“ Star Wars: El ascenso de Skywalker” El gran desafío.

Dirección: J J Abrams

Reparto : Daisy Ridley, Adam Driver, Oscar Isaac, John Boyega, Carrie Fisher, Richard E. Grant, Ian Mcdiarmid, Marc Hamill, Anthony Daniels, Kerri Russell.

 JJ Abrams es un tipo muy valiente o muy inconsciente. Doblemente . Primero en 2014 se atrevió a asumir la dirección del arranque de un nueva y definitiva trilogía que debía cerrar la saga de los Skywalker a pesar del peso del mito entre legiones de fans de varias generaciones de la trilogía clásica de lo 70/80 y tras las duras críticas de la segunda trilogía dirigida por Lucas entre 1999 y 2005. El resultado fue en general bien recibido por fans y crítica. Y en segundo lugar tras el varapalo que recibió mayoritariamente Rian Johnson con “ Los últimos Jedi “ ( 2017 ) aceptó culminar no solo esta nueva trilogía , sino la totalidad de una saga de 9 films que son leyenda de la historia del cine. Casi nada. El reto era inmenso e imposible de lograr : dar respuesta satisfactoria a todas las incógnitas que han abierto estas últimas películas y condensar una saga de nueve películas en un único film. Es indudable que su broche final no podía contentar a todos, pero el resultado como espectáculo visual, como cúmulo de emociones y como cinta de acción es magnífico, pero lógicamente no es perfecto, ni Abrams pretendía que lo fuera, ni ningún director lo hubiera logrado.

 

  En cuanto a la trama, para no revelar secretos, decir que gira sobre la  revelación de los sorprendentes origenes familiares de Rey ( el gran misterio de la nueva trilogía  ) la lucha entre Rey y Kaylo Ren por atraer al otro/a a la Fuerza y al Lado Oscuro de ésta y la lucha final de una diezmada Resistencia contra la Primera Orden y como reaparece el Emperador Palpantine ( aparentemente muerto en “ El retorno del Jedi - 1983- )

  Si algo se hace evidente al ver esta última película es que está muy claro que los responsables de la franquicia no tenían un plan argumental completo y coherente  para las tres películas y que cada título ( que ha tenido guionistas diferentes) ha “ hecho la guerra por su cuenta “ ofreciendo unas claves  opuestas  entre sí unas películas respecto a las otras. Si Rian Johnson hubiera hecho esta última película, sin duda hubiese sido muy distinta y si Abrams hubiese dirigido la anterior , el giro que imprimió Johnson no se hubiera producido. De hecho esta última película es una enmienda casi a la totalidad al trabajo muy criticado que realizó Johnson en la película  anterior y aunque Abrams lo haya negado, se ha rectificado aspectos esenciales  como el origen de Rey , el perfil y comportamiento del viejo Luke ( el propio Hamill criticó duramente como su personaje heroico ha sido “rediseñado”  en “ Los últimos Jedi “ ) o quien era Snoke. Y por otro lado hay numerosos misterios que o no se explican o se explican de modo acelerado e incongruente . La obsesión por rizar el rizo , por la reaparición sorpresa de antiguos personajes de las anteriores trilogías y por los giros argumentales, llega a ser exagerado . ¿ Hubiera sido posible un mejor guión ? Sí, sobre todo si se hubiera esperado más tiempo entre “ Los últimos Jedi” y este Episodio IX, pero tampoco hubiera sido redondo : la necesidad de explicar tantas incógnitas en una sola película, corregir el rumbo del anterior film y contentar a todos los fans, es imposible hasta para el mejor de los guionistas. Así que lo mejor es olvidarse de esos “ agujeros “ y contradicciones de guión y disfrutar, dejándose llevar sin hacerse demasiadas preguntas  por el aparatoso y efectivo  espectáculo que el Abrams director despliega con maestría y que convierte “ El ascenso de Skywalker “ en la más intensa y dinámica de la última trilogía . En eso Adams demuestra su talento como narrador y demuestra ser un director más que idóneo para esta película .

 Consciente de que muchos achacaron a “ Los últimos Jedi” la falta de un ritmo más intenso y que los tres protagonistas de la Resistencia ( Rey, Finn y Poe ) sólo  coincidían al final, en esta nueva trama la mayor parte de la historia están juntos y  apenas hay espacio para recobrar el aliento con una sucesión de escenas de acción y lucha muy bien resultas visualmente . Igualmente salvo en su última media hora,  el tono de la película es menos oscuro que su predecesora y el guión incluye más notas de humor y camaradería entre los tres héroes. 

