Series de cine : “ La Jedi número 9”

 Disponible en Disney plus.

  Una entretenida serie del universo de Star Wars pero que presenta la novedad curiosa que está hecha en anime japonés ( hay que recordar que George Lucas se basó en su día en el cine de samurais para crear su saga, en especial en “ La fortaleza escondida “ de Kurosawa ) En 2021 se estrenaba “Star Wars visions” unos cortos ambientados en el mundo de Star Wars con historias independientes no relacionadas ni con las películas ni con las series de la franquicia. En la temporada 1 y 3 se contó en dos episodios la historia de Lah Kara una joven Jedi hija de un fabricante de espadas láser y ahora en esta serie de solo 8 capítulos amplían su historia de un modo muy interesante.

Viendo el poco ojo que ha tenido Disney en series de acción real ( salvo “ Ashoka “ y “ El Mandaloriano “ ) con sonados fracasos como “ The acolyte” y “ Obi Wan Kenobi” ) y en películas, ha sido en la animación donde la marca del ratón ( Rebels “, “ Crónicas del Imperio”, “ La remesa mala”, “ Stars Wars visions” o “ Tales of the Jedi ) ha acertado con productos muy entretenidos, ágiles y muy bien escritos que han satisfecho sobradamente a los fans de la saga El último de esta serie es “La Jedi número 9” en la que de nuevo Disney ha dado en la diana. 

Como punto a favor para los fans de Star Wars, los protagonistas son jedis ( lo cual siempre encanta a los más nostálgicos ) y se usa la interesante idea de que la protagonista sea hija de un fabricante de espadas Jedi que usa unos minerales ( cristal kyber ) y se muestra como se lleva a cabo esa construcción y de nuevo como en otros productos de la saga se habla del significado del color del sable. No faltan guiños a otros productos como cuando se ve entrenado a la protagonista con un casco que le tapa los ojos frente a una espera que le lanza rayos como en el Episodio IV hacia Luke, la relación maestro padawan truncada ( como la de Obi Wan y Annakin o Ashoka y éste último ) o la construcción de un arma capaz a de destruir un planeta como sucede en los episodios IV, VI y VII.

La historia narra cómo la joven Lah Kara busca a su padre que ha sido secuestrado y es perseguida por fuerzas siniestras, logrando reunir a un grupo de Jedi para que la ayuden. Otro de sus puntos a favor es que los personajes están bien construidos dramáticamente y los guionistas ponen en su boca buenos diálogos y la trama logra atrapar al espectador con episodios de corta duración y desarrollo muy ágil. El hecho de no estar conectada con otros personajes “ canónicos “ de Star Wars da mucha libertad a los creadores de la serie para jugar con la historia a su antojo.

En definitiva, una serie que gustará a todos los fans de la saga, que aunque no busca revolucionar la franquicia y tiene intenciones muy humildes, tiene buenas dosis de espectáculo, batallas espaciales, combates con sable láser, emoción y personajes que pueden tocar el corazón del espectador.

Lo mejor: Su libertad para contar una historia sin pensar demasiado en no traicionar los cánones de la saga. Unos personajes con profundidad dramática y bien construidos sobre todo la heroína Lara Kara y el villano. Su toque anime.

Lo peor: Que algunos esperen una serie conectada con los personajes más famosos del universo de Star Wars.

15 injustos fracasos de taquilla ( 6 ): “ El gran halcón “ ( 1991 )

 Disponible en Apple TV+.

Dirección: Michael Lehman.

Reparto: Bruce Willis, Andie McDowell, Danny Aiello, James Coburn, Richard E. Grant, David Caruso.

  Bruce Willis era en 1991 uno de los actores más taquilleros de Hollywood. El gran éxito de   “La jungla de cristal 1 y 2” posicionó su estatus a la misma altura de Stallone o Zchwarzenegger. Ese año apostó por dos películas arriesgadas: “El último Boy Scout” y la película que nos ocupa. Con un sentido del humor absurdo y surrealista y una mezcla entre acción, aventuras y comedia muy peculiar, la película patinó en taquilla y fue muy criticada. Las razones del fracaso sin variadas pero su principal handicap fue que el film se vendió como una cinta de acción y era en realidad una comedia y por eso el público se sintió confuso.

