" Star Wars Episodio VII: El despertar de la fuerza"

Dirección: J.J. Abrams.

Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Harrison Ford, Adam Driver, Carrie Fisher.

¿ Dónde estaba J.J Abrams en 1999 cuando George Lucas perpetró ese ataque a los fans de la

saga Star Wars llamado "  La amenaza fantasma" ? ¿ Por qué George Lucas no vendió antes de las desastrosas precuelas  los derechos de la saga a la productora Disney ? Viendo esta gozada de Episodio VII es una pena de Abrams no estuviera a los mandos de la franquicia mucho antes. 

 

  

 Cuenta la leyenda que antes del estreno comercial de la primera película de la Guerra de las Galaxias, George Lucas le mostró un primer montaje aún por pulir con efectos especiales a varios directores amigos entre ellos Steven Spielberg, el director de " E.T" fue de los pocos que vieron el gran potencial de la cinta. Más de 30 años después él director recomendó a JJ Abrams para ponerse detrás de la cámara a dirigir la nueva entrega de la serie y esa recomendación ha sido un enorme acierto. 

 Abrams revolucionó desde fines de los 90 la tv  con dos series de culto ( " Alias " y " Perdidos " ) dio nuevo impulso a la saga cinematográfica de " Misión imposible " y rejuveneció y revitalizó la serie " Star Trek" , con esos galardones se puede uno enfrentar con valentía al reto de relanzar la franquicia más idolatrada de la historia del cine. Con Lawrence Kasdan felizmente recuperado como guionista ( autor de los libretos de " El Imperio contrataataca" y " En busca del arca perdida" ) se garantizaba una buena historia y un guión de aliento épico y que conectará con la trilogía inicial. 

  El tercer gran reto era la elección de un reparto de jóvenes actores de futuro y poco conocidos que con acierto se decidió que se unieran al trío original a modo de relevo y viendo el carisma, fuerza y simpatía de Daisy Ridley, la expresividad y química con Ridley de John Boyega, el entrañable nuevo androide BB8 y la amenzazadora presencia del inquietante nuevo villano Adam Driver la labor de casting ha sido espléndida. Ridley es quizá la gran revelación del film, su personaje lleno de secretos, duro a la vez que vulnerable, experta piloto y con una infancia misteriosa es lo mejor del reparto. Driver por su parte tenía un durísimo reto, estar a la altura del villano más famoso de la la historia y aunque su personaje está algo exagerado , su envergadura física , su voz íntimidatoria y su desgarrada historia familiar , lo convierten en un villano muy efectivo. Mención especial entre los veteranos merece el ajado, pero bromista y aún ágil Han Solo que compone con un carisma impresionante Harrison Ford que protagoniza algunas de las mejores frases cómicas del film y una de las escenas cumbres y más importantes de la serie frente a Kylo Ren ( Driver )

" El despertar de la fuerza" tiene como principal acierto y defecto que ofrece al fan de la saga el film que desea ver, ni más ni menos, lo cual tras las precuelas tan machacadas por crítica y público no es poco. El film es un regalo magnificamente ideado, rodado y presentado a los seguidores. El director no arriesga ( salvo en la escena de la muerte que dejara impactado al espectador )  lo que puede ser una virtud o un defecto,  ofrece un producto muy identificable a los fans que se sentirán como en casa  con el aroma de los primeros films, con abundantes guiños a esa primera trilogía, ya que la película tanto en sus escenarios, estructura de guión e historia recuerda notablemente a la película que originó la saga y tiene mucho de remake encubierto de ésta y de sus dos continuaciones ( enredos paterno filiales, máquina destructiva a atacar por la Resistencia , posada de monstruos , inicio de la historia en un planeta desértico, la Republica aplastada por los militares , el líder supremo que recuerda al Emperador ... )

Kasdan crea un magnífico guión con una buena historia digna sucesora de la primera trilogía, construye unos personajes con fondo y un pasado e identidad enigmáticos, escribe chispeantes diálogos ( sobre todo los que mantienen Rey - Ridley y Finn- Boyega - ) y da un halo de misterio a la trama muy estimulante, con numerosos cabos sueltos inteligentemente abiertos a interpretaciones y a resolver en las dos siguientes entregas, abundando nostálgicamente en los guiños a los seguídores de la serie.

