Ahora que llega la secuela, recordando “ El principe de Zamunda”

Dirección: John Landis.

Reparto: Eddie Murphy, Arsenio Hall, Shari Headley, James Earl Jones, John Amos.

 En 1988 Eddie Murphy era uno de los actores más taquilleros del cine americano Y todo lo que tocaba lo convertía en oro . Después de ser una de las estrellas indiscutibles del mítico Show televisivo “ Saturday night live “ había encadenado un éxito tras otro ( “ Límite 48 horas”, Entre pillos anda el juego”, “ El chico de oro “ y sobre todo las dos primeras entregas de “ Súperdetective en Hollywood” ) gracias a ello podía impulsar el proyecto que le diese la gana y así surgió esta emblemática comedia que fue uno de los films más taquilleros de año y de la que ahora se estrena en breve su esperada y sorprendente secuela.

 Para dirigir la película se puso a los mandos John Landis, que ya había trabajado con Murphy en “Entre pillos anda el juego” y volvería a dirigir al actor en la fallida tercera parte de “ Súperdetective en Hollywood” y había sido el responsable de la emblemática “ Granujas a todo ritmo”. Al revés que casi todos los éxitos anteriores de Murphy, no se trataba de una comedia de acción, sino de una comedia pura, con un toque de cuento de hadas ( su argumento en cierto modo recuerda a la Cenicienta con principe azul incluido ) El actor interpreta al príncipe heredero de un reino imaginario africano que escapa de la corte el secreto ( guiño a “ Vacaciones en Roma “ )  y viaja con un sirviente a Nueva York de incógnito con el fin de encontrar una mujer de la que enamorarse cuando sus padres intentan imponerle una prometida a la que no quiere como futura reina. 

  Sin duda el carisma de Murphy y Arsenio Hall son los fuertes de la función. Los dos actors interpretan varios personajes ( algo que repetiría Murphy en su éxito “ El profesor chiflado “ ) entre los que destacan el peculiar Reverendo interpretado por Hall, el desternillante cantante Randy Jackson alias “ Chocolate sexy “ o los cachondos ancianos de la barbería. Junto a ellos el siempre imponente James Earl Jones como el egregio rey de Zamunda.

( Landis y Murphy durante el rodaje del film )

 Aunque ha envejecido bien, la película presenta un sentido del humor muy característico de los 80, que probablemente hoy día sería difícil de ver en una comedia en los tiempos actuales de corrección política ( sus bromas sobre los afroamericanos y algunos toques picantes ) con el choque de culturas entre el idílico reino africano del que procede Akeem ( Murphy ) y el Nueva York humilde que muestra el film como motor de la historia y una relación amorosa aparentemente imposible que se resuelve de un modo muy edulcorado como trasfondo argumental. Los guionistas no obstante no arriesgan demasiado al igual que Landis cuya realización es bastante convencional, dejando que el film destaque fundamentalmente por el carisma, histrionismo y vis cómica de Murphy y Hall. 

  En definitiva, una entretenida, ágil y encantadora comedia que con los años se ha convertido en un título de culto para los espectadores ochenteros, con personajes inolvidables ( sobre todo los secundarios ) una historia agradable de cuentos hadas y un puñado de escenas y frases desternillantes ( toda la secuencia del reverendo y “ Chocolate sexy “ o la llegada de Akeem y su sirviente al barrio pobre neoyorquino “ Sí, que te jodan a ti también “ ) 

 Lo mejor: El talento camaleónico de Murphy ( en su mejor momento antes de iniciar la cuesta abajo posterior de su carrera ) y Arsenio Hall.

 Lo peor: Que a algunos les parezca que podía haber arriesgado más.

https://youtu.be/OJL_6Uo6Qc4

Las mejores películas de cine negro ( 1 ): “ Los sobornados “ ( 1953 )

Dirección: Fritz Lang.

Reparto: Glenn Ford, Lee Marvin, Gloria Graham.

 Tras el suicidio de un policía, el agente ( Ford ) que investiga su muerte descubrirá una extensa red de corrupción que contamina a la propia policía, sus superiores le piden que deje el caso, pero el testarudo e íntegro agente, no se dará por vencido a pesar del peligro que se cierne sobre él y su familia...

