martes, 29 de marzo de 2022

“ Asesinato en el Orient Express” ( 2017 ) Una intriga elegante y muy entretenida.



Disponible en Disney plus. 
Dirección Kenneth Branagh.
Reparto: Kenneth Branagh, Michelle Pfeiffer, Daisy Riley, Johnny Depp, Judy Dench, Penelope Cruz, Olivia Colman, Derek Jacobi, Willem Dafoe.
 En la década de los 70 del pasado siglo fue muy habitual la reunión de grandes estrellas del pasado y de otras ascendentes en aquel momento en películas sobre todo de catástrofes, que reunían repartos espectaculares como sucedió en “ El coloso en llamas “ o “ La aventura del Poseidón”. El siempre interesante Sidney Lumet ( “ Doce hombres sin piedad” , “ Veredicto final” ) dirigió en 1974  a grandes estrellas del Hollywood dorado ( Lauren Bacall, Ingrid Bergman o Richard Widmark ) y actores de gran éxito de la época ( Sean Connery, Michael York, Jacqueline Bisset y Vanessa Redgrave ) en una lujosa y muy entretenida película que adaptaba una de las famosas novelas de Agatha Christie. Más de 30 años después Kenneth Brannagh, se atreve con un remake no menos lujoso y con otro largo elenco de estrellas, siendo inevitables las comparaciones con su magnifica predecesora, saliendo el realizador irlandés muy bien parado del reto. 



  1934 tras resolver con éxito un misterioso robo en Jerusalén, Hércules Poirot ( Brannagh ) el más famoso detective del mundo, inicia sus vacaciones en un viaje desde Estambul hasta el centro de Europa a bordo del exquisito tren Orient Express, invitado por un amigo. Cuando se produce un asesinato de uno de los pasajeros tendrá que ponerse el mono de trabajo e investigar la identidad del o de los asesinos del pasajero.



 El director de “ Hamlet” y “ Enrique V” rueda una película de gran belleza visual, gracias a sus decorados, vestuario de época y una fotografía soleada en el inicio y helada durante el trayecto del tren más que sobresalientes. El trabajo de todo el elenco de actores es magnífico brillando de entre todos ellos en especial una madura Michelle Pfeiffer, un malvado Johnny Depp alejado de sus personajes histriónicos habituales, una frágil Penelope Cruz y en especial un sensacional Branagh que compone un Poirot menos excéntrico que el Albert Finney en el film de Lumet y menos bonachón que el de Peter Ustinov en las películas de Los 70 e inicios de los 80. Su Poirot es mas parecido al Sherlock Holmes clásico en sus métodos y su gran concepto de si mismo y un particular sentido de la justicia.



 Branagh opta por no hacer apenas cambios argumentales en la trama y en los personajes de la novela y de la cinta de Lumet, si acaso da más peso al personaje de Daisy Ridley ( que interpretaba Vanessa Redgrave en l película de 1974 ) que en la cinta original e introduce el prólogo en Jerusalén que no está en la novela. El director también hace un film más espectacular visualmente que la película de Lumet, con abundantes tomas aéreas y llamativos movimientos de cámara para tratar de huir de un tono excesivamente teatral.



  Sin margen para la sorpresa, ya que su desenlace es bien conocido para los que vieron la película de 1974, el principal interés para los que vieran en la cinta original es disfrutar del trabajo de su amplio y lujoso reparto y encontrar las pequeñas diferencias argumentales con el título de Lumet. Para los que no hayan visto la primera película, la nueva versión logra intrigar desde el momento en el que se produce el asesinato y  sin duda la identidad del asesino o asesinos logra mantenerse muy bien escondida por Branagh, consiguiendo con el final coger por sorpresa al espectador que difícilmente ve venir el impactante desenlace ( aquí está una de las diferencias más importantes con la película original, ya que Poirot cuenta a los pasajeros y sospechosos como va hilando las pistas sin tener él mismo claro el desenlace de su razonamiento al que va llegando a la vez que explica dichas pistas a sus oyentes, mientras que en la película de Lumet el detective tiene claro antes de iniciar su exposición quien o quienes son los culpables )