  Si en algo ha estado acertado la nueva trilogía en cuanto a guión, es el diseño del personaje de Kylo Ren , probablemente el mejor personaje desde el punto dramático de las 9 películas ( si Annakin hubiese estado mejor escrito y mejor interpretado, hubiese sido el mejor , pero errores de casting y de guión lo impidieron ) . Su carácter atormentado, explosivo, dubitativo, débil a la vez que despiadado y su evolución a lo largo de las tres películas, así con su magnética relación con Rey es de lo mejor de las tres películas. El enorme trabajo físico e interpretativo de Adam Driver ( uno de lo mejores actores americanos de su generacion - será casi seguro nominado al Oscar este año por la dura “ Historia de un matrimonio” - ) es el gran acierto de casting de la última trilogía , junto a la jovencísima y desconocida Daisy Ridley. La actriz imprime una arrolladora personalidad  al personaje y posee un brillo y un carisma impresionante. Su Rey, a pesar de su aparente fragilidad es el alma de las últimas películas y tendrá un gran futuro por delante .

  Abrams ( mejor director y productor que guionista ) conoce perfectamente al público al que se dirige y astutamente realiza distintos guiños a los más fans de la saga. Además de cinefilos apuntes para los más fans, toma claramente y sin disimulo como inspiración la estructura de “ El retorno del Jedi “ ( su tercio final es casi un calco , con duelo con el Emperador incluido ) y logra momentos de una gran emotividad para los seguidores  de la saga como el regreso al planeta de la infancia de Luke, el regreso de “ viejos conocidos “ , recupera un mensaje que estaba muy presente sobre todo en la trilogía clásica de Lucas : la unión hace la fuerza y esa unión aunque parezca imposible puede derrotar al imperio más poderoso ( ésto ya se dialumbraba algo en el final “ abierto “ de ” Los últimos Jedi “ )  no obstante deja varios cabos sueltos sin resolver probablemente queriendo que sea el público el que de la respuestas que más le satisfaga.

  En definitiva un ágil, dinámico y entretenidísimo film de evasión, que cumple a perfección su cometido en ese aspecto, que aún con fallos muy claros en la historia , culmina de un modo muy respetuoso, emotivo y esperanzador una saga inolvidable para tres generaciones de espectadores, aunque es consciente de que no podrá gustar a todo el mundo.

Lo mejor: Su ritmo, sus escenas de duelos con espada láser, el regreso de Palpantine y sobre todo la química entre

Driver y Ridley.

Lo peor: Que  sus conclusiones no gustarán a todos los fans , que deja numerosos cabos sueltos sin resolver y un guion con demasiados agujeros y a veces muy atropellado.

“ Puñales por la espalda” el espíritu de Agatha Christie revive

Dirección : Rian Johnson.

Reparto: Daniel Craig, Ana de Armas, Chris Evans, Christopher Plummer, Michael Shannon, Don Johnson, Jamie Lee Curtis, Toni Colette.

   Rian Johnson es uno de los directores más interesantes y prometedores del cine americano de los últimos años, tras su innovadora y espléndida “ Looper” ( 2012 ) entre otras cintas, recibió el emocionante y a la vez envenenado encargo de Lucasfilm de dirigir la segunda entrega de la definitiva trilogía de Star Wars y su “ Los últimos Jedi” recibió enormes críticas de un sector importante de los fans más puristas de la saga, logrando no obstante un film que ha ganado enteros y respeto con el tiempo.

  Como el mismo ha declarado Johnson decidió dirigir un film totalmente distinto y más pequeño tras los quebraderos de cabeza provocados por esa compleja y controvertida superproducción y el resultado es este entretenido, ingenioso y maravillosamente interpretado divertimiento con apariencia ( falsamente ) de sencillez y que homenajea sin rubor a las novelas de Agatha Christie y las películas de crímenes en mansiones en  donde todos son sospechosos de un crimen, así como a la gran” La huella “ ( 1972 ) que también se desarrollaba en una enorme mansión llena de referencias a las novelas de un anciano escritor de éxito  de novelas de misterio ( Laurence Olivier en ese film y aquí un como siempre magistral Christopher Plummer )

  Un famoso escritor de novelas policiacas ( Christopher Plummer ) aparece tras su 85 cumpleaños muerto y aunque parece que se ha suicidado, un reputado detective ( Daniel Craig ) cree que ha sido asesinado por alguno de sus avariciosos familiares que ansían desesperadamente su herencia millonaria. La clave de su muerte parece guardarla su angelical enfermera ( De Armas ) Partiendo de este tópica premisa argumental, la película se desarrolla entre giros de guión y sorpresas, logrando mantener al espectador intrigado hasta el desenlace final en el que cuál Poirot y Miss Marple, el personaje de Craig explica cómo llega a descubrir con maestría como sucedieron los hechos.