 Steve de Souza uno de los guionistas más exitosos del cine de acción de los 80 (“ La jungla de cristal 1 y 2”, “ Perseguido”, “ Limite: 48 horas “ o “ Comando” )se encargó del guion ( luego reescrito por otro guionista )   contando la delirante y disparatada historia de un ladrón de guante blanco ( un Bruce Willis más vacilón y guasón que nunca ) que tras salir de la cárcel, se ve envuelto por culpa de su antiguo socio y amigo (un genial Aiello) en el robo de unas obras de arte conectadas con Da Vinci y tendrá que hacer frente a   ex agentes de la CIA (Coburn) millonarios megalómanos a lo James Bond (Grant) los servicios secretos del Vaticano o mafiosos neoyorquinos… y también tendrá tiempo para el amor con una misteriosa mujer (una simpática y bellísima Macdowell)  

  Una de las señas de identidad de la película es su humor absurdo, paródico y excéntrico que para muchos espectadores puede resultar tonto y sin sentido, pero si dejas de lado buscar coherencia, lógica y realismo a su argumento y te dejas llevar por sus personajes excesivos y divertidos y sigues la acción surrealista y bastante bien ejecutada, es una película entretenidísima, ágil y con gran ritmo que cumple plenamente su objetivo de hacer pasar al espectador un rato en grande   . 

  La crítica atacó con dureza la película que recibió varias nominaciones a los premios Razzie. El enorme ego del productor Joel Silver (productor de las sagas “Jungla de cristal” y “Arma letal”) y el propio Willis, un director de 34 años caso debutante y la presión de manejar un presupuesto de 85 millones de presupuesto también afectó al resultado final de una película que en todo momento parece fuera de control. En ello reside parte de su encanto y de sus problemas.

   Uno de los puntos fuertes de la película es un casting de destacados actores veteranos como un paródico James Coburn que parece reírse de su antiguo personaje de espía Flint que interpretase en los 60, el siempre entrañable Danny Aiello que mantiene una divertida química con Willis ( sus escenas juntos son con diferencia lo mejor de la película ) y la presencia de una hermosa Andie Mcdowell ( aunque su personaje es muy poco creíble y tiene una  intervención demasiado  ) 

Lo mejor: Un excelente reparto de actores en todo momento pasados ​​de vueltas y sobreactuados, pero con mucho carisma. Es tan loca que te lo pasas bomba viéndola sin buscarle sentido.

Lo peor: Si se analiza mínimamente, es una película absurda y sin pies ni cabeza.El personaje de Macdowell.

Las anteriores entregas de la serie:

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15 injustos fracasos de taquilla ( 5 ): “ La cosa” ( 1982 )

 Disponible en  Alquiler en Prime Video, Rakuten TV y Apple TV.

Dirigida por John Carpenter.

Reparto: Kurt Russell, Wilford Brimley, Keith David, Wilford Brimley, TK Carter, David Clennon, Richard Dysart,   Joel Polis y Thomas Waites.

  Una película de culto hoy  en día, que sin embargo supuso el primer tropiezo en taquilla de John Carpenter, uno de los grandes autores de terror, fantasía y ciencia ficción de los 70 y 80. El realizador venía de éxitos con films de terror de la talla de “ La noche de Halloween “ y “ La niebla”y a pesar de que ello, la película no tuvo beneficios en los cines. Probablemente el director tenga razón cuando atribuye el poco éxito de la cinta al hecho de que se estrenó poco después del impresionante fenómeno de taquilla que fue “ ET” que al revés que el film de Carpenter mostraba una visión familiar y entrañable de un ser venido del espacio . 

   Carpenter vuelve a trabajar con su actor fetiche Kurt Russell ( con el que uniría de nuevo fuerzas  en la mítica “ Golpe en la pequeña China “ en 1986 ) y logra crear una atmósfera malsana, tensa y claustrofóbica gracias a una puesta en escena mayoritariamente en pequeños espacios interiores y con poca luz y a sus efectos visuales y maquillaje. Aunque un sector de la crítica atacó el film por esos efectos a veces repulsivos, todo ello junto a la tensión del guión y a las interpretaciones logra generar una sensación de miedo en el espectador que la ha convertido en un indiscutible clásico del cine de terror, 

  Como hiciera en “ Asalto en la comisaría del distrito 13” ( 1976 que es una nueva versión encubierta de la magistral “ Rio Bravo” ) Carpenter realiza otro acertado remake de un film de su admirado Howard Hawks ( “El enigma de otro mundo “ de 1951 que codirigió el cineasta - aunque no aparezca acreditado - ) que en general es más apreciado por la crítica  que esta nueva versión que tuvo mayor presupuesto, pero sin duda esta revisión del director de “ La niebla “ es más terrorífica e impactante y no desmerece de la versión de 1951.

