Series de cine : “ McCartney 3 2 1”

Disponible en Disney Plus.

 Una maravilla para cualquier amante de los Beatles en particular y de la música en general . A lo largo de seis capítulos de 30 minutos de duración cada uno, asistimos con placer  a una interesante conversación entre uno de los más importantes productores de música de los últimas décadas ( Adele, Red Hot Chili Peppers, Johnny Cash.. ) Y posiblemente la leyenda del pop rock más importante de la historia acompañados tan sólo de una caja de mezclas, un piano y una guitarra acústica. Con esos instrumentos, McCartney y Rubin analizan al detalle algunas de las más famosas canciones de los Beatles y de Paul en solitario aprovechando el bajista de la banda para contar numerosas anécdotas de su trayectoria personal y musical con sus míticos compañeros. Todo ello con una Blanco y negro al estilo de los 60, con una puesta en escena muy directa, espartana y sencilla, en donde es la charla entre ambos y la música que escuchan y analizan lo único importante. Lo que podría parecer bastante arriesgado, es decir oír a dos tipos en un escenario desnudo charlando sobre canciones, sin embargo muy se hace muy entretenido y se pasa volando al espectador.

  Gracias a su memoria prodigiosa que te deja la boca abierta sobre sus grabaciones con los Beatles y su infancia, Macca y Rubin diseccionan grandes y menos conocidas canciones de la banda, explicando a un entregado Rubin ( con el que se genera una gran química ) cómo el grupo inventaba en el estudio de grabación, siempre juguetón, curioso y buscando innovar y hacer cosas nunca antes hechas por un grupo de pop rock. El bajista es elegante y agradecido con sus ex compañeros y con el gran productor del grupo George Martin, se emociona cuando Rubin le lee una declaración de Lennon muy cariñosa y elogiosa hacia el talento de Paul. El autor de “ Yesterday” curiosamente incluso se reconoce fan del grupo al escuchar ahora todo lo que los Beatles lograron juntos y recuerda lo perdido que se encontró cuando la banda se separó y tuvo que empezar de cero.

 El documental se ve de un tirón gracias al caudal de anécdotas e historias desplegadas por McCartney y la habilidad de Rubin en extraer del veterano Beatle historias sobre cómo se conocieron él, Lennon, Harrison y Ringo, como escribían las canciones juntos, como grabaron muchas de sus canciones y acompañar la charla de ambos, de una audición de las pistas, aislando en la caja de mezclas las voces y los instrumentos dando una visión con ello muy interesante y novedosa de las canciones . Oímos trozos de sus temas, separando unos instrumentos de los otros y oyéndolos de un modo diferente, sorprendiéndose incluso el propio McCartney de los sonidos que le muestra Rubin.

 En definitiva una gozada  y una adictiva docuserie, que demuestra que todavía McCartney tiene numerosos ases en la manga con los que sorprendernos al contar su historia íntima con los Beatles.

Los mejores directores de la historia : Billy Wilder “ El crepúsculo de los dioses “ ( 1950 )

Dirección: Billy Wilder.

Reparto : William Holden, Gloria Swanson, Erich Vin Stroheim, Peggy Olson.

Disponible en Apple TV.

  Conocido por el gran público por sus incisivas y comedias a menudo protagonizadas por Jack Lemmon, el austriaco Billy Wilder fue autor de maravillosas obras de otros géneros como “ Dis sin huella “, “ Perdición” o “ La vida privada de Sherlock Holmes”. Candidata a 11  Oscars, esta desgarradora obra que retrata de un modo cruel el mundo del cine y que contó en su reparto con dos grandes directores ( Cecil B De Mille y Stroheim ) ganaría el oscar al mejor guion ( segundo de los tres que lograría Wilder ) y supuso el regreso al cine de Gloria Swanson una de las mayores estrellas del cine mudo ( que curiosamente había trabajado con Cecil B De Mille y Stroheim en los años 20 ) 