  Lang realizó uno de sus films más redondos de su etapa norteamericana en uno de los géneros ( el cine policiaco ) en el que más cómodo se movió en EEUU ( “ La mujer del cuadro”, “ Más allá de la duda”, “ Mientras Nueva York duerme” ... ) Desde su impactante arranque con el suicidio del policía magistralmente rodado con punto de vista casi subjetivo, el cineasta alemán realizó una película muy concisa y precisa en su puesta en escena, guión y metraje ( dura sólo 85 minutos ) en la que algunos vieron en su retrato de una sociedad corrupta, amordazada y violenta un paralelismo con el nazismo ( el director tuvo que huir del país cuando llegaron los nazis al poder )La película es un film inusualmente violento para la época, las explosiones violentas del personaje de Lee Marvin con su novia ( en espacial la escalofriante escena del café ) los asesinatos a tiros  que muestra el film o la explosión del coche con una bomba, son impactantes y de una violencia seca y cortante y dota a la cinta de un gran realismo.

  

 

  Glenn Ford realiza quizá la mejor interpretación de su carrera como un policía que lucha contra el crimen a pesar de las dificultades y obstáculos que ponen en su camino sus jefes y cuya amargura y afán de venganza, provocan en él una profunda transformación y se acabará convirtiendo prácticamente en un criminal. La relación con su hija pequeña y con Debby ( maravillosa Gloria Grahame )humanizan al personaje y hacen que no se vuelva un asesino y mantenga a pesar de todo sus principios.

  Lee Marvin, que se convertiría en los 60,70 e inicios de los 80 en un héroe de acción ( fue marine durante la Segunda Guerra Mundial ) interpreta su primer papel importante en el cine y como en “ El Hombre que mató a Liberty Valance “ consigue con su cruel, animal y  ambicioso Vince Stone ser un malo desagradable y detestable  ( su agresión a Debby - Grahame - es escalofriante ) 

   En definitiva, una obra muy adelantada a su tiempo, narrada con nervio y brío por Lang y con unas interpretaciones de altura, que la convierten en una de las cintas policiacas más importantes de los 50.

Lo mejor: El trabajo de todo su reparto y un guion espléndido lleno de tensión y que mantiene el interés del espectador hasta el final.

Lo peor: No verla.

Joyas del cine español ( 2 ) : “ El día de la bestia “

Dirección: Alex De la Iglesia.

Reparto: Alex Ángulo, Santiago Segura, Armando Razza, Terele Pavez.

  

  Una película que supuso un giro en el cine español al reconciliar al público joven alejado del cine nacional y dar el pistoletazo de salida a una nueva generación de directores, recuperando el cine de género ( más comercial y atractivo para el gran público que el por entonces predominante “ cine de autor “ ) siendo el primer gran éxito español de público antes de los “ Torrente “ o “ Airbag” estrenados poco después a la estela de su éxito.

  De la Iglesia, tras el aperitivo que supuso “ Acción mutante “ inició su idílica relación con la taquilla gracias a una película fresca, de ritmo endiablado ( nunca mejor dicho ) con carismáticas interpretaciones ( Goya para un genial Segura ) que sintonizaba con un público amplio y mezclaba con habilidad géneros como el cine de acción, el cómic, el fantástico, la comedia Berlanguiana con toques costumbristas ( deudora también del cine de Fernán Gómez - en especial toda la parte en la vivienda del personaje de Segura y su enloquecida madre, interpretada por una impresionante Terele Pavez ) o el terror.

  La cinta realizó además una profética crítica a los por entonces recién nacidos “reality’s “ televisivos ( la escena del exorcismo televisado  del presentador “ carroñero interpretando por Razza ) y se atrevió a ensañarse con la consumista Navidad ( en la escena de los disparos a los Papa Noel ). De la Iglesia rodó planos emblemáticos y de gran fuerza expresiva como el del anuncio luminoso de “ Schweppes” o el de las torres Kio, logrando una factura técnica y visual como pocas veces se había visto en el cine español.

  Un sacerdote ( genial Alex Ángulo ) viaja a Madrid en plenas fiesta navideñas convencido de que el Anticristo nacerá en la capital ese 25 de Diciembre, para encontrar el lugar exacto donde se producirá el alumbramiento contará con la ayuda de un peculiar seguidor del Heavy metal llamado José María ( Magistral Santiago Segura por entonces apenas conocido por el gran público) Junto formarán un peculiar dúo ( como unos modernos Don Quijote y Sancho Panza ) uniéndose a ellos un popular presentador de televisión ( De Razza )

  De la Iglesia realizó su film más redondo junto a “ La comunidad “, en la que están los elementos habituales que constituyen el sello de su autor: personajes excesivos y pasados de rosca, poderío visual, barroquismo en los decorados, mala uva, humor negro, costumbrismo y violencia a raudales, logrando una película más que entretenida y que no ha perdido un ápice de su fuerza más de 25 años después, manteniendo sus virtudes intactas y ganando peso histórico en el cine español.