  Johnson acredita su talento narrativo al contar la historia con un  ritmo envolvente que sin ser trepidante, si es lo bastante ágil para no aburrir en ningún momento, sin experimentar a pesar de más de dos horas de metraje ningún bajón y consiguiendo que gracias a su talento visual, su modélico guión  y lo acertado de la elección de un inspiradisimo reparto, un film muy por encima de la media de este tipo de cintas de suspense “ a lo cluedo”

  No falta un mensaje social anti Trump, personificado en el clasismo decadente anti inmigración de los pedantes y racistas familiares del fallecido que desprecian con aparente condescendencia a la inmigrante interpretada por De Armas, sobre cuyo pos de origen bromea el film, cuya bondad y carácter servicial y generoso a pesar de sus escasos recursos supera al de lo hijos y nietos del escritor, cuya relación paterno finial con ella es la clave argumental y moral de la película. La hispano cubana Ana de Armas ( que coincidirá de nuevo con Craig como chica Bond en el nuevo film de la franquicia ) es la gran “ revelación “ del film ( nominación a los Globos de Oro incluido ) su interpretación llena de matices y su carisma ilumina la pantalla y roba el protagonismo a todo el reparto y la consolida como una de las actrices con más futuro del cine americano.

  Junto a De Armas, Daniel Craig, deseoso de demostrar su valía como actor más allá de la saga Bond, realiza una interpretación con un tono paródico muy divertida como excéntrico y maniático detective infalible cuyo olfato le hace ver desde el inicio que en la muerte del escritor hay gato encerrado . El resto de secundarios cumple a la perfección su cometido y como suele ocurrir en estos casos, el menos sospechoso es el culpable, aunque también en el aparente crimen habrá un giro final impactante.

  En definitiva una película de pretensiones humildes, que esconde no obstante tras su aparente sencillez, mayor carga de profundidad de lo que aparenta y que cumple plenamente su pretensión de entretener con estilo.

Lo mejor : Las magníficas interpretaciones de De Armas y Craig .

Lo peor: Que algunos no vean más allá de su fachada de entretenimiento y de homenaje al subgénero de película de crímenes en mansiones con pluralidad  de sospechosos.

(Temporary Backup) “ Dolor y gloria” el artista está desnudo

Dirección: Pedro Almodóvar 

Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Nora Navas, Penelope Cruz, Julieta Serrano, Leonardo Sbaraglia.

  

  Tras varias películas poco apreciadas por el público y recibidas con frialdad e indiferencia por la crítica, Almodóvar recuperó el aplauso de críticos y un gran éxito de taquilla, con esta autobiografíca, contenida, emotiva y deshinbida película , que resume muchos de las obsesiones , fetiches, temáticas y estilo visual habitual en su cine. Al revés que en otros films, Almodóvar encuentra un punto de contención y equilibrio que hace de eta última cinta, una de sus obras más redondas y disfrutables para los que no son fans del cineasta . 

La película transcurre en dos momentos temporales distintos: en el presente, cuando un enfermo y abatido director de cine llamado Salvador Mallo ( enorme Banderas ) se reencuentra con dos hombres que marcaron su pasado ( Etxeandia y Sbaraglia ) en un momento personal difícil en el que ha perdido la ilusión y no se ve capaz de volver a dirigir y en la España de los años 60 durante la niñez del director, que es  la mejor parte sin duda, con una maravillosa Penelope Cruz como abnegada y entrañable madre de Salvador niño y en donde el director  hace un retrato costumbrista y nostálgico de su infancia y despertar a la vida, con escenas como el de las lavanderas  de una gran belleza. 