  Gloria Swanson interpreta con abundantes guiños a su propia carrera y vida a una millonaria ex estrella del cine mudo retirada desde la llegada del sonoro que vive en una fantasmal, lujosa y aterradora mansión acompañada sólo de su fiel mayordomo y chofer ( Stroheim ) Joe ( William Holden -uno de los actores fetiche de Wilder -) es un guionista sin éxito acosado por la deudas, que un día tras pinchar una rueda de su coche llega a la fantasmagórica mansión y allí conoce a la decadente y madura actriz. Ésta le pide que reescriba el guion de la película con la que está espera volver al cine por la puerta grande y él a cambio de una suculenta suma, acabará encerrado en  la cárcel con barrotes de oro que teje a su alrededor la ex estrella…Wilder logró una extraordinaria película,  con tonos góticos y que rozan el cine de terror, que mezcla varios géneros como el cine negro ( que es el que más encaja en el tono del film ) o el drama pasional y es además un ácido retrato del cine no exento no obstante de una mirada de amor por el séptimo arte ( la escena en la que Joe y el personaje interpretado por Peggy Olson pasean por los decorados desiertos de los estudios de la Paramount es un claro ejemplo ) 

   La película retrata de una forma  más triste e incluso patética los problemas que supusieron para grandes estrellas del cine mudo el cambio al cine sonoro a cómo se  mostraría poco después  de un modo más luminoso y cómico “ Cantando bajo la lluvia “ y hace unos años la oscarizada “ The Artist”. Norman Desmond ( Swanson ) vive en una burbuja de cristal, anclada en otro tiempo mejor, su fiel chofer y mayordomo ( un gran Von Stroheim) que fue su descubridor y primer marido, la mantiene engañada haciéndole creer que siguen escribiéndole cartas los fans y que pronto interpretará una nueva película a las órdenes de Cecil B. De Mille con tal de no hacerle daño y que se mantenga feliz en sus ensoñaciones. Joe supone para ella un soplo de aire fresco y una nueva ilusión, pero lo que para éste en un primer momento parece un lucrativo negocio ( reescribir un guion para ella ) se convertirá en una auténtica cárcel al enamorarse ella de él y tratar de suicidarse cuando éste trata en vano de abandonarla, lo que provoca que guionista decida permanecer a su lado . Wilder y Brackett ( entonces su co guionista habitual y que romperían su relación profesional por discrepancias en la escritura del guion  ) construyeron algunos personajes fascinantes. Primero el de Norma,  una mujer en apariencia fuerte, pero débil y desvalida en realidad y que es como una niña pequeña que vive en su mundo de fantasía o el de Max, un hombre que la idolatra y la mantiene engañado para hacerla feliz y secretamente aún está enamorado de ella dispuesto a servirle de un modo abnegado, casi perruno a pesar de la llegada de un nuevo amante. Von Stroheim fue un genio como director durante el cine silente ( su mítica “ Avaricia “ de la que no quedan coimas íntegras es una de las películas malditas más famosas de la historia ) con continuos enfrentamientos con los productores y que había caído en el olvido con la llegada del sonoro Y aquí interpreta de modo magistral al criado de Desmond, un personaje patético a la vez que encantador.

  La película tiene un arranque muy típico de los filmes de cine negro en la que una voz en Off nos cuenta la trayectoria hacia su triste final del protagonista de la película ( Holden ) Este arranque es especialmente innovador ya que es el cadáver en la piscina del protagonista ( con un magnífico ehipnótico plano desde el fondo hacia arriba ) el punto de partida  de la película y es el fallecido personaje el que nos cuenta cómo ha llegado hasta allí, siendo igualmente genial el final de la película con Norma descendiendo como una estrella por las escaleras de la mansión, creyendo que está interpretando una película a las órdenes de De Mille ( de nuevo engañada por su fiel sirviente Max ) cuando en realidad los periodistas acuden a su casa junto a la policía , lo hacen atraídos por el morbo y por la tragedia que allí ha sucedido.

Lo mejor: Todo. En especial el guion y las interpretaciones de Stroheim y Swanson.

Lo peor: No haberla visto.

“ Jungle cruise” El Nuevo filón de Disney.

Dirección: Jaume Collet-Serra.

Reparto: Dwayne Johnson, Emily Blunt, Jack Whitehall, Edgar Ramirez.