Lo mejor: El gran trabajo sin excepción de todo su reparto y un tratamiento visual muy atractivo y espectacular.
Lo peor: Las comparaciones odiosas con su predecesora, que aún siendo más redonda, no impide que el director logre una más que estimable versión respecto de la película inicial. 



lunes, 21 de marzo de 2022

Clásicos del cine negro ( 20 ) “ Callejón sin salida “ ( 1946 )



Disponible en Apple TV.
Dirección : John Cromwell.
Reparto: Humphrey Bogart, Lizbeth Scott.
  Un film noir injustamente olvidado dentro de la filmografía de Bogart, a pesar de ser estrenado en la mejor y más exitosa etapa del carrera del actor ( el mismo año que estrenó “ El tesoro de Sierra Madre “, dos años antes de “ Cayo largo” y al año siguiente de “ El sueño eterno “ ) en la que el actor como en “ Cayo largo “ es un ex militar, en este caso paracaidista, que investiga la desaparición de un antiguo compañero de armas al que iban a condecorar. Poco a poco irá descubriendo la oscura vida pasada de su amigo y su relación  con una mujer ( Scott ) que huele a peligro a leguas…



 Bogie interpreta un personaje en algunos aspectos alejado de su rol habitual en los films policiacos que solía protagonizar. No es un detective ni un policía, sino un militar que investiga la muerte de un amigo y que quiere hacerle justicia, al que pegan varias palizas, engañan y manipulan y aunque a veces parece pérdido en medio de una trama que por su complejidad a veces recuerda a “ El sueño eterno “  demuestra en varios momentos su astucia e inventiva ( en  la escena por ejemplo en la que se cambia y se pone el pijama )y derrocha sarcasmo, ironía y algo de chulería como los detectives que interpretó el actor en otros films más famosos.



 Frente al protagonista de “Casablanca “ borda su personaje de traicionera y embaucadora femme fatal ( en la línea de su futuro personaje en “ Demasiado tarde para las lágrimas “ ) la turbadora Scott cuya voz ronca y apariencia frágil, recuerda poderosamente en su físico ( hasta en el peinado ) y su voz ronca a la propia Lauren Bacall ( esposa de Bogart) Narrada con una irónica y descreída voz en off de Bogart ( que le cuenta la historia a un sacerdote ) el guión de la película es espléndido y contiene muchas de los elementos habituales del género ( la película de está contada como otros clásicos - “ Foragidos “ - por ejemplo- con un flashback, la presencia de la femme fatale, del gangster dueño de un night club, una fotografía oscura , predominando las escenas nocturnas, los giros de guión, las traiciones, la violencia y personajes ambiguos moralmente - como el propio protagonista-…) y logra mantener la intriga y el interés del espectador hasta el final.



  La cinta por los numerosos elementos que recoge de otras películas del género ( el night club que se parece al de “ El sueño eterno “ o “ Gilda” la relación en la parte final de Bogart y Scott que recuerda al del primero y Mary Astor en “ El halcón maltés” ect  ) es un buen film para adentrarse en el género por los no iniciados en el noir de los 40. Quizá como elemento anacrónico y que puede molestar a un sector del público actual, el personaje de Bogart es muy machista en sus comentarios sobre las mujeres ( hay que encajarlo en el contexto de la época ) 



Lo peor: Que por comparación con otras obras maestras policiacas de la época, no sea muy conocida hoy día y no se  le haya hecho justicia.
Lo mejor: Un Bogart en su mejor momento, la historia de obsesión amorosa que arrastra al personaje protagonista y la turbadora interpretación de una fascinante Scott.



lunes, 14 de marzo de 2022

“La crónica francesa” ( 2021 ) La última joya de Wes Anderson



Disponible en Disney plus.

