“ Mis películas favoritas del Siglo XXI ( 9 ) : “ Kill Bill ” ( 2003 y 2004 )

Director: Quentin Tarantino.

Reparto: Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen,  Daryl Hannah, Vivica Fox, Julie Dreyfus, Sonny Chiba.

  Tras sus dos primeras películas convertidas casi desde su estreno en obras de culto ( “ Reservoir dogs” y “ Pulp Fiction “ ) Quentin Tarantino sufrió un revés con “ Jackie Brown “ un film que no fue bien recibió por crítica y publicó tras el aplauso unánime de sus dos  predecesoras. Para muchos el director había perdido la chispa y originalidad que había convertido a su cine en algo diferente y fresco ( a pesar de los continuos guiños y homenajes en sus filmes a otras películas ajenas que le gustan al cineasta ) El diptico “ Kill Bill “ ( 2003 y 2004 ) concebidas como un único film pero estrenadas como dos películas devolvió al director a lo más alto y demostró que no había perdido como diría Austin Powers, su “ mojo” ( su toque ) 


   Su argumento es bien sencillo: cuando sus antiguos socios, le disparan embarazada dándola por muerta el día del ensayo de su boda, la asesina a sueldo “ Mamba negra “ ( Uma Thurman ) iniciará una brutal venganza contra todos ellos, siendo el principal objetivo de su caza , Bill ( Carradine ) el lider del grupo y su antiguo amante.


  Rodada como una única película, a instancias de su productor el ahora apestado Harvey Weinstein, Tarantino accedió acertadamente a dividirla para su estreno en dos partes, que ciertamente tienen notables diferencias entre sí. Si la primera parte es más violenta y sangrienta ( hasta el punto de que su secuencia más famosa en la que Thurman pelea con un ejército de yakuzas está rodado por su abundante sangre en blanco y negro ) y de un ritmo más acelerado, rodada en su mayor parte en escenarios orientales , casi sin diálogos, en donde las miradas, los silencios y la musica lo dicen todo ( en homenaje claro a su idolatrado Sergio Leone ) la segunda es más lenta, con abundantes diálogos con el sello tarantiano, con un tono más contemplativo en ocasiones, menos sangre y rodada escenarios americanos casi como un western contemporáneo ( en espacial en todas las escenas con Budd- Michael Madsen y Daryl Hannah )

  “ Kill Bill” es La película que más ejemplifica el cine de su autor, con sus excesos, virtudes, fetichismos, obsesiones, influencias , defectos y en la que más resume su concepción del cine y sus gustos cinematográficos. La película es un spaguetti wéstern cruzado con las películas de samurais de los 50 ( Kurosawa es otro de los cineastas más admirados por Tarantino ) con el manga japonés más sangriento ( hay un corto de 7 minutos de manga ultra violento donde se narra la historia del personaje de Lucy Liu y un uso de la sangre más propio del cómic japonés que del cine  ) y con el cine de artes marciales de los 70 ( Thurman utiliza un traje que usaba  Bruce Lee en una de sus películas , Sonny Chiba interpreta al maestro de las katanas Hānso y hay guiños a la serie “ Kung Fu” precisamente protagonizada por Carradine ) todo ello sazonado con el toque peculiar de su director tanto con sus habituales piruetas visuales como por sus largos diálogos sobre temas aparentemente menores ( como en el monólogo de Carradine sobre Superman ) y sus personajes que parecen salidos de cómics y novelas baratas con nombres de novela Pulp. Junto a esas influencias nada disimuladas, el director homenajea también al maestro John Ford ( con el plano de Uma Thurman en la  puerta de la iglesia que es un guiño a la imagen que abre y cierra “ Centauros del desierto “ -1956- quizá el mejor wéstern de la historia)

  En su línea de recuperar a viejas glorias olvidadas ( como John Travolta en “ Pulp Fiction “, Kurt Russell en “ Death proof” o Pam Grier y Robert Fornster en “ Jackie Brown “) Tarantino regala un personaje monumental y mítico a David Carradine que borda su personaje de asesino crepuscular y seductor que nos podemos evitar que nos caiga bien e intentemos comprender su brutal ataque a Thurman y da a Daryl Hannah una villana sin escrúpulos, letal y traicionera cuyo final es toda una sorpresa.