El director apuesta por su parte en un film con un look cercano a la trilogía inicial ( se nota en especial en sus efectos especiales con mucha menos infografia y en sus decorados artesanales ) ya que sabe muy bien lo que espera su público y se lo da con calidad y con firme pulso narrativo, excelente dirección de actores , combinación equilibrada y medida de acción, mucho humor, algo de romance, luz y oscuridad, espectáculo y recogimiento. Su maravillosa secuencia final con la música de John Williams poniéndonos la piel de gallina con ese reencuentro entre pasado y futuro  y que abre nuevas  incógnitas para las nuevas dos cintas de la serie, cierra con broche de oro una película de evasión sobresaliente que nos deja con ganas de más . No lo tendrá fácil el sucesor de Abraams.

Lo mejor : El carisma de Ridley, un guión a la altura de las primeras películas y una dirección ágil y con gran pulso narrativo.

Lo peor: Que a algunos les parezca que se arriesga poco, algunos bajones de ritmo en la parte central , que Carrie Fisher haya envejecido tan mal.

" Ocho apellidos catalanes: secuela apresurada"

Director: Emilio Martínez Lázaro 

Reparto: Dani Robira, Karra Elejalde, Carmen Machi, Clara Lago, Berto Romero, Belen Cuesta, Rosa María Sardá.

  Como era de esperar la inevitable secuela del mega éxito " Ocho apellidos vascos" ha arrasado en taquilla en sus primeras semanas en los cines. Los críticos no obstante han sido muy duros y también la han atacado con fuerza muchos espectadores a través de las redes sociales. La recaudación sin embargo ha sido espectacular: más de 11 millones de euros ( 56 recaudó en total la primera parte ) y casi dos millones de espectadores en poco más de una semana.

  La discordancia entre el éxito de taquilla y la crítica de los expertos es casi tan antigua como el propio cine. Basta ver la lista de las películas más taquilleras de cada año y se puede comprobar cómo las cintas más apreciadas por el público suelen ser muchas veces vapuleadas por la crítica más sesuda y es que los gustos del público que abarrota las salas suele muchas veces ser opuesto al de los críticos con paladar más exquisito. Algo así está pasando con " Ocho apellidos catalanes.

 Por eso iba al cine a ver la película con mucha prevención y temiendo lo peor, ya que a mí la primera parte no me entusiasmó. Y tengo que decir que me he llevado una grata sorpresa.

  La nueva cinta de Martínez Lázaro no es una excelente película, de hechos tiene demasiados fallos de guión, dirección y de interpretaciones, pero tiene otra virtudes que la hacen una película muy disfrutable y gozosa de ver, que no es poco. En primer lugar está su magnífico reparto, aunque la pareja Rovira- Lago pierde mucho fuelle respecto a la primera película y algunos fichajes ( Sardá y Romero ) están demasiado poco aprovechados, pero ambos dejan destellos espléndidos en varios momentos, siendo sin duda el nuevamente entrañable, cascarrabias y a la vez vulnerable Karra Elejalde como Koldo y Carmen Machi como la pizpireta y liante Merche cuyo personaje acertadamente gana peso en la película junto al nuevo fichaje de la encantadora Belen Cuesta con un personaje que crece durante la acción, los que dan brillo y calidad a la secuela. Si eso se le añade su gran ambientación y una fotografía más cuidada y luminosa y momentos de guión muy logrados como la visita inicial de un vasco de pura cepa como Koldo a Sevilla, la presentación con equívocos del personaje de Roser( Sardá ) la escena con la peculiar pareja de Mossos  y la noche de enredo con encuentros y desencuentros vodevilescos en la massia. Como sucedía en la primera la galería de secundarios es espléndida: los dos amigos "facha" de Rovira con más presencia que en la primera entrega y con algunas de las frases más afortunadas de la película, el peculiar alcalde catalán o la pareja de Mossos.