   Con indiscutibles influencias de “Alien el octavo pasajero” estrenada 3 años antes (en la película de Ridley Scott también existe una amenaza depredadora venida del espacio que empieza a matar a un grupo encerrado de un lugar aislado del que no pueden escapar - volveria a repetirse ese esquema en “Depredador” de 1987 -) la película volvería a tener una nueva vida en los video clubes como sucedió con films ahora clásicos como “ Blade runner” o “ Golpe en la pequeña China “ del propio Carpenter y con el tiempo ha adquirido un estatus de obra de culto muy valorado por los fans del terror y la ciencia ficción.

Lo mejor: El gran trabajo de Russell, su asfixiante puesta en escena y sus efectos especiales y maquillaje muy artesanales.

Lo peor: Su comparación con la película de Hawks. 

“ The Bear T5” Es posible acabar bien un serie.

Disponible en Disney plus 

Con: Jeremy Allen White, Aye Adebiri, Ebon Moss-Branchard, Abby Elliott, Liza Colon Zayas, Oliver Platt, Mathy Matheson, Ricky Staffieri, Sarah Ramos, Jamie Lee Curtis.

Uno de los grandes problemas de cualquier serie y más aún en las que tienen más prestigio y éxito es como acabar bien conforme se van acumulando las temporadas y se corre el riesgo de estirar demasiado del chicle y no caer en lo repetitivo y cerrar en falso dejando mal sabor a los seguidores de esa serie. “ The boys “ recientemente o hace años “ Perdidos “ no supieron acabar por la puerta grande y dejaron enfadados a los fans. Otras como las actuales “Ted Lasso”, “El encargado” o “Emily en Paris” están alargando en exceso su vida catódica y tienen pinta de que acabarán decepcionando con su final. Afortunadamente a “The Bear” no le ha pasado eso y ha tenido un cierre a la altura de lo que merecía una de las series más aplaudidas y premiadas de los últimos años.

Tras dos temporadas, sobre todo la tercera, muy irregulares, en esta última tanda de episodios, vemos al equipo del restaurante más unidos, cooperativos, solidarios y con mejor y más positivo espíritu que en toda la serie. Los enfrentamientos y el mal rollo que vimos en otras temporadas, han desaparecido. Ello se debe sobre todo a la evolución de los personajes de Richie ( el mejor escrito de toda la serie y el que ha tenido un desarrollo más interesante y de más crecimiento personal) y de Carmy (menos protagonista en esta tanda de episodios y con una actitud más humilde y de equipo, que se ha adaptado a su papel menos protagónico ) y ambos personajes parecen haber encontrado la paz interior y la calma que necesitaban. Sidney por su parte  deberá aprender a ser la líder de “ The Bear” y poder afrontar la complicada situación que atravesará el restaurante en esta última serie de episodios.

Al creador de la serie Christopher Storer se le ocurrió la gran idea de que la acción de esta última temporada transcurriera.

( salvo el último capítulo ) en un sólo día ( durante la preparación de los platos y después a lo largo el servicio nocturno durante una jornada de copiosa lluvia en el que todo parece que va a salir mal y en el que todo el personal del restaurante debe dar lo máximo con muy poco. El último episodio acontece días más tarde y funciona a modo de epílogo y cierre de la serie.