  Almodóvar no esconde el carácter personal de la historia que cuenta: los inicios de Mallo como director en la movida de los 80, su pertenencia a un grupo en el que se disfrazaba de mujer, las relaciones difíciles con su madre cuando Mallo es más mayor, su niñez en un colegio religioso..incluso la caracterización de Banderas y su modo de vestirse y moverse recuerdan  muchísimo al manchego. Es sin duda valiente y muy arriesgado desnudar una vida, unos sentimientos y la intimidad del modo en que lo hace el director de “ Hable con ella” sin ninguna necesidad  y logré conectar a tan bien como lo hace con millones de espectadores. Después de su reencuentro con “ La piel que habito” el realizador vuelve a contar con Banderas, que es la piedra angular del film y de demuestra  que con una adecuada dirección es capaz de realizar interpretaciones de altura. Curiosamente aunque es más conocido como director de actrices, Almodóvar construye el film sobre tres personajes masculinos, aunque las magníficas interpretaciones de Nora Navas, Serrano y Cruz nos recuerdan lo bien que escribe el cineasta personajes femeninos, de hecho las mujeres son claves en la vida de Mallo, a pesar de su homosexualidad y son retratadas  por el director como seres protectores que cuidan del protagonista  ( hasta Navas es como una madre para Mallo y éste por vergüenza lo oculta cosas como si fuera su progenitora ) 

  La crisis del director, que se ve bloqueado por una encrucijada  personal para poder seguir creando, es una excusa argumental ya utilizada por otros directores de la talla de Fellini ( “ Ocho y medio” ) o Woody Allen ( “ Stardust memories “ ) De hecho en la película del genial autor italiano, el protagonista ( Mastroniani )  también recuerdan su infancia con flashbacks que cruzan la película y Almodóvar riza  el rizo cuando el propio Mayo usa sus recuerdos como la hace el director de “ Átame” al escribir y dirigir esta película , en un hermoso y brillante final del film.

  En definitiva una película magistralmente interpretada, escrita con maestría ( hay diálogos y giros argumentales sólo a la altura de un gran guionista) y dirigida con un pulso propio de un director que ha alcanzado la madurez en su oficio y sabe contar con precisión y elegancia la historia que narra.

Lo mejor: El inolvidable trabajo de Banderas , el guión y la emotiva interpretación de Penelope Cruz.

Lo peor: Que algunos no conecten con su historia, por su ritmo pausado o por perjuicios contra el director.

“ Dolor y gloria” el artista está desnudo

Dirección: Pedro Almodóvar 

Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Nora Navas, Penelope Cruz, Julieta Serrano, Leonardo Sbaraglia.

  

  Tras varias películas poco apreciadas por el público y recibidas con frialdad e indiferencia por la crítica, Almodóvar recuperó el aplauso de críticos y un gran éxito de taquilla, con esta autobiografíca, contenida, emotiva y deshinbida película , que resume muchos de las obsesiones , fetiches, temáticas y estilo visual habitual en su cine. Al revés que en otros films, Almodóvar encuentra un punto de contención y equilibrio que hace de eta última cinta, una de sus obras más redondas y disfrutables para los que no son fans del cineasta . 

La película transcurre en dos momentos temporales distintos: en el presente, cuando un enfermo y abatido director de cine llamado Salvador Mallo ( enorme Banderas ) se reencuentra con dos hombres que marcaron su pasado ( Etxeandia y Sbaraglia ) en un momento personal difícil en el que ha perdido la ilusión y no se ve capaz de volver a dirigir y en la España de los años 60 durante la niñez del director, que es  la mejor parte sin duda, con una maravillosa Penelope Cruz como abnegada y entrañable madre de Salvador niño y en donde el director  hace un retrato costumbrista y nostálgico de su infancia y despertar a la vida, con escenas como el de las lavanderas  de una gran belleza. 

  Almodóvar no esconde el carácter personal de la historia que cuenta: los inicios de Mallo como director en la movida de los 80, su pertenencia a un grupo en el que se disfrazaba de mujer, las relaciones difíciles con su madre cuando Mallo es más mayor, su niñez en un colegio religioso..incluso la caracterización de Banderas y su modo de vestirse y moverse recuerdan  muchísimo al manchego. Después de su reencuentro con “ La piel que habito” el realizador vuelve a contar con Banderas, que es la piedra angular del film y de demuestra  que con una adecuada dirección es capaz de realizar interpretaciones de altura. Curiosamente aunque es más conocido como director de actrices, Almodóvar construye el film sobre tres personajes masculinos, aunque las magníficas interpretaciones de Nora Navas, Serrano y Cruz nos recuerdan lo bien que escribe el cineasta personajes femeninos, de hecho las mujeres son claves en la vida de Mallo, a pesar de su homosexualidad y son retratadas  por el director como seres protectores que cuidan del protagonista  ( hasta Navas es como una madre para Mallo y éste por vergüenza lo oculta cosas como si fuera su progenitora ) 