  No faltan los actores fetiche del director: Michael Madsen, con un personaje igualmente traicionero y brutal como sus compañeros de banda, pero también patético en ocasiones ( aunque más letal de lo que parece cuando sorprende a la protagonista desprevenida ) y que tiene una de las mejores frases del film:” Esa mujer se merece una venganza” un fugaz Samuel L Jackson y la propia Uma Thurman que realiza un auténtico tour de force interpretativo.


  Si alguien dudaba del enorme talento como director del autor de “ Malditos bastardos” hay muchos momentos  en que demuestra su genialidad del cineasta: la escena en la que meten en un ataúd a Thurman y al taparlo no vemos nada como ella y solo oímos ruido: el de un enterramiento, toda la escena en el taller se Hattori Hānzo, la escena final del duelo dialéctico entre Bill y La Novia y su desenlace sorpresa o la escena de la última misión de La Mamba Negra cuando Thurman decide abandonar “ su profesión” . Para algunos mejor guionista que realizador, Tarantino también se luce en su labor de escritor con esta película: la frase final antes de morir de Lucy Liu, como explica el origen del golpe maestro para romper la madera de Pai Mei y su conexión con la huida de La novia, el diálogo de Bill y Bud y el de éste con Daryl Hannah y como “ reaparece un sable” que parecía vendido  por Bud por una miseria o como cuenta la aparición de la niña y Bill con La Novia y  el apasionante duelo de la Novia y Elle Driver como nuevo flashback con Pai Mei incluido que dará una nueva dimensión al duelo entre las asesinas.


  Con un dominio de la puesta en escena y del ritmo al alcance de pocos cineastas, una fotografía bellísima ( espectacular el duelo entre Thurman y Liu en medio de la nieve, la escena hipnótica sobrevolando Tokio, secuencia en blanco y  negro en la iglesia  o los planos aéreos del coche de La Novia en medio del desierto, todo un guiño al espagueti wéstern del director ) y el uso inteligente de las canciones que potencian los momentos dramáticos o cómicos del film( como cuando suena una melodía de aires mejicanos de “ El bueno, el feo y el malo” el wéstern favorito de Tarantino, cuya influencia en los duelos - las miradas antes de la lucha- protagonizados por la Mamba Negra es notorio.


Lo peor: Algunas escenas innecesarias y que a  algunos les pueda resultar excesiva su violencia. En algunos momentos de la primera parte, la película no se toma en serio a sí misma.

Lo mejor: La dirección de Tarantino, las interpretaciones de Thurman, Carradine, Hannah y Madsen , su hermosa fotografía, su banda sonora , un guión magistral, con frases brillantes y giros argumentales sorprendentes.

“ Mis películas favoritas del Siglo XXI ( 9 ) : “ Kill Bill ” ( 2003 y 2004 )

Director: Quentin Tarantino.

Reparto: Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen,  Daryl Hannah, Vivica Fox, Julie Dreyfus, Sonny Chiba.

  Tras sus dos primeras películas convertidas casi desde su estreno en obras de culto ( “ Reservoir dogs” y “ Pulp Fiction “ ) Quentin Tarantino sufrió un revés con “ Jackie Brown “ un film que no fue bien recibió por crítica y publicó tras el aplauso unánime de sus dos  predecesoras. Para muchos el director había perdido la chispa y originalidad que había convertido a su cine en algo diferente y fresco ( a pesar de los continuos guiños y homenajes en sus filmes a otras películas ajenas que le gustan al cineasta ) El diptico “ Kill Bill “ ( 2003 y 2004 ) concebidas como un único film pero estrenadas como dos películas devolvió al director a lo más alto y demostró que no había perdido como diría Austin Powers, su “ mojo” ( su toque ) 


   Su argumento es bien sencillo: cuando sus antiguos socios, le disparan embarazada dándola por muerta el día del ensayo de su boda, la asesina a sueldo “ Mamba negra “ ( Uma Thurman ) iniciará una brutal venganza contra todos ellos, siendo el principal objetivo de su caza , Bill ( Carradine ) el lider del grupo y su antiguo amante.


