , como la religiosidad ( fruta de su educación católica ) plasmada en obras como  “silencio” y “ La última tentación de Cristo” la   obsesión por el dinero ( “ El lobo de Wall Street” ) la mafia ( “ Casino “ y “ Malas calles “ ) la familia ( muy presente en films como “ uno de los nuestros “ ) o la historia americana ( “ El aviador “ o “ Gangs of New York “ ) y en ese sentido su última película es el recorrido y retrato histórico más ambicioso y completo de su filmografía abarcando desde la década de los 50 hasta los años 90. Los gangsters poderosos que hacían negocios por encima del bien y del mal al inicio de la película, acaban seniles y ancianos como amables viejecitos en la cárcel o en asilos , solos con sus recuerdos y los fantasmas del pasado y por eso Sheeran, no puede quedarse con la puerta cerrada , como si de un niño asustado se tratase.

  Scorsese apuesta sobre seguro construyendo su película en base al descomunal talento y carisma de sus tres actores principales. De Niro es el gran protagonista, logrando su mejor interpretación en más de una década: su irlandés, es un tipo violento y familiar, dispuesto a todo por proteger a su familia ( ecos de la saga de “ El padrino “ con la que el film tiene numerosas conexiones ) más bien buenazo y sencillo, sin grandes ambiciones y muy fiel a Russell ( Pesci ) al que Scorsese arrancó de sus retiro como actor y que es sin duda el

que más brilla del trío protagonista con su actuación como mafioso hierático,  mediador, conseguidor  y componedor en apariencia calmado y pacifico pero que no duda en mandar ejecutar a quien ponga en riesgo el negocio aunque sea su amigo. Por último Pacino es el orgulloso, volcánico y egolatra Hoffa, que con su complejo de superioridad y narcisismo, desprecia a la mafia, lo cual será su trágica perdición, logrando el actor de “ El precio del poder “ su mejor papel desde los años 90 del pasaos siglo. Los mafiosos por cierto que aparecen en la película son ridiculizado por el director retratándolos como personajes primarios, toscos , horteras y  faltos de luces, dispuestos a desatar su brutalidad cuando ven a la “ manada mafiosa” en riesgo y que acaban como irónicamente el director muestra con letreros cuando los presenta uno a uno asesinados con igual brutalidad ( El que ha hierro mata...) salvo uno de ellos que como dice el guión, murió de muerte natural, porque   le caía bien a todo el mundo.

 Siendo junto a Eastwood el último cineasta de corte clásico ( en le mejor sentido de la palabra ) en activo , el director nos narra la historia con una elegante y precisa puesta en escena, un ritmo lento y  pausado, no por ello exento de tensión ( sobre todo en la parte de la película en la que se va decidiendo el destino del incómodo Hoffa y se ejecuta la decisión ) y es en ese tramo del film, cuando brilla el mejor De Niro, un hombre angustiado y abrumado porque ve venir inevitablemente el fin de su amigo ( al que adora su hija ) y con dificultad logra mantener escondidos  sus miedos y su culpa cuando se ve obligado a cumplir una trágica orden y debe de enfrentarse a su hija y al mujer de Hoffa ( que también es su amiga ) una vez ha cumplido su misión ( la escena de la conversación telefónica con ésta  última  es un prodigio interpretativo del actor )

  Como ocurre en todos el cine Scorsesiano, la violencia ( verbal y física ) es una constante en el film y se nos muestra de un modo seco, frío y mecánico , sin recrearse en ella, no dejando por ello de ser cruda y sangrienta. El director no la retrata de un modo efecticista, aparece de  modo explosivo y realista, Sheeran solo cumple órdenes ( como en el ejército dice ) y se ejecuta con precisión y sin pasión ( magnifica la secuencia en que Sheeran prepara y dispara  a un chulesco mafioso en un restaurante junto a su familia y que se había enfrentado con su amigo Russell )

  “ El irlandés “ es quizá la culminación de la carrera de Scorsese como cronista brillante del mundo de los gangsters y un ejemplo espléndido de un modo de entender el cine en riesgo de extinción ( como los dinosaurios Sheeran y Buffalino ya extinguidos) que probablemente luchará con justicia  por los próximos Oscars en sus categorías principales. Y es también un regalo de Netflix, única productora que se atrevió a apostar por un film caro y arriesgado, que ya es una joya para los amantes del cine .

“ Terminator destino oscuro” : Acertado regreso a las esencias .

Director: Tim Miller.

Reparto: Natalia Reyes, Mackenzie Davis, Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Diego Boneta.