Durante estas temporadas la serie ha abordado temas como la depresión, las adicciones, la familia, el trabajo en equipo, la superación personal, la amistad, las dificultades de separar el trabajo de la vida personal o el éxito, usando como vehículo (como excusa) la cocina y sus trabajadores. En esta recta final vemos como cada personaje ha evolucionado a través de sus dificultades y como todos ellos se han convertido en una auténtica familia (eso se ve especialmente en la emotiva fiesta de cumpleaños)

Storer consigue con éxito un cierre perfecto para todos los personajes hasta los más secundarios. Cada uno tiene sus minutos finales de lucimiento en los que pienso que a todos ellos se les hace justicia y con ello, el espectador se queda con muy satisfactorio sabor de boca. Ese es el gran mérito de esta temporada final.

Lo mejor : Que todas sus piezas hayan encajado armoniosamente al final. El gran trabajo de su reparto. Que al ser todos sus episodios (menos el último) en tiempo real, el ritmo es estupendo.

Lo peor: Que se acabó la serie.

15 injustos fracasos de taquilla ( 4 )” Furiosa: De la saga de Mad Max” ( 2024 )

 

Disponible en HBO max, Movistar y Prime Video.

Dirección: George Miller.

Reparto: Anna Taylor Joy, Chris Hemworth, Tom Burke, Alyla Browne.

 

   Cuando George Miller recuperó la añeja saga de Mad Max (la última película se había estrenado en 1985) para el cine, la sorpresa fue mayúscula y “Mad Max fury road” se convirtió no obstante en una de las películas más aplaudidas del género de acción en lo que llevamos de siglo. Un mastodóntico, aparatoso y espectáculo físico visual en el que una imponente Charlize Theron le robó el protagonismo al Max (Tom Hardy) del título, se ahí que Miller haya decidido contarnos el origen del personaje, ahora con los rasgos de Anna Taylor Joy. Aunque la película fue un fracaso de taquilla, esta espectacular precuela mantiene todos los aciertos de su predecesora, majorándola en los aspectos dramáticos ( son más interesantes y están mejor escritos los personajes y la historia es más interesante y compleja ) y siendo  algo menos espectacular en sus escenas de acción ( menos numerosas y más cortas) ¿Por qué fracasó? Posiblemente la ausencia de una estrella al frente del reparto (Hemworth, el actor más conocido era en realidad el villano) y que el público pudiera pensar que la película era más de lo mismo pudo influir.

   Quince años antes de los acontecimientos que se narran en “Mad Max Fury road” la película nos cuenta como una niña (   Alyla Browne) es secuestrada por la enloquecida y nómada banda de forajidos liderada por el iluminado y retorcido Dementus (un espléndido y sorprendente Hemsworth) Esa niña se acabará convirtiendo en la implacable y dura Imperiosa (Joy) que desde entonces se obsesionará con su venganza contra Dementus…Difícil saber porqué el público dio la espalda al film (quizás su falta de promoción o

por el tiempo transcurrido desde la entrega anterior) pero cualquiera que disfrute de la película anterior, valorará la calidad de esta nueva entrega.

 Miller realiza una película intensa y muy ágil en cuanto a ritmo, que apenas de tregua al espectador, dosificando muy bien las escenas de depuración con otras más dramáticas y con diálogos. Su guión es bastante superior al de la película anterior y narra muy bien la historia de venganza de Furiosa y toda la trama de lucha de poder entre Dementus e Inmortal Joe (Lachy Hulme). No obstante flaquea en lo referente a la historia y el vínculo que se establece entre Furiosa y Praetorian Jack (Burke) y al retrato de este último personaje (muy bien interpretado por un eficaz Burke- el protagonista de la estupenda serie de la serie de la BBC “Cormoran Strike”) que queda muy desdibujado, aunque consigue en sus escenas, junto a Furiosa (ambos actores tiene mucha química) algunos de los momentos dramáticos y de acción mejores de la película.

  Anna Taylor Joy tenía el difícil reto de interpretar un personaje ya icónico que al que dio vida   de modo magistral Charlize Theron en la entrega anterior. El hecho de ser una actriz poco conocida por el gran público (su mayor éxito había sido la aplaudida serie “Gambito de dama”) fue una decisión por un lado lógica, pero también arriesgada. La actriz de raíces argentinas consigue, sin embargo, estar a la altura del reto y dota al personaje de las dosis de carácter, dureza, fortaleza física y astucia necesarias y esta espléndida en todo momento sobre todo en la secuencia de enfrentamiento con la banda de Dementus y en el enfrentamiento final con este. Por su parte, Hemsworth la gran sorpresa de la película, demuestra que es más que una cara bonita y un montón de músculos y que más allá de su famoso Thor, es capaz de interpretar personajes más complejos y en este caso malvados, sabiendo conjugar el carácter sanguinario y taimado con el bufonesco que tiene el personaje (que está muy bien escrito). Miller logra crear un personaje de estas características, ya que engrandece a su vez al de Furiosa, que al tener un enemigo de gran categoría, también mejora y otorga a su desafío y lucha aún más. valor. 