  Rodada como una única película, a instancias de su productor el ahora apestado Harvey Weinstein, Tarantino accedió acertadamente a dividirla para su estreno en dos partes, que ciertamente tienen notables diferencias entre sí. Si la primera parte es más violenta y sangrienta ( hasta el punto de que su secuencia más famosa en la que Thurman pelea con un ejército de yakuzas está rodado por su abundante sangre en blanco y negro ) y de un ritmo más acelerado, rodada en su mayor parte en escenarios orientales , casi sin diálogos, en donde las miradas, los silencios y la musica lo dicen todo ( en homenaje claro a su idolatrado Sergio Leone ) la segunda es más lenta, con abundantes diálogos con el sello tarantiano, con un tono más contemplativo en ocasiones, menos sangre y rodada escenarios americanos casi como un western contemporáneo ( en espacial en todas las escenas con Budd- Michael Madsen y Daryl Hannah )

  “ Kill Bill” es La película que más ejemplifica el cine de su autor, con sus excesos, virtudes, fetichismos, obsesiones, influencias , defectos y en la que más resume su concepción del cine y sus gustos cinematográficos. La película es un spaguetti wéstern cruzado con las películas de samurais de los 50 ( Kurosawa es otro de los cineastas más admirados por Tarantino ) con el manga japonés más sangriento ( hay un corto de 7 minutos de manga ultra violento donde se narra la historia del personaje de Lucy Liu y un uso de la sangre más propio del cómic japonés que del cine  ) y con el cine de artes marciales de los 70 ( Thurman utiliza un traje que usaba  Bruce Lee en una de sus películas , Sonny Chiba interpreta al maestro de las katanas Hānso y hay guiños a la serie “ Kung Fu” precisamente protagonizada por Carradine ) todo ello sazonado con el toque peculiar de su director tanto con sus habituales piruetas visuales como por sus largos diálogos sobre temas aparentemente menores ( como en el monólogo de Carradine sobre Superman ) y sus personajes que parecen salidos de cómics y novelas baratas con nombres de novela Pulp. Junto a esas influencias nada disimuladas, el director homenajea también al maestro John Ford ( con el plano de Uma Thurman en la  puerta de la iglesia que es un guiño a la imagen que abre y cierra “ Centauros del desierto “ -1956- quizá el mejor wéstern de la historia)

  En su línea de recuperar a viejas glorias olvidadas ( como John Travolta en “ Pulp Fiction “, Kurt Russell en “ Death proof” o Pam Grier y Robert Fornster en “ Jackie Brown “) Tarantino regala un personaje monumental y mítico a David Carradine que borda su personaje de asesino crepuscular y seductor que nos podemos evitar que nos caiga bien e intentemos comprender su brutal ataque a Thurman y da a Daryl Hannah una villana sin escrúpulos, letal y traicionera cuyo final es toda una sorpresa.

  No faltan los actores fetiche del director: Michael Madsen, con un personaje igualmente traicionero y brutal como sus compañeros de banda, pero también patético en ocasiones ( aunque más letal de lo que parece cuando sorprende a la protagonista desprevenida ) y que tiene una de las mejores frases del film:” Esa mujer se merece una venganza” un fugaz Samuel L Jackson y la propia Uma Thurman que realiza un auténtico tour de force interpretativo.


  Si alguien dudaba del enorme talento como director del autor de “ Malditos bastardos” hay muchos momentos  en que demuestra su genialidad del cineasta: la escena en la que meten en un ataúd a Thurman y al taparlo no vemos nada como ella y solo oímos ruido: el de un enterramiento, toda la escena en el taller se Hattori Hānzo, la escena final del duelo dialéctico entre Bill y La Novia y su desenlace sorpresa o la escena de la última misión de La Mamba Negra cuando Thurman decide abandonar “ su profesión” . Para algunos mejor guionista que realizador, Tarantino también se luce en su labor de escritor con esta película: la frase final antes de morir de Lucy Liu, como explica el origen del golpe maestro para romper la madera de Pai Mei y su conexión con la huida de La novia, el diálogo de Bill y Bud y el de éste con Daryl Hannah y como “ reaparece un sable” que parecía vendido  por Bud por una miseria o como cuenta la aparición de la niña y Bill con La Novia y  el apasionante duelo de la Novia y Elle Driver como nuevo flashback con Pai Mei incluido que dará una nueva dimensión al duelo entre las asesinas.