  La crisis del director, que se ve bloqueado por una encrucijada  personal para poder seguir creando, es una excusa argumental ya utilizada por otros directores de la talla de Fellini ( “ Ocho y medio” ) o Woody Allen ( “ Stardust memories “ ) De hecho en la película del genial autor italiano, el protagonista ( Mastroniani )  también recuerdan su infancia con flashbacks que cruzan la película y Almodóvar riza  el rizo cuando el propio Mayo usa sus recuerdos como la hace el director de “ Átame” al escribir y dirigir esta película , en un hermoso y brillante final del film.

  En definitiva una película magistralmente interpretada, escrita con maestría ( hay diálogos y giros argumentales sólo a la altura de un gran guionista) y dirigida con un pulso propio de un director que ha alcanzado la madurez en su oficio y sabe contar con precisión y elegancia la historia que narra.

Lo mejor: El inolvidable trabajo de Banderas , el guión y la emotiva interpretación de Penelope Cruz.

Lo peor: Que algunos no conecten con su historia, por su ritmo pausado o por perjuicios contra el director.

“ El irlandés “ El regreso del mejor Scorsese

Dirección : Martin Scorsese.

Reparto: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci.

   Es imposible entender la historia de EEUU de la segunda mitad del siglo XX, es especial las décadas de los 50 y 60 , sin describir el papel capital  de la mafia italiana y sus conexiones con el poder y episodios como la invasion de Bahía Cochinos o el ascenso y caída del Clan Kennedy. “ El irlandés” es un monumental fresco sobre ese trozo sangriento y corrupto de la historia americana, narrado con cierto humor negro por Scorsese que da toda una lección de historia. Pero no es esa la única intención del autor de “ Casino” , “ El irlandés “ es también un amargo y crepuscular retrato acerca de la amistad, la fidelidad, la familia, la corrupción que puede provocar el poder, la traición  y sobre todo acerca del paso del tiempo y la muerte. No en vano muchos la han comparado por si tono de fin de una era con “ El hombre que mató a Liverty Valance “ de John Ford, otro retrato crepuscular de un género ( el western) en vías de extinción como género clásico.

  Scorsese vuelve al subgénero de films sobre gangsters que tan buenos resultados le dio con obras capitales como “ Malas calles” , “ Uno de los nuestros “, “ Casino” y “ Gangs of New York “ y de nuevo nos muestra violencia, sangre y muerte a manos de hombres que imponen su código de conducta y luchan por el poder y por mantenerlo usando la violencia de un modo frio, deshumanizado y sin escrúpulos ni arrepentimientos. Los personajes interpretados por unos memorables De Niro y Pesci viven en un mundo cruel y amoral en que que dar una paliza u ordenar y ejecutar un asesinato es algo normal y desprovisto de remordimientos, los personajes que cometen estos actos cotidianos no se arrepienten porque como dice Sheeran- De Niro “ es agua pasada “ . A través  de la historia de Frank «The Irishman» Sheeran (De Niro) un camionero ex combatiente de guerra que se vuelve un matón y asesino a sueldo para el mafioso Russell Bufalino (Pesci) y su familia criminal y la relación que entabla con el mítico sindicalista Jimmy Hoffa ( Pacino ) cuya desaparición es junto a la autoría del asesinato de John Kennedy, el  gran misterio de la historia americana del siglo XX, Scorsese narra una amarga historia de ecos trágicos y Shakespearianos, sobre la culpa y el precio que el crimen se cobra en los amigos y la familia y como los recuerdos de un pasado criminal pesa como una losa en la vida de su protagonista.

   Durante cinco décadas el cine de Scorsese ha mantenido una serie de constantes y obsesiones que “ El irlandés “ condensa como nunca antes en alguna obra anterior , como la religiosidad ( fruta de su educación católica ) plasmada en obras como  “silencio” y “ La última tentación de Cristo” la   obsesión por el dinero ( “ El lobo de Wall Street” ) la mafia ( “ Casino “ y “ Malas calles “ ) la familia ( muy presente en films como “ uno de los nuestros “ ) o la historia americana ( “ El aviador “ o “ Gangs of New York “ ) y en ese sentido su última película es el recorrido y retrato histórico más ambicioso y completo de su filmografía abarcando desde la década de los 50 hasta los años 90. Los gangsters poderosos que hacían negocios por encima del bien y del mal al inicio de la película, acaban seniles y ancianos como amables viejecitos en la cárcel o en asilos , solos con sus recuerdos y los fantasmas del pasado y por eso Sheeran, no puede quedarse con la puerta cerrada , como si de un niño asustado se tratase.