Lo mejor: La imaginación desbordante del director, el extraordinario trabajo de todos los actores y su ritmo ágil e intenso.

Lo peor: Que no siempre el cineasta vasco ha estado a ese gran nivel en su carrera posterior.

Joyas del cine español ( 1 ) “ El crack “

Dirección: José Luis Garcí.

Reparto: Alfredo Landa, Miguel Rellán, María Casanova, Manuel Tejada, José Bódalo.

  Esta magnífica película es una de esas obras del cine español, que verdaderamente merece ser señalada como un film clave en la evolución de nuestra cinematografía. En primer lugar por retratar maravillosamente el cambio de régimen que vivía la España de fines de los 70 e inicios de los 80 ( cuestión ya retratada por el cineasta en films anteriores como “ Asigantura pendiente “ o “ Las verdes praderas” ) segundo por capturar la época en la que se desarrolla la historia ( sus imágenes desde las alturas retratando emblemáticos lugares de Madrid como la Gran Vía que han sufrido una gran transformación con el paso de los años son muy hermosas ) y sobre todo, por ser una de las primeras películas españolas en mostrar el arquetípico detective privado tantas veces vistos en films clásicos norteamericanos de los años 40 y 50, dedicando por eso Garci el film al novelista Dashiell Hammett, autor de “ El halcón maltés” cuya adaptación al cine, se considera el pistoletazo de salida del cine negro clásico.

  

  Germán Areta ( brutal Landa ) es un ex policía que trabaja como detective privado y al apodan “ piojo “, cuando un hombre acuda a su despacho para que encuentre a su hija desparecida, se verá inmerso en una investigación cada más peligrosa, de la que gente muy poderosa quiere que se aparte ...La influencia de la cinta en todo el cine negro español posterior es indudable, películas como “ No habrá paz para los malvados “ o “ La isla mínima “ entre otras  son deudoras de este film y su meritoria secuela. 

  

 Landa que ya había trabajado con el director en “ Las verdes praderas”, fue la sorprendente elección para interpretar a un tipo duro,  de pocas palabras, lacónico, muy profesional y de mirada escrutadora. El actor bilbaíno encasillado en los años anteriores en películas de baja calidad y de destape, pero con gran éxito de público, realiza una portentosa y concisa interpretación, en donde los gestos, silencios y las miradas dicen más que las palabras. Sólo su intervención en el arranque del film enfrentándose a una pareja de atracadores que sirve de presentación de su personaje en la magnífica escena del bar de carretera y la secuencia final en el restaurante italiano New York ( con guiño a “ El padrino “ ) serían suficientes para Calificar la interpretación del actor de sobresaliente, construyendo un personaje icónico que volvería interpretar en la no menos estupenda secuela dos años más tarde. 

  Areta es un detective con principios en un mundo sucio, corrupto, en donde los poderosos parecen tener patente de corso y que a pesar de las amenazas y coacciones para que no actúe como él considera correcto, no tira la toalla poniendo su vida y su entorno en peligro. Landa hace una interpretación prodigiosa no solo como tipo duro, sino en las escenas con su novia y la hija de ésta, en donde el personaje de Areta se transforma en un tipo cálido, cariñoso y protector, cuando los tipos a los que investiga atacan a lo que más quiere, el personaje cruzará la línea entre ser detective y un vengativo ejecutor. Gracias al éxito de estas dos películas,  el actor saldría de su encasillamiento con el “landismo” e interpretaría grandes películas de los 80 como “El bosque animado”, “ La vaquilla” o “Los santos inocentes”. 