  La saga Terminator había entrado tras los dos primeros e innovadores films dirigidos por James Cameron en 1984 y 1991 en una decadencia muy acusada con tres flojos títulos muy reiterativos y faltos de chispa. El regreso de Cameron a la franquicia en esta ocasión como productor ha devuelto fuerza y brillantez a la saga, que con esta nueva entrega nos recuerda a algunos de los mejores momentos de los films dirigidos por Cameron.

  Ciertamente no estamos ante un film con un planteamiento argumental nada original, todo le suena al espectador y le resulta familiar, pero en eso el film es honesto, ya que está claro que no busca innovar en una saga en donde eso es ya imposible a a estas alturas, sino que lo que busca seguramente es devolver la dignidad a una serie que había desbarrado y casi había caído en la parodia . Para ello el gran acierto de la cinta es el regreso de Linda Hamilton como una embrutecida y envejecida Sarah Connor y en estos tiempos de apuesta por el feminismo y el empoderamiento de las mujeres también en el cine son los personajes femeninos las heroínas y los roles “ heroicos “ y fuertes de la película , destacando el gran trabajo de Mackenzie Davis como la salvadora que viene del futuro a evitar que maten a la “ nueva “ Sarah Connor ( Natalia Reyes ) una heroína latina ( un guiño al ascendente comunidad latina en USA )

  Otro de los aciertos es el personaje de un envejecido y humanizado T800 ( Schwarzenegger) y la historia de evolución personal que sufre su personaje, la mera presencia del enorme ex gobernador de California ( que se hace esperar ) llena la pantalla gracias al carisma del actor que tiene algunas de las frases irónicas y humorísticas más aplaudidas por el público.

  Si una de las señas de identidad más exitosas de las dos primeras cintas de Cameron eran sus apabullantes efectos especiales y sus persecuciones ( especialmente la de la autopista de Los Angeles en “ Terminator 2” ) Miller rueda con gran pulso y ritmo las escenas de acción y las persecuciones ( destacando la inicial en una autopista mejicana ) y los efectos visuales vuelven a ser magníficos.

  Rodada en gran parte en Almería y con varios actores españoles en pequeños papeles , éste enésimo regreso del universo Terminator, sin estar a la altura de las dos primeras películas de Cameron, logra superar con claridad a las tres anteriores cintas de la saga y recuperar muchas de las virtudes del inicio de la franquicia, dejando un buen sabor de boca al aficionado, que disfrutará de un entretenido espectáculo de acción con abundantes guiños a las primeras películas, agradables guiños de humor y el gran carisma de Schwarzenegger y Hamilton. 

Lo Mejor : El regreso de Hamilton, el mejor Schwarzenegger como T800 desde “ Terminator 2” y la persecución inicial.

Lo peor: Su falta  de riesgo y originalidad respecto a las dos primeras cintas de la serie y un malo con menos carisma que otros villanos de la saga.

Las mejores películas de Woody Allen

Con ocasión del estreno de su film número 50, recordamos las 12 mejores obras del cineasta neoyorquino ( en orden cronológico)

1- “ Annie Hall” ( 1977 )

   Quizá la obra que mejor resume el cine de Allen. Gran triunfadora de los Oscar de 1978 ( Allen y Keaton lograron la estatuilla ) esta entrañable y agridulce historia de amor con idas y venidas, es una de las más brillantes reflexiones sobre la pareja de la historia. Perfecta mezcla de humor y de melancolía, la encantadora y patosa interpretación de Keaton, una sucesión de gags divertidisomos y un guión lleno de frases memorables, la convierten en una de las cintas que mejor retrata su época y uno de lo títulos más emblemáticos de la magnífica década cinematográfica de los 70.

2- “ Manhattan” ( 1979 )

  Imposible no enamorarse de una película con un inicio tan hermoso, con la arrebatadora música de George Gershim, Allen enumera cosas por las que merece la pena vivir con imágenes de la ciudad de Nueva York de fondo. Más amarga que “ Annie Hall”, aunque a su director no le gustó el resultado final, la película consagró a Allen entre público y crítica como uno de lo mejores cineastas de su generación, capaz de retratar de un modo maduro y certero los conflictos y enredos sentimentales de la clase media. La belleza inocente de Mariel Hemingway, Allen en uno de las mejores interpretaciones de su carrera y grandes momentos como el encuentro final entre su personaje y  Tracy ( Hemingway) redondean la película.

3- “ Zelig” ( 1983 )

  Segunda película con su nueva musa Mia Farrow, es la película más innovadora, genial y extravagante de su carrera, en la que el director realiza un falso documental de un tipo al que llaman el camaleón humano  porque es capaz de mimetizarse físicamente con las personas  con las que esta en cada momento. Llena de hallazgos visuales ingeniosos, Allen volvió a demostrar con ella su imaginación desbordante y sus ganas de innovar y arriesgar.