  En definitiva, una precuela que amplía de modo interesante el universo de Mad Max y que seguramente con el transcurso del tiempo, al igual que otras películas que en su día fue un fracaso de taquilla (“Blade Runner” por ejemplo)   y hoy son clásicos en   su género, logrará tener la relevancia que el público en su momento no le ha dado en la sala de cine.

Lo mejor: Su bellísima fotografía con muchos planos que parecen lienzos y un gran dúo protagonista.

Lo peor: Que su mal rendimiento de taquilla sepultó las indudables virtudes de la película y que el personaje de Praetorian Jack no esté de todo aprovechado.

Las tres entregas anteriores de esta serie veraniega: 

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15 injustos fracasos de taquilla ( 3 ): “ Misión imposible: Sentencia final “ ( 2025)

 

Disponible en SkyShowtime y Movistar plus.

Dirección:  Christopher Mcquarrie. 

Reparto: Tom Cruise, Haley Atwell, Simon Pegg, Angela Bassett, Pom Klementieff, Esai Morales, Ving Rhames, Henry Czerny, Shea Wingham, Greg Tarzan Davis, Rolf Saxon. 

 Antes del inicio de la última aventura de Ethan Hunt y compañía, el propio Tom Cruise se dirige en un primerísimo plano al espectador y le da las gracias por acudir al cine a ver la película y le promete que va a disfrutar del espectáculo. No es para menos, la crisis que viven las salas de cine desde el COVID y la eclosión de las plataformas, se ha convertido al protagonista de “Top Gun” en el último gran héroe del cine de acción y evasión que no sólo tiene que salvar el mundo, sino también el cine como hasta hace poco lo habíamos conocido. No fue una exageración por eso, cuando Steven Spielberg, tras el gran éxito de “Top Gun Maverick” (2023) le dijo a Tom Cruise que nos ha salvado ( refiriéndose a la industria del cine ) Por eso esta última entrega de misión imposible, supuso un enésimo empujón más con el que Tom intentaba revitalizar la industria del cine y el disfrute de las salas de cine. No lo consiguió y la película debido a sus altísimos costos no llevó a los cines a tanto público como necesitaba. En cierto modo, pasó algo parecido a “Indiana Jones y el dial del destino” su elavadísimo presupuesto anunciaba ya la imposibilidad de ser rentable.

  La película funciona como secuela directa de la anterior entrega de la serie (de hecho los responsables de la película hacen a través de la boca de uno de los personajes un recordatorio de la trama de la película anterior para que los que no vieron el film anterior se enterasen de la trama ) y vemos en su inicio un Ethan Hunt (Cruise) que tras unos meses desde el final de la película anterior, en la que logró hacerse con la llave que podía dar acceso a “La entidad” (una poderosa inteligencia artificial que se ha infiltrado en todos los sistemas de seguridad del mundo y es capaz de controlarlos y manipularlos a todos) decide volver a la acción y reúne de nuevo a su equipo. Su fin es doble: Encontrar a su enemigo Gabriel (Morales) que era en la película previa el brazo ejecutor de “La entidad” y el submarino hundido en el que está el código fuente con el que poder destruir a ésta. Hunt vivirá una frenética carrera contrarreloj antes de que “La entidad” logre hacerse con el control de todo el arsenal nuclear de las ocho potencias que tienen la bomba atómica en el mundo. Hunt tendrá tres días para acceder al submarino   hundido en un lugar desconocido y ya con el código fuente, intentar anular el poder de “ la entidad “