  Sin embargo también hay que decir que la dirección de Martínez Lázaro es demasiado rutinaria y descuidada por momentos, su argumento es muy tópico y hay menos carcajadas que en su antecesora y se nota que la película se ha realizado apresuradamente y a contrareloj. Uno de los retos de esta secuela era lograr la continuación del efecto sorpresa y aire de novedad que tenia su predecesora y ese efecto en parte se ha perdido en la secuela, de hecho sus guionistas han reconocido haberse  inspirado en la muy superior " La boda de mi mejor amigo" ( que partía de una premisa que tampoco era una idea nueva ya que la clásica  " Historias de Philadelphia " de 1940 contaba la historia de Cary Grant- aquí Rovira- que se presentaba por sorpresa en la boda de su ex Katherine Hepburn-Clara Lago para  reventar su boda  con un tipo relamido- aquí Berto Romero- )

  Posiblemente si la película se hubiera escrito con más tiempo y el rodaje hubiese sido distinto, la película hubiese sido incluso mejor que la primera parte. Además la historia romántica Rovira- Lago no acaba de convencer y tocar la fibra del espectador como debiera, en gran parte por el personaje y la interpretación de Lago, que está más desdibujado y oscurecido que en la primera película.

 Todos esos defectos lastran un conjunto, que gracias a su reparto levanta el vuelo en varios momentos y logra que salga el espectador con muy buen sabor de boca de la sala, lo cual no es nada fácil de lograr y se agradece en los tiempos que corren.

Lo mejor: El gran trabajo de Elejalde y Machi.

Lo peor: Su recta final más floja que el resto del conjunto.

80 años de Woody Allen: sus mejores obras

Con ocasión de su 80 cumpleaños repasamos las películas más destacadas del autor neoyorquino:

" El dormilón" ( 1973 )

Con Woody Allen, Diane Keaton.

En sus inicios el cine de Woody Allen era deudor del cine mudo y el "slapstick" así como del humor absurdo y surrealista de los hermanos Marx. En su cuarta película y la primera con su musa Diane Keaton, se contaba la historia de un musico que congelado en el siglo XX despierta en un futuro dictatorial que recuerda a el mundo paranoico del " 1984" de Orwell. El director logró un film que aunque irregular, tenía gags visuales y diálogos destenillantes que prometían futuras películas de más entidad.

" Annie Hall " ( 1977 )

Con Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts.

Si alguien no hubiese visto ningún film del neoyorquino, ninguna cinta representa la quintaesencia del cine de Allen como esta deliciosa mezcla de comedia y drama galardonada con el Óscar al mejor film, guión y actriz principal en la que el cineasta cuenta las idas y venidas de una pareja y con la que su director dio un salto de madurez respecto a sus películas anteriores de estilo y tono más ligero y surrealista a un tono más reflexivo , con una puesta en escena y toque visual más elaborado, temáticas más adultas y contemporáneas y diálogos inolvidables.

" Manhattan " ( 1979 )

Con Woody Allen, Diane Keaton, Mariel Hemingway.

 Última colaboración de Allen con su musa Diane Keaton hasta 1993. El director en una gran estado de forma firmó su segunda obra maestra que se inicia con una emocionada y poética declaración de amor a Nueva York con la música de Gershin y la hermosa fotografía en blanco y negro del gran Gordon Willis. El director abordó alguno de sus temas recurrentes posteriores como la crisis de madurez, el matrimonio , la infidelidad o las relaciones entre un hombre maduro y una chica muy joven ( Hemingway ) que luego tendría su reverso oscuro con los mismos temas en la terrible " Maridos y mujeres" que retrataría con realismo la ruptura de Allen y Mia Farrow.

" Zelig " ( 1983 ) 

Con Woody Allen, Mia Farrow.

 Una original e innovadora visualmente joya, que supuso la segunda película de Allen y su nueva pareja Mia Farrow en la que gracias a maravillosos hallazgos visuales Allen cuenta como si fuese un documental en blanco y negro la historia de un hombre que a principios del siglo XX goza de la capacidad como si fuese un camaleón humano de convertirse físicamente en otra persona con la que este sea de otra raza o apariencia física, lo cual le ocasionará graves problemas de identidad que Farrow tratará de arreglar.

" Broadway Danny Rose" ( 1984 )

Con Woody Allen, Mia Farrow.