  Con un dominio de la puesta en escena y del ritmo al alcance de pocos cineastas, una fotografía bellísima ( espectacular el duelo entre Thurman y Liu en medio de la nieve, la escena hipnótica sobrevolando Tokio, secuencia en blanco y  negro en la iglesia  o los planos aéreos del coche de La Novia en medio del desierto, todo un guiño al espagueti wéstern del director ) y el uso inteligente de las canciones que potencian los momentos dramáticos o cómicos del film( como cuando suena una melodía de aires mejicanos de “ El bueno, el feo y el malo” - El wéstern favorito de Tarantino o cuando 


Lo peor: Algunas escenas innecesarias y que a  algunos les pueda resultar excesiva su violencia. En algunos momentos de la primera parte, la película no se toma en serio a sí misma.

Lo mejor: La dirección de Tarantino, las interpretaciones de Thurman, Carradine, Hannah y Madsen , su hermosa fotografía, su banda sonora , un guión magistral, con frases brillantes y giros argumentales sorprendentes.

“ Mis películas favoritas del Siglo XXI ( 9 ) : “ Kill Bill ” ( 2003 y 2004 )

Director: Quentin Tarantino.

Reparto: Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen,  Daryl Hannah, Vivica Fox, Julie Dreyfus, Sonny Chiba.

  Tras sus dos primeras películas convertidas casi desde su estreno en obras de culto ( “ Reservoir dogs” y “ Pulp Fiction “ ) Quentin Tarantino sufrió un revés con “ Jackie Brown “ un film que no fue bien recibió por crítica y publicó tras el aplauso unánime de sus dos  predecesoras. Para muchos el director había perdido la chispa y originalidad que había convertido a su cine en algo diferente y fresco ( a pesar de los continuos guiños y homenajes en sus filmes a otras películas ajenas que le gustan al cineasta ) El diptico “ Kill Bill “ ( 2003 y 2004 ) concebidas como un único film pero estrenadas como dos películas devolvió al director a lo más alto y demostró que no había perdido como diría Austin Powers, su “ mojo” ( su toque ) 


   Su argumento es bien sencillo: cuando sus antiguos socios, le disparan embarazada dándola por muerta el día del ensayo de su boda, la asesina a sueldo “ Mamba negra “ ( Uma Thurman ) iniciará una brutal venganza contra todos ellos, siendo el principal objetivo de su caza , Bill ( Carradine ) el lider del grupo y su antiguo amante.


  Rodada como una única película, a instancias de su productor el ahora apestado Harvey Weinstein, Tarantino accedió acertadamente a dividirla para su estreno en dos partes, que ciertamente tienen notables diferencias entre sí. Si la primera parte es más violenta y sangrienta ( hasta el punto de que su secuencia más famosa en la que Thurman pelea con un ejército de yakuzas está rodado por su abundante sangre en blanco y negro ) y de un ritmo más acelerado, rodada en su mayor parte en escenarios orientales , casi sin diálogos, en donde las miradas, los silencios y la musica lo dicen todo ( en homenaje claro a su idolatrado Sergio Leone ) la segunda es más lenta, con abundantes diálogos con el sello tarantiano, con un tono más contemplativo en ocasiones, menos sangre y rodada escenarios americanos casi como un western contemporáneo ( en espacial en todas las escenas con Budd- Michael Madsen y Daryl Hannah )