 

  Garci realizó un film muy deudor de las grandes películas de los años 40 y 50 tan admiradas por el cineasta. Su ritmo pausado y a veces contemplativo, su puesta en escena clásica ( con la cámara moviéndose lo justo, con abundantes primeros planos ) su banda sonora, así como la construcción de los personajes ( hasta los más secundarios como el del amigo peluquero o “ el abuelo” son una joya ) y las interpretaciones de todos los actores, remiten irremediablemente a obras como  “El Halcón maltés “ o “El sueño eterno”. La película se recrea en momentos muy costumbristas, que vistos con los ojos de hoy son hasta entrañables, como partidas de mus, las conversaciones sobre boxeo, los billares, los bares y las cafeterías de barrio..por donde transitan los personajes.

   

 La película es un film moral. Areta es un hombre solitario, de aspecto incluso triste, inmerso en un trabajo que le obliga a mezclarse con lo más sórdido de la sociedad. Su ilusión es su relación con Carmen, una madre soltera y su hija pequeña Mayte, los ratos que pasa con ellas son los mejor de su vida, con éstas se transforma y ve otro lado de la vida. El detective es un hombre con principios y muy concienzudo en su trabajo, si huele una pista, no la suelta a pesar de los peligros y no acepta que los poderosos se salgan con la suya y quieran apártale como a un mosca molesta. Por eso la parte final en una navideña y fría Nueva York, con planos bellísimos del puente de Brooklyn y otros lugares muy cinéfilos de la ciudad, es mi favorita del film, cuando sale el Areta más visceral y emocional en el fondo, aunque no pierde las formas de tipo frío, pausado y que no pierde las formas hasta para planear una venganza llena de riesgos.

Lo mejor: Un enorme Landa, su puesta en escena sobria y precisa, su arranque y su media hora final.

Lo peor: Los prejuicios que algunos  espectadores puedan tener por ser un film español.

Series de cine. La extraordinaria playlist de Zoey.

Disponible en HBO.

 En estos lúgubres meses que van desde el 2020 hasta este arranque de 2021 una de las series que parecen diseñadas para alegrarte la vida es esta vitalista comedia musical con toques de drama y con enredos sentimentales incluidos protagonizada por una encantadora y bienintencionada Zoey ( memorable Jane Levy ) una metepatas joven, que trabaja cono programadora una potente empresa de ingeniería informática que adquiere de repente el don de oír los pensamientos de quienes la rodean a través de las canciones que le cantan y solo ella puede escuchar, gracias a ello tratará de ayudar a solucionar los problemas de los que la rodean y también generará todo tipo de enredos personales y profesionales de pondrá su vida pata arriba.

  La frescura y originalidad de la serie está en que se trata de un musical y de cómo se introducen las canciones para hacer avanzar la historia y mostrar a Zooey y a nosotros los pensamientos y sentimientos de los personajes. La rapidez y chispa de sus diálogos que recuerdan a las comedias clásicas de directores como Billy Wilder y Howard Hawks, la selección musical de canciones actuales y clásicas, sus ingeniosos y potentes coreografías muy bien ejecutadas por todos los actores y actrices,  el carisma de sus actores en especial de la simpática y expresiva Jane Levy redondean la función. 

 A pesar de su apariencia sencilla y sin pretensiones, es una serie con más calado y fondo del que se ve a simple vista, con personajes complejos, contradictorios, que sufren con sus problemas sentimentales y laborales y se divierten también y aborda temas como la enfermedad y muerte de un ser querido, la competitividad en el mundo laboral o la dificultad del que se siente diferente en su identidad sexual. Si bien las serie se enmarca en el género de la comedia y consigue ser un producto optimista y reconfortante, tiene en sus escenas más dramáticas ( de hecho su mejor episodio es el último de la primera temporada con una memorable y emotiva interpretación de la famosa “ American pie” de todo su reparto que pone los pelos de punta ) sus momentos más brillantes y donde la serie es más interesante.

  Aunque todo el reparto brilla tanto en su faceta musical como en sus interpretaciones , la metepatas Zoey ( Levy ) es la que se lleva la palma. La joven actriz lleva sobre sus hombros gran parte de la serie y su personaje muy apegado a su familia, que se mete continuamente en líos y que duda sobre sus sentimientos entre sus día pretendientes es una joya, logrando que desde el inicio le coja cariño el espectador. A ello se le suma su buen hacer en los numerosos números musicales en los que participa y la química con sus compañeros/as de reparto.

 

Lo mejor: El trabajo de Levy, algunos  números musicales magníficos  y la agilidad y ritmo de sus diálogos cómicos.

Lo peor : Que a algunos les parezca un divertimento sin profundidad.