Nostalgico y sentido homenaje al mundo del espectáculo y las variedades en la que Allen interpreta a un peculiar representante de artistas fracasados y de medio pelo, pero a los que adora, que verá como cuando un representado suyo va a dar el salto al éxito, lo deja tirado por influencia de su manipuladora novia ( Farrow ) Aunque para muchos es un film menor de su autor, es una obra  entrañable y con mucho corazón, con momentos patéticos y otros desternillantes, que presenta uno de los finales más emotivos y hermosos de la carrera del director.

" La rosa púrpura del Cairo" ( 1985 )

 Con Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello, Diane West.

Hermoso canto de amor a la magia del cine que contiene una de las mejores interpretaciones de Farrow. Ambientada durante la Gran Depresión  de los años 30 del siglo XX, se narra la historia como un  mcuento de hadas en la que una desgraciada joven maltratada por su despreciable marido ( Aiello ) se evade de su triste vida gracias al cine de su barrio. Un día uno de los personajes de una película  ( Daniels ) sale de la pantalla en busca de la joven.

" Hannah y sus hermanas " ( 1986 )

Con Mia Farrow, Bárbara Hershey, Michael Caine, Woody Allen, Diane West, Max Von Sidow, Cliff Robertson.

Quizá la obra más redonda de su director que encadenaba en aquella época grandes películas una detrás de otra con pasmosa facilidad. De nuevo el director combina de modo brillante drama ( trágico en ocasiones, no en balde Allen escogió al director de fotografía y actor fetiche de su admirado Igmar Bergman ) con comedia ligera ( la divertida parte interpretada por el propio Allen ) en la que como en otro films anteriores se nota la influencia y la admiración de Bergman. Merecido Oscar para Michael Caine ( único actor en conseguirlo  en el cine de Allen )

" Delitos y faltas " ( 1989 )

Con Martín Landau, Woody Allen, Mia Farrow, Alan Alda, Angélica Huston.

Quizá la más personal y compleja cinta de Allen hasta la fecha, en la que el cineasta vuelve a mezclar historias que transcurren en paralelo hasta que se cruzan al final en este caso. Por un lado la historia trágica protagonizada por un enorme Martín Landau que acuerda con su hermano mafioso que mate a su incomoda amante ( Huston ) y por otro la historia cómica de amor entre Allen y Farrow con un pesado y estupendo Alda como tercero en discordia. En su última y crucial escena que cierra magistralmente la cinta Allen y Landau reflexionan sobre la moral en un duelo interpretativo de altura.

" Maridos y mujeres " ( 1992 ) 

Con Woody Allen, Mia Farrow, Juliette Lewis, Sidney Pollack, Judy Davis, Liam Neeson.

Una película durísima realizada en plena descomposición de la pareja Allen- Farrow y estrenada tras el gran escándalo de la relación de éste y su hija adoptiva, en la que el director filma sus entrecruzadas historias con una cámara  nerviosa , febril , desencuadrada en la que el espectador se siente incómodo como si fuese un vouyeur obsceno que observa la vida que se hunde en el fango de sus torturados personajes. Genial y tremenda.

"Misterioso asesinato en Manhattan" ( 1993 )

Con Woody Allen, Diane Keaton, Alan Alda y Angélica Huston.

Tras la desgarradora experiencia personal y artística que supuso su obra anterior, Allen se refugia en su antigua musa Diana Keaton en esta deliciosa y genial comedia de intriga que homenajea dos clásicos del género como " La ventana indiscreta " en su planteamiento argumental y " La dama de Shanghai" en su secuencia final de los espejos y en la que el director demuestra su afición y admiración por el cine negro. Deliciosa.

" Todos dicen I Love you " ( 1996 )

Con Woody Allen, Goldie Hawn, Julia Roberts, Alan Alda, Eduard Norton, Natalie Portman, Drew Barrymore.

Allen se marca un musical de canciones de Cole Porter y otros autores con un reparto de campanillas de actores cantando sin trampa ni cartón. Como es habitual el director mezcla varias historias ligeras y alegres destacando la de Allen y Julia Roberts por las calles de Venecia y la de una descocada Drew Barrymore.Maravillosa la escena final del baile de Hawn y Allen al borde del Sena.

" Desmontando a Harry" ( 1997 )

Con Woody Allen, Judy Davis, Demi Moore, Billy Crystal, Elisabeth Shue,Robin Williams. 