  Scorsese apuesta sobre seguro construyendo su película en base al descomunal talento y carisma de sus tres actores principales. De Niro es el gran protagonista, logrando su mejor interpretación en más de una década: su irlandés, es un tipo violento y familiar, dispuesto a todo por proteger a su familia ( ecos de la saga de “ El padrino “ con la que el film tiene numerosas conexiones ) más bien buenazo y sencillo, sin grandes ambiciones y muy fiel a Russell ( Pesci ) al que Scorsese arrancó de sus retiro como actor y que es sin duda el

que más brilla del trío protagonista con su actuación como mafioso hierático,  mediador, conseguidor  y componedor en apariencia calmado y pacifico pero que no duda en mandar ejecutar a quien ponga en riesgo el negocio aunque sea su amigo. Por último Pacino es el orgulloso, volcánico y egolatra Hoffa, que con su complejo de superioridad y narcisismo, desprecia a la mafia, lo cual será su trágica perdición, logrando el actor de “ El precio del poder “ su mejor papel desde los años 90 del pasaos siglo. Los mafiosos por cierto que aparecen en la película son ridiculizado por el director retratándolos como personajes primarios, toscos , horteras y  faltos de luces, dispuestos a desatar su brutalidad cuando ven a la “ manada mafiosa” en riesgo y que acaban como irónicamente el director muestra con letreros cuando los presenta uno a uno asesinados con igual brutalidad ( El que ha hierro mata...) salvo uno de ellos que como dice el guión, murió de muerte natural, porque   le caía bien a todo el mundo.

 Siendo junto a Eastwood el último cineasta de corte clásico ( en le mejor sentido de la palabra ) en activo , el director nos narra la historia con una elegante y precisa puesta en escena, un ritmo lento y  pausado, no por ello exento de tensión ( sobre todo en la parte de la película en la que se va decidiendo el destino del incómodo Hoffa y se ejecuta la decisión ) y es en ese tramo del film, cuando brilla el mejor De Niro, un hombre angustiado y abrumado porque ve venir inevitablemente el fin de su amigo ( al que adora su hija ) y con dificultad logra mantener escondidos  sus miedos y su culpa cuando se ve obligado a cumplir una trágica orden y debe de enfrentarse a su hija y al mujer de Hoffa ( que también es su amiga ) una vez ha cumplido su misión ( la escena de la conversación telefónica con ésta  última  es un prodigio interpretativo del actor )

  Como ocurre en todos el cine Scorsesiano, la violencia ( verbal y física ) es una constante en el film y se nos muestra de un modo seco, frío y mecánico , sin recrearse en ella, no dejando por ello de ser cruda y sangrienta. El director no la retrata de un modo efecticista, aparece de  modo explosivo y realista, Sheeran solo cumple órdenes ( como en el ejército dice ) y se ejecuta con precisión y sin pasión ( magnifica la secuencia en que Sheeran prepara y dispara  a un chulesco mafioso en un restaurante junto a su familia y que se había enfrentado con su amigo Russell )

  “ El irlandés “ es quizá la culminación de la carrera de Scorsese como cronista brillante del mundo de los gangsters y un ejemplo espléndido de un modo de entender el cine en riesgo de extinción ( como los dinosaurios Sheeran y Buffalino ya extinguidos) que probablemente luchará con justicia  por los próximos Oscars en sus categorías principales. Y es también un regalo de Netflix, única productora que se atrevió a apostar por un film caro y arriesgado, que ya es una joya para los amantes del cine .

“ Terminator destino oscuro” : Acertado regreso a las esencias .

Director: Tim Miller.

Reparto: Natalia Reyes, Mackenzie Davis, Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Diego Boneta.

  La saga Terminator había entrado tras los dos primeros e innovadores films dirigidos por James Cameron en 1984 y 1991 en una decadencia muy acusada con tres flojos títulos muy reiterativos y faltos de chispa. El regreso de Cameron a la franquicia en esta ocasión como productor ha devuelto fuerza y brillantez a la saga, que con esta nueva entrega nos recuerda a algunos de los mejores momentos de los films dirigidos por Cameron.