4- “ Broadway Danny Rose “ ( 1984 )

  Siendo una de sus obras menos conocidas, esta entrañable obra llena de amor a los artistas más humildes y fracasados,  narra la historia de un peculiar representante de artistas de medio pelo ( Allen ) a los que a pesar de su fracaso mima, motiva y ama y como la novia ( Farrow ) de un prometedor cantante al que representa tratará de separarlo de él para que su novio vuele más alto. Llena de momentos divertidos y algunos de un emotivo patetismo, es una de las películas más emotivas de su director

 

5- “ La rosa púrpura del Cairo” ( 1985 )

  Una de las cintas más famosas de su director en los 80, cuanta la asombrosa historia de una joven soñadora amante del cine durante la Gran Depresión, que vive una vida miserable con un despótico marido y que se evade de su triste realidad gracias a las sofisticadas películas que ve en la gran pantalla. Cuando un personaje de una de sus películas sale de la pantalla para conocerla, su vida dará un vuelco. 

6-  “ Hannah y sus hermanas “ ( 1986 )

  Para muchos la mejor película de su director. Magistral retrato femenino de tres hermanas muy diferentes y sus ajetreadas vidas sentimentales, logró el  Oscar para un atribulado y patoso Michael Caine y presenta una de las mejores interpretaciones de Allen como actor y de Mia Farrow como actriz en los films de su entonces pareja. Una obra maestra indiscutible. 

7- “ Delitos y faldas “ ( 1990 )

   Otra película magistral de su director, que mezcla drama visceral y comedia brillante con pasmosa facilidad, mezclando cómo en otras cintas del director varias historias que transcurren en paralelo hasta cruzarse al final. La historia protagonizada por unos enormes Martin Landau y Angelica Huston, en la que in prestigioso médico judio acude a su hermano para asesinar a su incómoda amante , volvería a retomarla el director años después como base argumental en “ Machtpoint” . Estupendo Alan Alda como el amigo egocentrico y plasta del personaje de Allen.

8-  “ Maridos y mujeres “ ( 1992 )

  Una obra brutal, descarnada y desnuda sobre la crisis de dos matrimonios maduros rotos por la infidelidad de los maridos con chicas más jóvenes, que coincidió con la propia crisis escandalosa  del matrimonio Allen-Farrow. Rodada con una nerviosa cámara en mano y unos actores en estado de gracia, es una de las películas más negras y tristes de su autor.

9-  Misterioso asesinato en Manhattan “ ( 1993 )

  Tras su anterior film, llegó esta divertida comedia con toques de cine negro y claros guiños a clásicos como “ La dama de Shanghai” y “ La ventana indiscreta” en la que Allen se rodeó de amigos con los que había trabajado antes ( Alan Alda, Diane Keaton y Angelica Huston ) sobre una mujer ( Keaton ) que cree que su vecino ha asesinado a su mujer y su sufrido marido ( Allen ) aunque  le acompaña en sus pesquisas detectivescas, intenta sin éxito quitarle esa idea de la cabeza. 

10- “ Todos dicen I love you “ ( 1996 )

  Con un espectacular reparto que incluye a Julia Roberts, Alan Alda, Natalie Portman, Eduard Norton, Goldie Hawn o Drew Barrimore, esta delicioso musical con aroma clásico, presenta  una sucesión de magníficos números musicales en especial el último junto a los puentes del Sena con una “ voladora” Goldie Hawn de la mano de Allen y una divertidisima historia de amor de éste junto a Julia Roberts asesorado por  su hija con parada en Venecia incluida. Una joya.

11- “ Match point “ ( 2005 )

  Para muchos la mejor película del siglo XXI de su director, impulsada por una turbadora y arrebatadora Scarlet Johansson como irresistible femme fatale que arrastra a la perdición a su arribista protagonista, es otro homenaje de Allen al cine negro y otro film sobre crímenes perfectos ( como “ Delitos y faltas”, “ Scoop” o “ El sueño de Cassandra “ ) que de vez en cuando aborda el director. Con un final genial y un guión modélico con el   que el director logra que el público se identifique con su angustiado protagonista, la película se convirtió desde si estreno en un clásico instantáneo. 

12- “Medianoche en Paris “ ( 2011 )

  Otra indiscutible joya de nuevo con un  gran reparto ( Marion Cotillard, Lea Sydoux, Owen Wilson, Adrien Brody..) ambientada en un nostálgico y soñador Paris con los viajes en el tiempo como tema central . Su evocadora historia de amor y sus diálogos marca de la casa lograron un muy merecido Oscar al mejor guión.