Otra cinta muy oscura de Allen con muchas notas autobiografícas y que destila mucha mala uva, en la que la mezcla entre la realidad y la ficción es una de sus notas carácteristicas. Con escenas geniales como la del infierno con un gran Billy Cristal, el episodio del personaje desenfocado   o su amargo final y con bastantes momentos también para la sonrisa, se trata de una de las últimas obras maestras del cineasta.

" Match Point" ( 2005 )

Con Jonathan Rhys- Meyers, Scarlett Johansson,Emily Mortimer y Matthew Goode.

La película favorita de su filmografía, es una cinta extraña en el estilo habitual del cine de Allen sobre todo en su últimos años de films más descuidados formalmente. Con un argumento que recuerda a la historia de Martin Landau en " Delitos y faltas " Allen dirigió una obra despiadada, dura y apasionada con una carnal y peligrosa Scarlett Johansson ( nueva musa del director ) como gran atracción de esta penúltima joya Alleniana, con un final de antología sobre las ironías del destino y como el azar puede hacer cambiar la vida de las personas.

" Medianoche en París" ( 2011)

Con Owen Willson, Marion Cotillard, Rachel MacAddams, Lea Syroux.

 La película más taquillera de su autor y su última joya. Maravillosamente fotografiada esta sorprendente historia de viajes en el tiempo por el Paris de entreguerras y de la "belle epoque" es una nueva muestra del talento, imaginación e inspiración de un director que no para de sorprender y ama al ciñe posiblemente por encima de todas las cosas.

" Spectre" : el broche de oro de Daniel Craig y Sam Mendes

Dirección: Sam Mendes.

Reparto: Daniel Craig, Lea Sidoux, Ralph Fiennes, Christopher Waltz, Naomi Harris, Mónica Bellucci.

   Adiós Mister Craig. A la vista del sorprendente y nostalgico final de la última cinta de 007, parece claro que las cuatro películas  de Craig como Bond cuyo vínculo argumental entre sí queda aquí explicado y al descubierto y que forman una unidad casi independiente al resto de la saga, cierran un círculo y con ello la era de  Craig como protagonista con la conclusión de estas cuatro cintas conectadas entre sí y cuya trama común parece resuelta y conclusa.

  Como recordarán los seguidores de la serie " Casino Royale"'( 2006 ) fue un reinicio de la saga ( un reboot como se dice hoy día )  al estilo de " Batman begins" ( 2005 ) del nuevo Batman de Nolan, un Bond más oscuro, vulnerable y frío con influencias de Nolan y del mayor realismo y crudeza en las escenas de acción de la saga Bourne ( sobre todo en las peleas en las que cada golpe en una pared o puerta y cada puñetazo casi lo siente el espectador ) tras dos películas muy flojas de Brosnan y con las sagas de Jason Bourne y Misión imposible mojándole la oreja, Craig revitalizó el personaje y Bond vivió en este rebobinado de la saga ( basada en la primera novela curiosamente de Flemming cuyos derechos no tuvieron hasta hace poco los dueños de la franquicia ) una gran historia de amor con Vesper Lind ( quizá la mejor relación amorosa de 007 desde la de Diana Crigg en " Al servicio secreto de su majestad" gracias al gran trabajo de la siempre misteriosa y ambigua Eva Green ) que acabó con la muerte trágica de ella. Al final de "Casino Royale" y al inicio de su secuela " Quantum of Solace" Bond busca a los culpables de su dolor y localiza a un sardónico Señor White como pista hacia los culpables. En " Skyfall" como en " Spectre" viajará a su infancia y tras la muerte M ( Judy Dench ) al final de " Skyfall " en esta nueva cinta Craig sigue el rastro de una extraña organización criminal internacional sobre cuya pista le pone de nuevo White y que parece estar detrás de los villanos de las tres anteriores cintas. 

Tras un arranque espectacular ( con sensacional plano sin cortes de 6 minutos  incluidos en la que Mendes realiza un complejo " tour de force" ) en el centro de Méjico D.F que Bond deja hecho unos zorros y unos memorables títulos de crédito ( de los mejores de la serie ) por el que desfilan las mujeres y villanos de la etapa Craig, Bond es suspendido del servicio por el nuevo M ( un como siempre efectivo Ralph Fiennes cuyo personaje gana mucho peso en esta ocasión ) y en una cruzada personal obsesiva se reencontrará con un viejo " amigo " de su infancia relacionado con la muerte de sus padres cuando era niño.