 El guión aunque es bastante complejo, está muy bien construido poder ser disfrutado por todo tipo de espectadores y es un homenaje a toda la saga. Así reaparecen personajes como Erika Sloane (Bassett) que en “MI Fallout” era la jefa de la CIA y aquí   es la presidenta de EEUU, el retorcido Kitridge (Czerny) presente en varias películas de la franquicia desde su inicio en 1996. Regresan lógicamente    el equipo habitual de Hunt (Luther presente desde la primera película y Benji desde la tercera) y Claire (Hatwell) la escurridiza ladrona que conoció a Ethan en la película. anterior, junto con algunas incorporaciones nuevas y sorprendentes también procedentes de la película anterior. También hay varios guiños a las películas anteriores como la alusión a la “pata de cabra” ( el mcguffin de la tercera entrega ) las referencias a la mítica escena del acceso a la cámara sellada de la primera parte o la aparición del hijo del malo de la primera película de 1996. Todo ello ideado para el disfrute de los más cafeteros de la saga.

  Macquarrie, que desde la quinta entrega se puso con pulso firme al frente de la saga, demuestra que ha aprendido de sobra a manejar los recursos de la franquicia. En esta ocasión además hace un abundante y brillante uso del montaje paralelo, logrando poner al espectador al borde del ataque al corazón. Las escenas de acción tanto peleas físicas como persecuciones y acrobacias son adrenalíticas ( la escena del submarino o la de las avionetas por ejemplo ) y aquí es donde la película brilla más: cuando la acción va cuesta arriba y sin frenos y el espectador no debe pensar, solo dejarse llevar y disfrutar.

  Hay no obstante algunos aspectos novedosos, sobre todo un tono más oscuro (hasta en su fotografía) y solemne (aunque no falten los golpes de humor muy medidos) que creo perjudican más que benefician al film, que tiene un aire más trágico que las cintas anteriores. Hunt es más que nunca, un héroe mesiánico en cuyos hombros descansa el destino de la humanidad adquiriendo tintes casi de superhéroe. 

  De modo claro la película tiene un aire muy consciente de despedida. De hecho las referencias ( para algunos excesivos ) a las películas anteriores y su idea de establecer un vínculo argumental entre ellas, respondería a esa idea de resumir la franquicia en una película final con sabor a nostalgia y un toque crepuscular. Ya está confirmado que el film supuso el final de la serie y toda la película parecia concebida con ese leit motiv. 



  A pesar de sus indudables virtudes, la película presenta algunas   pegas. Sobre todo su tercio inicial (de casi una hora) es demasiado discursivo, solemne, con un exceso de explicaciones (hay que explicar a todos los que no viesen la anterior entrega la trama de ésta) que lastra al conjunto y hace que lo bueno se haga esperar demasiado.   A partir de la escena de Hunt con la presidenta, la película coge vuelo y va como un tiro  La propia trama (el plan de “la entidad” y la estrategia de cómo vencerla) es la más floja e inverosímil de todas las películas de la serie. Por otro lado,   el malo interpretado por Esai Morales es el menos amenazador y menos interesante de la franquicia.

  En definitiva una aparente despedida de la saga, que si bien no llega al podio de las mejores entregas de la franquicia, sí logra con creces su objetivo de regalar al espectador un gozoso e intenso entretenimiento lleno de momentos de gran altura y con un Cruise dándolo todo en un más difícil todavía. En eso la película no decepciona, que no es poco. Lástima que esta magnífica serie de acción, terminase con sabor de boca agridulce por una decepcionante taquilla.



Lo mejor: Le entrega de Cruise. El carisma del equipo de Hunt. El virtuosismo y la intensidad cardíaca de sus escenas de acción marca de la casa.

Lo peor: Su  exceso de duración. El malo es el más flojo de la serie. La escena del submarino es demasiado larga. Un guión con numerosos agujeros.

Las dos entregas anteriores de esta serie veraniega: 

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15 fracasos injustos de taquilla ( 2 ): “ Érase una vez en América “ ( 1984 )

 

Disponible en Prime Video (alquiler y venta)

Dirección: Sergio Leone.

Reparto: Robert De Niro, James Woods, Elisabeth Macgovern, Tuesday Weld, Burt Young, Treat Williams, Jennifer Connelly, Danny Aiello, Joe Pesci.