  “ Kill Bill” es La película que más ejemplifica el cine de su autor, con sus excesos, virtudes, fetichismos, obsesiones, influencias , defectos y en la que más resume su concepción del cine y sus gustos cinematográficos. La película es un spaguetti wéstern cruzado con las películas de samurais de los 50 ( Kurosawa es otro de los cineastas más admirados por Tarantino ) con el manga japonés más sangriento ( hay un corto de 7 minutos de manga ultra violento donde se narra la historia del personaje de Lucy Liu y un uso de la sangre más propio del cómic japonés que del cine  ) y con el cine de artes marciales de los 70 ( Thurman utiliza un traje que usaba  Bruce Lee en una de sus películas , Sonny Chiba interpreta al maestro de las katanas Hānso y hay guiños a la serie “ Kung Fu” precisamente protagonizada por Carradine ) todo ello sazonado con el toque peculiar de su director tanto con sus habituales piruetas visuales como por sus largos diálogos sobre temas aparentemente menores ( como en el monólogo de Carradine sobre Superman ) y sus personajes que parecen salidos de cómics y novelas baratas con nombres de novela Pulp. Junto a esas influencias nada disimuladas, el director homenajea también al maestro John Ford ( con el plano de Uma Thurman en la  puerta de la iglesia que es un guiño a la imagen que abre y cierra “ Centauros del desierto “ -1956- quizá el mejor wéstern de la historia)

  En su línea de recuperar a viejas glorias olvidadas ( como John Travolta en “ Pulp Fiction “, Kurt Russell en “ Death proof” o Pam Grier y Robert Fornster en “ Jackie Brown “) Tarantino regala un personaje monumental y mítico a David Carradine que borda su personaje de asesino crepuscular y seductor que nos podemos evitar que nos caiga bien e intentemos comprender su brutal ataque a Thurman y da a Daryl Hannah una villana sin escrúpulos, letal y traicionera cuyo final es toda una sorpresa.

  No faltan los actores fetiche del director: Michael Madsen, con un personaje igualmente traicionero y brutal como sus compañeros de banda, pero también patético en ocasiones ( aunque más letal de lo que parece cuando sorprende a la protagonista desprevenida ) y que tiene una de las mejores frases del film:” Esa mujer se merece una venganza” un fugaz Samuel L Jackson y la propia Uma Thurman que realiza un auténtico tour de force interpretativo.


  Si alguien dudaba del enorme talento como director del autor de “ Malditos bastardos” hay muchos momentos  en que demuestra su genialidad del cineasta: la escena en la que meten en un ataúd a Thurman y al taparlo no vemos nada como ella y solo oímos ruido: el de un enterramiento, toda la escena en el taller se Hattori Hānzo, la escena final del duelo dialéctico entre Bill y La Novia y su desenlace sorpresa o la escena de la última misión de La Mamba Negra cuando Thurman decide abandonar “ su profesión” . Para algunos mejor guionista que realizador, Tarantino también se luce en su labor de escritor con esta película: la frase final antes de morir de Lucy Liu, como explica el origen del golpe maestro para romper la madera de Pai Mei y su conexión con la huida de La novia, el diálogo de Bill y Bud y el de éste con Daryl Hannah y como “ reaparece un sable” que parecía vendido  por Bud por una miseria o como cuenta la aparición de la niña y Bill con La Novia y  el apasionante duelo de la Novia y Elle Driver como nuevo flashback con Pai Mei incluido que dará una nueva dimensión al duelo entre las asesinas.


  Con un dominio de la puesta en escena y del ritmo al alcance de pocos cineastas, una fotografía bellísima ( espectacular el duelo entre Thurman y Liu en medio de la nieve, la escena hipnótica sobrevolando Tokio, secuencia en blanco y  negro en la iglesia  o los planos aéreos del coche de La Novia en medio del desierto, todo un guiño al espagueti wéstern del director ) y el uso inteligente de las canciones que potencian los momentos dramáticos o cómicos del film( como cuando suena una melodía de aires mejicanos de “ El bueno, el feo y el malo” 


Lo peor: Algunas escenas innecesarias y que a  algunos les pueda resultar excesiva su violencia. En algunos momentos de la primera parte, la película no se toma en serio a sí misma.

Lo mejor: La dirección de Tarantino, las interpretaciones de Thurman, Carradine, Hannah y Madsen , su hermosa fotografía, su banda sonora , un guión magistral, con frases brillantes y giros argumentales sorprendentes.

Adiós Rutger Hauer

“Yo he visto cosas que vosotros no creeríais: atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.”