  Ciertamente no estamos ante un film con un planteamiento argumental nada original, todo le suena al espectador y le resulta familiar, pero en eso el film es honesto, ya que está claro que no busca innovar en una saga en donde eso es ya imposible a a estas alturas, sino que lo que busca seguramente es devolver la dignidad a una serie que había desbarrado y casi había caído en la parodia . Para ello el gran acierto de la cinta es el regreso de Linda Hamilton como una embrutecida y envejecida Sarah Connor y en estos tiempos de apuesta por el feminismo y el empoderamiento de las mujeres también en el cine son los personajes femeninos las heroínas y los roles “ heroicos “ y fuertes de la película , destacando el gran trabajo de Mackenzie Davis como la salvadora que viene del futuro a evitar que maten a la “ nueva “ Sarah Connor ( Natalia Reyes ) una heroína latina ( un guiño al ascendente comunidad latina en USA )

  Otro de los aciertos es el personaje de un envejecido y humanizado T800 ( Schwarzenegger) y la historia de evolución personal que sufre su personaje, la mera presencia del enorme ex gobernador de California ( que se hace esperar ) llena la pantalla gracias al carisma del actor que tiene algunas de las frases irónicas y humorísticas más aplaudidas por el público.

  Si una de las señas de identidad más exitosas de las dos primeras cintas de Cameron eran sus apabullantes efectos especiales y sus persecuciones ( especialmente la de la autopista de Los Angeles en “ Terminator 2” ) Miller rueda con gran pulso y ritmo las escenas de acción y las persecuciones ( destacando la inicial en una autopista mejicana ) y los efectos visuales vuelven a ser magníficos.

  Rodada en gran parte en Almería y con varios actores españoles en pequeños papeles , éste enésimo regreso del universo Terminator, sin estar a la altura de las dos primeras películas de Cameron, logra superar con claridad a las tres anteriores cintas de la saga y recuperar muchas de las virtudes del inicio de la franquicia, dejando un buen sabor de boca al aficionado, que disfrutará de un entretenido espectáculo de acción con abundantes guiños a las primeras películas, agradables guiños de humor y el gran carisma de Schwarzenegger y Hamilton. 

Lo Mejor : El regreso de Hamilton, el mejor Schwarzenegger como T800 desde “ Terminator 2” y la persecución inicial.

Lo peor: Su falta  de riesgo y originalidad respecto a las dos primeras cintas de la serie y un malo con menos carisma que otros villanos de la saga.

Las mejores películas de Woody Allen

Con ocasión del estreno de su film número 50, recordamos las 12 mejores obras del cineasta neoyorquino ( en orden cronológico)

1- “ Annie Hall” ( 1977 )

   Quizá la obra que mejor resume el cine de Allen. Gran triunfadora de los Oscar de 1978 ( Allen y Keaton lograron la estatuilla ) esta entrañable y agridulce historia de amor con idas y venidas, es una de las más brillantes reflexiones sobre la pareja de la historia. Perfecta mezcla de humor y de melancolía, la encantadora y patosa interpretación de Keaton, una sucesión de gags divertidisomos y un guión lleno de frases memorables, la convierten en una de las cintas que mejor retrata su época y uno de lo títulos más emblemáticos de la magnífica década cinematográfica de los 70.

2- “ Manhattan” ( 1979 )

  Imposible no enamorarse de una película con un inicio tan hermoso, con la arrebatadora música de George Gershim, Allen enumera cosas por las que merece la pena vivir con imágenes de la ciudad de Nueva York de fondo. Más amarga que “ Annie Hall”, aunque a su director no le gustó el resultado final, la película consagró a Allen entre público y crítica como uno de lo mejores cineastas de su generación, capaz de retratar de un modo maduro y certero los conflictos y enredos sentimentales de la clase media. La belleza inocente de Mariel Hemingway, Allen en uno de las mejores interpretaciones de su carrera y grandes momentos como el encuentro final entre su personaje y  Tracy ( Hemingway) redondean la película.

3- “ Zelig” ( 1983 )

  Segunda película con su nueva musa Mia Farrow, es la película más innovadora, genial y extravagante de su carrera, en la que el director realiza un falso documental de un tipo al que llaman el camaleón humano  porque es capaz de mimetizarse físicamente con las personas  con las que esta en cada momento. Llena de hallazgos visuales ingeniosos, Allen volvió a demostrar con ella su imaginación desbordante y sus ganas de innovar y arriesgar.