 Tras haber exprimido hasta la última gota la saga de “ Piratas del Caribe” basada en una atracción de sus parques temáticos, Disney ha llevado a la gran pantalla otra de sus atracciones con “ Jungle cruise” cuyo gran éxito en su primera semana de distribución ( 90 millones entre cines y la app de Disney plus ) apunta a nueva franquicia, gracias a su hábil mezcla de acción, humor y fantasía, el gran hacer de Johnson ( el héroe de acción más apreciado por todos lo públicos en las últimas dos décadas ) y Blunt ( una de las mayores actrices todoterreno del cine americano actual que igual hace comedia, aventuras, cine futurista, acción y terror ) y una acertada dirección del español Serra.

  La fórmula desde luego no es nada original, tomando elementos de la saga Indiana Jones con Johnson como sucedáneo del famoso explorador, de “ La momia “ (  con dos hermanos ingleses aventureros como los que interpretaban John Hannah y Rachel Weisz y en la trabajó el propio Johnson ) las propias cintas de Piratas del Caribe ( los soldados españoles malditos recuerdan a los piratas fantasmales de los films de la saga ) e incluso “ La reina de Africa “ trasladada al Amazonas con el personaje de Johnson que parece al de Bogart del film, pero musculoso y con más humor. Este cóctel está bien agitado por Collet-Serra, director de films de acción solventes ( varios como la intensa “ Non stop” con Liam Neeson como protagonista) que dota al conjunto de brío y agilidad.

  1916. Dos hermanos ( Blunt y Whitehall ) víajan desde Londres a Brasil con la finalidad de encontrar un legendario árbol cuyas hojas tienen milagrosos efectos curativos. Para llegar hasta él, contratan a un peculiar y tramposo capitán de barco ( Johnson ) que les llevará a través del Amazonas hacia su destino, debiendo superar numerosos peligros durante su accidentada travesía..Los ecos de la leyenda del Dorado ( aparece el histórico Lope de Aguirre que el siglo XVI se rebeló contra la menarquia española en su obsesiva búsqueda del Dorado, aquí sustituida por un árbol mágico …) conecta la película con numerosas cintas de aventuras del Hollywood clásico. 



  Además de por sus hermosos y deslumbrantes paisajes y unos efectos visuales impresionantes, la cinta sustenta gran parte de su atractivo en el divertido duelo interpretativo entre el socarrón, tramposo y rudo Jack ( Johnson ) y la testadura y adelantada a su época Lily ( Blunt ) que se nota que debieron pasarlo en grande durante el rodaje. Johnson repite como héroe de acción, pero cediendo una parte importante del protagonismo a una valiente y emprendedora Blunt, cuyo personaje es el auténtico motor  de la acción. Se nota que los guionistas se han preocupado de caracterizar muy bien a los personajes centrales, para no hacerlos demasiado esquemáticos, dándoles una razonable profundidad dramática y oportunidades de lucimiento a cada uno. El sentido del humor de ambos personajes en los que ambas estrellas se sienten como pez en el agua, hace que la película sea si cabe más entretenida y entrañable por momentos.

 Los responsables del film buscan con éxito recuperar el aliento de los films de aventuras más clásicos del cine de los 40 y 50 con unos efectos especiales y un asombroso despliegue técnico muy actuales, que no llegan a ser afortunadamente demasiado protagonistas ( al revés de lo que sucedía en la saga de Piratas del Caribe ) y que no restan al film un aire retro muy logrado gracias a una dirección artística sobresaliente.



Lo mejor: Un acertado ritmo que no decae nunca, el carisma de su pareja protagonista y su irresistible química.

Lo peor: Un malvado demasiado bufonesco y le sobran 20 minutos. 

Clásicos del cine negro ( 13 ) “ Chinatown “ ( 1974)

Disponible en Apple TV.

Dirección: Roman Polanski.

Reparto : Jack Nicholson, Faye Dunaway, Perry Lopez y John Huston.