Dirección: Wes Anderson.
Reparto: Bill Murray, Adrien Brody, Benicio del Toro, Lea Sydoux, Tilda Swinton, Owen Wilson, Frances Mcdormand, Timothy Chamelent, Lyna Khoudri, Mathieu Amalric, Elisabeth Moss, Willem Dafoe, Jeffrey Wright, Leiv Schreider, Saoirse Ronan, Edward Norton, Christophe Waltz, Fisher Stevens. 
  Wes Anderson es uno de Los cineastas más reconocibles y con un sello más personal y característico del cine americano actual. Su estilo visual, diálogos , temas habituales y su particular humor ha generado aplausos y fobias, su cine se ama o se odia. Su última película es el mejor ejemplo de sus grandes virtudes como artista pero también de sus defectos más habituales, al combinar momentos espléndidos y otros flojos y sin interés. Sólo por su impresionante reparto, merece la pena verla, aunque sea su película menos redonda de entre sus últimas cintas ( “ El gran hotel Budapest “ e “ Isla de perros “ - sus dos anteriores films son muy superiores - ) 

 


  Su debilidad principal es un guión endeble y descompensado al ser muy irregular sus tres historias sin un argumento interesante. El carisma de sus actores ( aunque algunos están muy desaprovechados - como Moss, Dafoe o Waltz - ) su hermosa fotografía y muchos diálogos brillantes, compensan sólo en parte estas carencias que están más presentes y acusadas que en otras películas anteriores. 
  


  Anderson es un director muy visual y su fotografía es muy colorista hasta el punto de que todos los planos de la cinta  ( por ejemplo al inicio del film cuando va Owen Wilson en bicicleta ) son como un cuadro del siglo XIX ( aunque en la película hay muchos pasajes en un B/N que quizá por su homenaje a lo francés que es esta película recuerda a la Nouvelle vogue ) Esa virtud que hace que sus películas sean deslumbrantes visualmente, logran que la cinta sea una experiencia para los sentidos y para dejarse llevar por sus hermosos planos. Como en otras obras del director tejano, sus diálogos irónicos y a veces surrealistas ( escritos por  el propio realizador ) y en muchas ocasiones hilarantes, son de lo más brillante del film, así como  el larguísimo elenco de magníficos actores, casi todos ellos habituales en sus películas. Sin embargo numerosos de estos personajes son en exceso caricaturescos y son tantos los que pasan por el film, que no da tiempo a profundizar en ninguno de ellos.



El guión se estructura como un periódico: con un reportaje de viajes, tres historias y un epílogo ( una necrológica ) La primera historia y la tercera son la más redonda mientras que la segunda destaca por la chispeante aparición de la joven promesa francesa Lyna Khoudri. La primera ( la mejor con diferencia ) narra la historia de un preso condenado por asesinato ( Del Toro ) que dibuja desnuda a una funcionaria de presiones ( una como siempre turbadora Lea Sydoux) y se convierte sin salir de la cárcel en un pintor de culto, la segunda protagonizada por Timothy Chamelent y Francés Mcdormand, es la más estereotipada y hueca, narra una revuelta de estudiantes ( en un clarísimo guiño al Mayo del 68 ) contra lo establecido y la última con Amalric, Wright y Norton como estrellas, cuenta como el secuestro del hijo del jefe de policía se resolverá con un menú envenenado y es sin el tramo más divertido y alocado. 





 “ La crónica francesa “ es en definitiva la obra más onanista de su director, su película más autocomplaciente y la sublimación del estilo de Wes Anderson, en la que es su película más abstracta, coral y hueca para sus críticos , pero sigue conteniendo momentos de una belleza y acierto en su puesta en escena a la altura de pocos cineastas ( los momentos que comparten Sydoux y Del Toro, la escena de dibujos animados en la persecución, el cara a cara de Chamelent y Khoudri o el viaje en bici de Owen Wilson ) y otros divertidísimos ( la ya aludida persecución animada o la batalla campal en la cárcel )



Lo mejor: Un reparto espectacular, una fotografía impresionante, unos decorados muy coloristas y algunos golpes de humor muy divertidos.
Lo peor: Un guión irregular, varios de los magníficos actores están desaprovechados y los personajes son muy tópicos y casi ninguno con algo de profundidad.





miércoles, 2 de marzo de 2022

“ Kimi” Magistral homenaje a Hitchcock en la era de las nuevas tecnologías



Disponible en HBO Max.
Dirección: Steven Soderbergh.
Reparto: Zoe Kravitz, Devin Ratray, Byron Bowers.