4- “ Broadway Danny Rose “ ( 1984 )

  Siendo una de sus obras menos conocidas, esta entrañable obra llena de amor a los artistas más humildes y fracasados,  narra la historia de un peculiar representante de artistas de medio pelo ( Allen ) a los que a pesar de su fracaso mima, motiva y ama y como la novia ( Farrow ) de un prometedor cantante al que representa tratará de separarlo de él para que su novio vuele más alto. Llena de momentos divertidos y algunos de un emotivo patetismo, es una de las películas más emotivas de su director

 

5- “ La rosa púrpura del Cairo” ( 1985 )

  Una de las cintas más famosas de su director en los 80, cuanta la asombrosa historia de una joven soñadora amante del cine durante la Gran Depresión, que vive una vida miserable con un despótico marido y que se evade de su triste realidad gracias a las sofisticadas películas que ve en la gran pantalla. Cuando un personaje de una de sus películas sale de la pantalla para conocerla, su vida dará un vuelco. 

6-  “ Hannah y sus hermanas “ ( 1986 )

  Para muchos la mejor película de su director. Magistral retrato femenino de tres hermanas muy diferentes y sus ajetreadas vidas sentimentales, logró el  Oscar para un atribulado y patoso Michael Caine y presenta una de las mejores interpretaciones de Allen como actor y de Mia Farrow como actriz en los films de su entonces pareja. Una obra maestra indiscutible. 

7- “ Delitos y faldas “ ( 1990 )

   Otra película magistral de su director, que mezcla drama visceral y comedia brillante con pasmosa facilidad, mezclando cómo en otras cintas del director varias historias que transcurren en paralelo hasta cruzarse al final. La historia protagonizada por unos enormes Martin Landau y Angelica Huston, en la que in prestigioso médico judio acude a su hermano para asesinar a su incómoda amante , volvería a retomarla el director años después como base argumental en “ Machtpoint” . Estupendo Alan Alda como el amigo egocentrico y plasta del personaje de Allen.

8-  “ Maridos y mujeres “ ( 1992 )

  Una obra brutal, descarnada y desnuda sobre la crisis de dos matrimonios maduros rotos por la infidelidad de los maridos con chicas más jóvenes, que coincidió con la propia crisis escandalosa  del matrimonio Allen-Farrow. Rodada con una nerviosa cámara en mano y unos actores en estado de gracia, es una de las películas más negras y tristes de su autor.

9-  Misterioso asesinato en Manhattan “ ( 1993 )

  Tras su anterior film, llegó esta divertida comedia con toques de cine negro y claros guiños a clásicos como “ La dama de Shanghai” y “ La ventana indiscreta” en la que Allen se rodeó de amigos con los que había trabajado antes ( Alan Alda, Diane Keaton y Angelica Huston ) sobre una mujer ( Keaton ) que cree que su vecino ha asesinado a su mujer y su sufrido marido ( Allen ) aunque  le acompaña en sus pesquisas detectivescas, intenta sin éxito quitarle esa idea de la cabeza. 

10- “ Todos dicen I love you “ ( 1996 )

  Con un espectacular reparto que incluye a Julia Roberts, Alan Alda, Natalie Portman, Eduard Norton, Goldie Hawn o Drew Barrimore, esta delicioso musical con aroma clásico, presenta  una sucesión de magníficos números musicales en especial el último junto a los puentes del Sena con una “ voladora” Goldie Hawn de la mano de Allen y una divertidisima historia de amor de éste junto a Julia Roberts asesorado por  su hija con parada en Venecia incluida. Una joya.

11- “ Match point “ ( 2005 )

  Para muchos la mejor película del siglo XXI de su director, impulsada por una turbadora y arrebatadora Scarlet Johansson como irresistible femme fatale que arrastra a la perdición a su arribista protagonista, es otro homenaje de Allen al cine negro y otro film sobre crímenes perfectos ( como “ Delitos y faltas”, “ Scoop” o “ El sueño de Cassandra “ ) que de vez en cuando aborda el director. Con un final genial y un guión modélico con el   que el director logra que el público se identifique con su angustiado protagonista, la película se convirtió desde si estreno en un clásico instantáneo. 

12- “Medianoche en Paris “ ( 2011 )

  Otra indiscutible joya de nuevo con un  gran reparto ( Marion Cotillard, Lea Sydoux, Owen Wilson, Adrien Brody..) ambientada en un nostálgico y soñador Paris con los viajes en el tiempo como tema central . Su evocadora historia de amor y sus diálogos marca de la casa lograron un muy merecido Oscar al mejor guión.