   Este célebre y poético monólogo bajo la lluvia del replicante Roy Batty que Rutger Hauer improvisó sobre la marcha en una de las últimas y más famosas escenas de la gran “ Blade Runner” convirtió al actor holandés en leyenda del séptimo arte. Fue sin duda su personaje más famoso y el que lo coloca como unos de los villanos- Buenos más célebres de la historia del cine. Hoy con 75 años la voz de Hauer, un actor carismático y de fuerte y poderosa presencia ( media 1,85 metros ) se apagó.

  De la mano de Paul Verhoeven protagonizó varias películas en país  natal de gran éxito internacional en especial la erotica y visceral “ Delicias turcas” ( 1973 ) y las también atrevidas “ Katty Tieppel” ( 1975 ) y “ Eric oficial de la reina” ( 1977 )

 

  Dio el salto al cine americano en enfrentándose al mismísimo Sylvester Stallone en la no muy famosa “ Halcones de la noche “ ( 1981 ) en donde robó protagonismo a la estrella de acción y donde su personaje de terrorista carismático y seductor anticipó en cierto modo algunos rasgos y el sello que daria al año siguiente a su réplicante Batty. 


“ Blade runner” es un cúmulo de telento que ha hecho de la cinta una obra maestra de culto, aunque en su día no fue bien recibida  por público y crítica. Si su diseño de producción, decorados, vestuario , banda sonora y fotografía fueron revolucionarios e influyeron notablemente en el cine y la moda posteriores, las interpretaciones entre otros de Hauer, elevan notablemente la calidad de la película . El replicante Batty quiere respuestas, sobre quién es y sobre su creador , al frente de un carismático grupo de replicantes ( Daryl Hannah, Joana Cassidy y Brion Jones) huidos del espacio, el carismático líder es personaje amenazador y sin piedad, pero tiene un lado sentimental ( su relación amorosa con Hannah ) y vulnerable que lo convierte en un personaje fascinante, su acto final de generosidad ante Deckard-Harrison Ford ( demostrando más humanidad que el policía )  tras su discurso bajo la lluvia y antes de morir soltando una paloma  es una de las escenas más hermosas del cine de los 80.

   Tras esta película, intervino en “ Clave omega “ ( 1983 ) del maestro Sam Peckinpah y volvió a trabajar con su amigo Paul Verhoeven en la violenta y de nuevo erótica “ Los caballeros del acero “ ( 1985 ) rodada en España .


  Ese mismo año protagonizó otra joya de culto de los 80 , la épica y romántica “ Lady Halcón “ ( 1985 ) de Richard Donner donde vivía un historia  de amor imposible con Michelle Pfeiffer en el cenit de su belleza y que es otros nuevo ejemplo del carisma y magnetismo del actor.

  Tras ello su carrera se hizo irregular , pero sin dejar nunca de trabajar en películas interesantes como “ Furia ciega “ ( 1989 ) “ Buffy cazavampiros” o las más recientes y exitosas “ Sin City “ y “ Batman Begins” . Ninguno de esos trabajos eclipsó  no obstante su personaje de androide existencialista de “ Blade Runner”,  que lo convirtió en leyenda del cine y por el que los aficionados al cine siempre lo recordarán.

“ Spider-Man lejos de casa” Tom Holland se doctora

Dirección: Jon Watts.

Reparto: Tom Holland, Jack Gilenhaal, Zendaya, Samuel L. Jackson, Jon Favreau, Marisa Tomei, Cobby Smulders.

  Spiderman-Man es junto a Batman y Superman el 

Superhéroe más famoso de la historia del cómic,  no obstante al revés que los otros dos personajes hasta hace pocos años no había tenido un buen tratamiento en el cine a la altura de su leyenda entre los aficionados al cómic. Sería San Raimi,  el que con  Tobey Macguire como Peter Parker diera al personaje el merecido salto de calidad e imaginación al séptimo arte con sus magníficas tres cintas protagonizadas por el héroe. El cambio que supuso el abandono de Raimi y Macguire y su relevo por Andrew Garfield no fue en general muy afortunado. En 2016 Marvel recupera el personaje que relaiza una corta intervención en la tercera parte de los Vengadores y al año siguiente protagoniza su primer film de la productora como estrella absoluta apadrinado por Iron Man- Downey Jr y con Michael Keaton ( ex- Batman ) como villano. De nuevo tras aparecer como secundario en las tres ultimas entregas de los Vengadores, Holland vuelve en solitario ( aunque con presencia de Nick Furia y Hoppy- dos habituales en la cintas de Marvel - como acompañantes ) y lo hace superando claramente en espectacularidad, profundidad dramática y humor a su prometedora y fresca predecesora.