En medio de esa historia de reencuentros , venganza y redención personal , será clave el enigmático personaje de Lea Sidoux cuya historia de amor- odio con Bond es uno de los puntos fuertes dramáticos del film y la historia amorosa entre ambos es de la más creíble y profunda de la serie siendo Domoinique Swan mucho más que una mujer florero, logrando hacer a Bond dudar sobre su estilo de vida y su compromiso con el servicio secreto.

  Y mientras 007 busca respuestas , un antipático personaje trata de apoderarse de los servicios secretos occidentales y jubilar a los agentes 00 y de acabar con M y sus equipo.

  " Spectre"  ofrece lo que todas las películas de la serie: viajes exóticos, un malvado megalómano, acción inverosímil y hermosas chicas Bond ( desaprovechada sin embargo la turbadora Bellucci y una Lea Sidoux que se convierte en una de las mejores chicas Bond de la serie ) y algo más: un personaje que se enfrenta ( como en " Skyfall" ) a sus demonios familiares y se replantea su solitaria y sangrienta vida siempre al límite gracias a dos mujeres ( Moneypenny y la chica Bond interpretada por Sedoux ) que lo ponen emocionalmente contra las cuerdas, un malo que no es el típico loco, sino un tipo complejo ( maravilloso Christopher Waltz ) con una sádica visión del mundo y una equilibrada combinación de acción a raudales y momentos de intimísimo en los que el director acredita su mano maestra. 

Mendes ofrece además a los más fans del personaje guiños de films añejos de la etapa Connery como ashton Martín de los 60, el gigantón que casi le mata, el personaje de Waltz, la melodía final que cierra el film o una pelea con el gigante  que recuerda a las de " Desde Rusia con amor" y " La espía que me amó".

   Tras el gran trabajo de Mendes y Craig, no será fácil encontrar un nuevo Bond y otro director adecuado, el listón está muy alto, que pase el siguiente..

Lo mejor: Todo, especialmente  la historia familiar de Bond y la relación éste con M y Swan.

Lo peor: Que probablemente sea la última de Craig el mejor 007 desde Connery y el más fiel a las novelas de Felming.

Adiós pelirroja

 

   A los venerables 95 años se fue una de las más hermosas actrices del Hollywood clásico de los 40 y 50, que compitió con la también bellísima Eleanor Parker como la pelirroja más inolvidable del cine americano. Su impresionante escena con el duro John Wayne atrayéndola a la fuerza hacia él y besándose con furia refugiados en plena tormenta en la deliciosa " El hombre tranquilo " ( 1952 ) quedará siempre en ls memoria de los amantes del cine y define a la perfección el tipo de personaje temperamental y rebelde que la hermosa irlandesa interpretó sobre todo en el cine de aventuras y en el western de la mano de otro irlandés insigne: John Ford.

   Llegó a Hollywood procedente del cine británico con sólo 19 años en  1939 tras " Jamaica inn" de Hichcock y de la mano de Charles Laughton que le recomendó que se cambiase el nombre protagonizó su primer papel importante como bella " Esmeralda la zíngara " con Laughton como Quasimodo. Su gran salto como actriz  fue con la oscarizada " ¡ Qué verde era mi valle ! " ( 1941 ) su primer trabajo con John Word, el cineasta clave en su carrera.

 

   Con el director de " La diligencia " y junto a su gran amigo John Wayne protagonizó 3 maravillosas películas entre 1950 y 1957. En los 40 y 50 protagonizará magníficos  films de aventuras como Los piratas del Caribe", " El cisne negro" con Tyrone Power, " Simbad el marino" con Douglas Fairbanks jr o " La isla de los corsarios" con Errol Flynn y Anthony Quinn que compaginó con los films de Ford y otros western  menos recordados.

   Su papel más emblemático  fue sin duda el de la obstinada  y tempestuosa Mary Kate que se enamora del rudo SeanThornton ( John Wayne ) a pesar de la cabezoneria de su hermano en impedir el matrimonial entre ambos. La película le supuso el cuarto Óscar a Ford y nos regaló emblemáticos momentos gracias a la explosiva química de la pareja que Ford aprovecharía en varias películas más.