  Para muchos la última obra maestra del cine negro clásico. Una obra demoledora, amarga, cruel y desengañada como las grandes novelas y películas de la etapa dorada del género negro. Dirigida por Polanski a su regreso a Los Ángeles tras el trágico asesinato de su esposa Sharon Tate en 1969, fue producida por “ niño prodigio” de la Paramount Robert Evans ( que había producido grandes éxitos como “Love Story “, “ El Padrino uno y dos “ y “ La semilla del diablo “ del propio Polanski ) escrita por Robert Towne en uno de los mejores guiones de la década, es una maravillosa película no solo para los aficionados al cine policiaco, sino para cualquier amante del cine en general.

 

  Nicholson ( muy amigo de Robert Towne Y que dirigiría una inferior secuela en 1990 ) estaba en la fase de ascenso al estrellato de su carrera ( un año antes de su primer Oscar por “ Alguien voló sobre el nido del cuco” ) interpreta a un expolicía cínico y descreído dedicado a la investigación privada experto en descubrir infidelidades conyugales que es contratada por una misteriosa mujer ( Diane Ladd ) para descubrir si su marido le engaña con otra… pronto descubrirá que todo es un engaño y que detrás de esa investigación se esconde una oscura trama relacionada con el suministro de agua en Los Ángeles. En realidad la trama sobre el agua, es un “macguffin” ( como diría Hitchcock) para contar una cruda y sórdida historia familiar de aires shakesperianos y de tragedia griega, que el espectador descubrirá a la vez que el detective privado protagonista.

  La película, aún moviéndose en unos temas y códigos muy propios de las novelas de Sam Spade o Philip Marlowe y homenajeando los cánones habituales en el cine policiaco más clásico ( el perfil de detective de oscuro pasado y de vuelta de todo, la mujer misteriosa que lo contrata y oculta secretos que el protagonista irá descubriendo poco a poco, el malvado millonario que corrompe todo, giros argumentales sorpresa, diálogos punzantes e incisivos, el tratamiento de la policía como tipos corruptos y bastante poco eficaces, que van siempre por detrás del detective en el descubrimiento del misterio, su banda sonora ..) es también un film moderno ( su lenguaje que usan lo personajes y el tema del incesto no hubiera sido posible abordarlo en los años 40 ) que supo conectar con los gustos del público de los 70, convirtiéndose la película además de un éxito de crítica en un film muy taquillero. 

 

 Polanski con una vida atormentada y una personalidad complicada se hizo cargo del proyecto a iniciativa de Evans ( con el que había coincidido con gran éxito en “ La semilla del diablo “ ) tuvo roces con Towne ( ganador del Oscar ) cuyo guion muy personal modificó  profundamente  ( “ El gran adiós “ de Sam Wasson es un espléndido y pormenorizado retrato de la concepción, rodaje y marco histórico de la película- la época álgida y el inicio del declive del “ Nuevo Hollywood “ de fines de los 60 y toda la década de los 80- ) y contó curiosamente con el mítico John Huston como uno de los protagonistas ( el cineasta dirigió en 1941 “ El halcón maltés “ la película que se considera inaugural del género negro ) padre además de Angelica Huston, pareja por entonces de Nicholson y con el que el cineasta tenía una relación difícil. Sería el autor de “ Repulsión” quien elegiría a Faye Dunaway como coprotagonista a pesar de su fama de difícil y que chocaría  con el director, realizando no obstante una fascinante y ambigua interpretación muy acertada en su complejo personaje.

  A pesar de ser un director bastante innovador, Polanski dota al film de un aroma clásico Gracias a su maravillosa banda sonora del siempre espléndido Jerry Goldsmith, su intesante fotografía de tonos marrones del magnífico operador John Alonzo ( “ Scarface”, “ Harold y Maude “ )y de su preciosista y hermoso vestuario.

  A lo largo de la accidentada reescritura del guion por Polanski, uno de los elementos en los que más se empeñó cineasta fue en su impactante, desgarrador y fatal  desenlace con ecos de tragedia griega, probablemente muy influenciado en la vida del cineasta llena de episodios desgarradores y terribles ( su infancia en el ghetto de Varsovia, la muerte de su madre en Auschwitz , el asesinato de su esposa embarazada … ) y que marca de modo indeleble a la película, dándole un tono pesimista muy habitual en el cine del director polaco.

Lo mejor: Un memorable Nicholson, su hermosa banda sonora, su evocadora banda sonora de jazz, 

Lo peor: Su duro desenlace.