  Un proyecto largamente acariciado por el gran Sergio Leone (autor de la famosa trilogía de westerns con Clint Eastwood culminada con “El Bueno, el feo y el malo”) que tras más de 10 años queriendo dirigir naufragó estrepitosamente en taquilla debido a la mutilación de metraje emprendida por Warner bros. De una duración prevista era de más de 4 horas, en EEUU se estrenó con una duración de 139 minutos y en orden cronológico (el guión se estructuraba en varios saltos temporales y era en realidad un flashback del personaje central interpretado por De Niro recordando su adolescencia y su etapa posterior como gangster) por lo que la película no se entendió. La crítica norteamericana la atacó en un primer momento y cuando años más tarde vio el montaje ideado por Leone, aplaudió la película como una de las mejores obras de los 80.

 La película narra la historia de Noodles (De Niro), un antiguo gángster que regresa a su Nueva York natal en 1968, más de 30 años después de huir de la ciudad cuando sus amigos y socios fueron víctimas de una emboscada que acabó con sus vidas. En su vuelta, recordará su adolescencia en 1920, cuando conoció a sus amigos y futuros compinches y se enamoró de la hermosa y manipuladora Deborah (una hipnótica Jennifer Connelly) Tras sus inicios en el hampa, en los años 30 formará con sus amigos una banda criminal cuya trayectoria acabará trágicamente…

   Con una compleja estructura narrativa (la película transcurre en tres épocas: 1920, 1933 y 1968) con continuos saltos temporales en las tres etapas, la película es una cinta de gangsters, pero también es un trágico drama sobre la amistad, la traición, el poder, la ambición o el amor. También una reflexión sobre el paso del tiempo y los recuerdos. Sin duda el tema más importante es la amistad. Noodles, Max y los otros miembros de la banda, son más que miembros de una banda criminal, son amigos de la adolescencia y por eso la traición que refleja la película es especialmente dura y desgarradora. La película es un retrato también del desarrollo de América a principios del siglo XX (de hecho toda la parte que transcurre en la Nueva York de 1920 -sin duda el mejor tramo del film- recuerda mucho al segmento de “El Padrino II” también ambientado en esa época precisamente con De Niro)

  

   Leone realizó una acertadisima labor de casting. De Niro como siempre está inmenso. Tras una década de aplaudidas interpretaciones con su amigo Scorsese (desde “Malas llamadas” a “El Rey de la comedia”) aquí realizó su segunda mejor interpretación de los 80 tras “Toro salvaje”. Un personaje muy complejo de un tipo inicialmente muy agresivo (la violenta escena con Elisabeth Macgovern en el coche fue muy polémica en su día y define muy bien al personaje-) y luego amargado y desengañado. James Woods por entonces un actor muy poco conocido por el gran público, es Sam, es el brillante contrapunto a De Niro, el ambicioso y ansioso de poder amigo de Noodles con el que mantendrá una compleja y tensa relación y la evolución de esa amistad traicionada es uno de los grandes ejes del film. Con una impresionante galería de magníficos secundarios, destaca una debutante e inolvidable Jennifer Connelly de tan sólo 13 años, que enamora al espectador con sus hermosos ojos verdes y su belleza inocente y a la vez turbadora.

  Uno de los puntos fuertes de la película fue la hermosa, maravillosa y emotiva banda sonora del gran Morricone que ya había compuesto más espléndidas e inolvidables bandas sonoras de sus westerns de los 60. De hecho para muchos el score del film es la mejor banda sonora de la historia del cine, en la que algunos de los cortes ponen al espectador con los pelos de punta debido a la belleza de la música que Morricone creó para la película.

 Y qué decir de su fotografía que contiene planos que parecen lienzos de un cuadro y de una precisa y exuberante dirección artística que junto a la banda sonora componen una obra de una sensibilidad, luminosidad y belleza pocas veces alcanzadas en el cine.

Leone tras la amputación sufrida de su obra más querida y deseada, acabó muy desengañado sobre el mundo del cine y amargado. No obstante aún le quedaron ganas de afrontar un gran proyecto sobre el terrible asentamiento a Leningrado durante la Segunda Guerra Mundial que no logró llevar a cabo.

Lo mejor: El gran trabajo de todo su excepcional reparto, su hermosa y evocadora fotografía y su poética banda sonora. 

Lo peor: Que en vida de Sergio Leone no fuese reconocida como merecía.