   En los 60 y 70 descendería su fuerte ritmo de trabajo volviendo a conocidir en la menor " El gran Mclintock" ( 1963 ) ya sin Ford en la dirección, siendo sin embargo su última película recordada por el gran público el de la madre de las pizpiretas gemelas de " Tú a Boston y yo a California " ( 1961 )

   Se va una de las últimas grandes de la mejor y más brillante etapa del cine americano. Los recuerdos de sus maravillosas películas harán que sin embargo que los amantes del buen fue e nunca la olvidemos.

" Irrational man" Woody Allen en estado de gracia

Dirección: Woody Allen.

Reparto: Joaquim Phoenix, Emma Stone, Parker Posey

   El cine de Woody Allen viene dividiendo a la crítica en los últimos años. Por un lado la mayoría piensa  que el director dirige en los últimos 20 años sus películas con el piloto automático, de modo descuidado desde el punto de vista formal, dando lugar a cintas rutinarias y sin dejar su sello personal, estando muy lejos los tiempos en los que el director ( entre fines de los 70 y mediados de los 90 contaba por obras maestras casi cada film que dirigía ) y por otro una minoría alaba el esfuerzo del director en ofrecer cada año una nueva película no siempre redonda, pero casi siempre interesante, cuidada, muy bien interpretada y con momentos de genialidad.

   " Irrational man" es su mejor obra desde " Medianoche en París" ( 2011 ) y seguramente tras ella su mejor  película desde " Matchpoint" ( 2005 ). 

  Admirador del cine negro ( " Perdición" de Billy Wilder es para Allen la mejor película de la historia ) el director de " Manhattan " ha hecho guiños al cine policiaco en curiosamente algunas de sus mejores obras como " Delitos y faltas " , " Misterioso asesinato en Manhattan " " Scoop" , " Match point" o " El sueño de Cassandra " con grandes resultados, mucho de eso vuelve a estar muy presente en su último film. La nueva obra del neoyorquino es una de sus cintas más negras y pesimistas, que entronca por su argumento y por su desenlace sorpresa con otros  grandes obras como la mencionada " Match point" y " Delitos y faltas " ( 1990 ) que igualmente abordaban la idea del crimen perfecto, la reflexión de si el fin justifica los medios ( un asesinato ) y la moralidad o no de determinados comportamientos socialmente reprochables pero para el protagonista justificados y necesarios y presenta guiños a films anteriores ( por ejemplo en la escena de los espejos que recuerda a " Misterioso asesinato en Manhattan" o el uso de la linterna que rememora la moneda al aire de " Match point" )

  La cinta arranca como un relato muy woodyalleniano de un atormentado profesional de filosofía ( un gran Phoenix) con una pesimista y existencialista visión vacía de la vida por el que se siente atraída una alumna ( una como siempre adorable Emma Stone ) y una amargada y madura profesora ( Posey )  que llega a una pequeña localidad para dar clases. Ese arranque presenta algunos de los vicios más criticados en su trayectoria reciente es lo más flojo del film que se pierde en diálogos grandilocuentes sobre filosofía y el sentido de la vida, siendo el ritmo de la cinta demasiado contemplativo. Sin embargo a los 35 minutos el film da un sorprendente giro argumental que transforma el comportamiento del protagonista, la temática de la película y la dota de un  tono más oscuro. Es en esa segunda parte del film donde Allen demuestra su mano de maestro, su habilidad para manipular hitchcockrianamente al espectador y la cinta se transforma en otra película distinta más interesante y sorprendente. 

Más allá de un final quizá algo atropellado y de algunas casualidades algo inverosímiles que descubre Stone, la película logra con ese movimiento argumental, le enorme trabajo de Phoenix y una preciosa fotografía del siempre magistral Darius Khondji convertirse en una película sobresaliente, que aunque no es perfecta deja un espléndido sabor de boca cinematográfico y un regusto moral amargo.

Lo peor: Su arranque.

Lo mejor: Su discurso moral/amoral, la hermosa fotografía y el gran trabajo de Phoenix.