 Una joven programadora ( Kravitz )que trabaja para una empresa tecnológica, cree escuchar en una grabación que está revisando de un programa informático ( llamado Kimi )unos sonidos que cree pueden constituir un asesinato de una mujer. La joven que tiene agorofobia y no quiere salir de su apartamento, empezará a indagar sobre lo que pudo suceder con aquella mujer…
Dirigida por el realizador de “Erin Brockovich” ( Oscar a Julia Roberts ) “ Traffic “ ( Oscar al Mejor director y a Benicio del Toro ) o la trilogía de Ocean's con Clooney, Pitt y Matt Damon y escrita por el guionista de de “ Parque jurásico”, la primera entrega de “ Misión imposible “ o “ La guerra de los mundos” de Spielberg, se trata de una cinta de intriga de un ritmo muy ágil que mantiene enganchado hasta el final al espectador y que a pesar de sus humildes pretensiones, es una estupenda película muy disfrutable e intensa y más compleja de lo que parece. Con claras influencias del cine de Hitchcock ( al igual que en los films del cineasta británico, la acción arranca en torno a un Macguffin - un elemento que desencadena la acción como el uranio en “ Encadenados “ , un microfilm en “ Con la muerte en los talones “ .. pero que es en realidad una mera excusa argumental para contarnos una historia que se separa a veces de ese elemento )Soderberg acredita su talento narrativo al ir mostrando elementos ( el mirón de enfrente del piso de Ángela o la obra encima de su vivienda ) que luego en el tramo final veremos la importancia que tienen, todo ello con una precisa puesta en escena y unos encuadres y movimientos de cámara muy ajustados.



  La película no oculta influencias muy obvias como “ La ventana indiscreta “ ( la protagonista observa a sus vecinos por la ventana y es observada a su vez por un misterioso vecino ) “ Blow out “ de Brian de Palma ( un técnico de sonido escucha en una grabación un crimen y arriesga su vida para investigar ) “ Los tres dias del condor “ de Sydney Pollack ( un funcionario de la CIA se enfrenta a una gran conspiración de una organización que pone en riesgo su vida )  “ La conversación “ de Coppola ( en la que las escuchas de conversaciones sobre la clave del film ) pero actualiza estos elementos haciendo referencia a las nuevas tecnologías de hoy día ( los móviles, internet o los altavoces tipo Alexa …)” integrando brillantemente en la trama estos objetos tecnológicos muy habituales en nuestras vidas, siendo claves en el argumento y en el desenlace de la historia.



  La película reflexiona sobre cómo la tecnología nos ayuda en nuestra vida ( Gracias a ella se detecta por Ángela un asesinato ) pero también nos controla ( gracias a ella localizan los movimientos, ubicación y futuros pasos de la protagonista gracias al hackeo de su móvil ) No falta  por eso en la película una crítica a las grandes multinacionales tipo Apple, google o Facebook y como la cesión de nuestra  intimidad a estas empresas nos hace más vulnerables y indefensos. También hay referencias a la  pandemia y al COVID ( se nos muestra a personajes con mascarillas y se hace referencia al confinamiento- la agorafobia y el aislamiento que padece Ángela, son una  metáfora del aislamiento de muchas personas que a pesar de tener acceso a móviles, redes sociales y tecnología están  más aisladas que cuando no existían esas herramientas- )



( Soderbergh dirigiendo a Kravitz )

  La mayor parte del peso del film recae sobre una magnifica y muy atractiva Zoe Kravitz. La nueva Catwoman confirma el gran momento de ascenso profesional que vive. La hija de Lenny Kravitz y Lisa Bonet, hace una interpretación en la que combina momentos de angustia, vulnerabilidad y mucha fuerza y hasta fiereza ( sus últimos minutos del film son brutales ) Sus problemas de salud y su carácter arisco y ermitaño evolucionan hacia una heroína que lucha contra los peligros con inteligencia y valentía. 



 En definitiva, una película que acredita el talento de su director para con pocos medios, enganchar al espectador con una trama muy entretenida, con abundantes dosis de suspense y también de acción, muy por encima de la media del thriller actual.



Lo mejor: El magnífico trabajo de Kravitz, la puesta en escena y el ritmo que imprime Soderbergh y un estupendo guion de Koepps.
Lo peor: Que las inquietante reflexiones que plantea la película son muy reales.