   Tras sobrevivir a la última misión de los Vengadores que vio morir entre otros al mismísimo Tony Stark, Peter Parker vuelve a su rutina como estudiante de instituto y se marcha de viaje de fin de curso por Europa con sus compañeros con un plan: declararse a MJ ( Zendya ) pero sus románticos planes se trastocan cuando Nick Furia ( Jackson ) le requiere para una nueva misión ...

   La nueva aventura del trepamuros vuelve a triunfar gracias  al sello Marvel que lo distingue del tono más serio y oscuro de DC ( Superman, Batman..) con su mezcla de espectáculo, abundantes dosis de humor, tono de colegeo desenfadado de los héroes, toques de cinta de James Bond ( los gadgets son un sello de las películas de Iron Man en especial ) una fotógrafia  luminosa y unos malos menos siniestros y complejos que los de las películas de DC. En el caso de Spidy, se vuelve con en su primera película en solitario a mezclar ese cóctel infalible con tramas secundarias típicas de las comedias de instituto ( la historia de amor de Peter y Zendaya y su amistad con su orondo y divertido amigo )

  Su conexión con el universo de Marvel ( hay continuas referencias a Tony Stark y ofrecen personajes vinculados a la serie como Hoppy y Nick Furia ) es uno de sus puntos fuertes y a la vez de sus debilidades, ya que por un lado restan personalidad propia y autonomía a la historia del personaje e hizo en la primera parte que estuviera ( aquí en parte también ) demasiado a la sombra de Iron Man, pero también da otra dimensión al personaje como posible sucesor de Tony Stark y su relación con Hoppy ( ex guardaespaldas de Stark) da lugar a algunos de los momentos más divertidos de la cinta.


  Como ocurría en su predecesora y a diferencia de las cintas de Maguire, el Peter Parker de Holland es un adolescente con los problemas propios de su edad ( sobre todo en el amor y sus dudas sobre el futuro ) El  dilema sobre si involucrarse en su papel de superhéroe o seguir con su vida anónima y normal como estudiante está más presente que en la primera parte y salto a la madurez forzadamente de Peter que se ve obligado a asumir el enorme desafío de suceder a Iron Man es lo que da al film mayor hondura dramática que a sus predecesora y hace la interpretación de Holland más compleja que en su anterior película en solitario . Junto a ello, esta secuela apuesta por una mayor espectacularidad en las escenas de acción y más humor  que el primera parte con la moraleja incluida en plena época de las “ fake News” de lo fácil que es engañar y manipular a millones de personas y hacerles creer lo que gente con intereses oscuros quieran ( ¿ un guiño anti Trump? )



Lo Mejor : La interpretación de Holland, su humor en la subtrama del viaje de fin de curso de Peter y sus amigos, la química Peter-Hoppy y la secuencia alucinada que acaba con el accidente de tren.

Lo peor: Que a fans puristas del Spiderman del Comic les desagrade su estrecha vinculación con el universo Marvel y la sombra alargada de Tony Stark- Iron Man.

Mi colaboración en el libro coral “Fiscales de cine”

“ Yesterday” : Una idea original y un desarrollo desigual

Dirección: Danny Boyle.

Reparto: Himesh Patel, Lily James, Joel Fry, Ed Sheeran, Kate McKinnon.

  Richard  Curtis  guionista de algunas de las comedias de más éxito internacional del cine británico de las últimas décadas ( “ Cuatro bodas y un funeral”, “Notting Hill” y “ Love Actually “ ) es el autor del libreto de la nueva película del también exitoso director de “ Trainspotting” y “ Slumdog Millionaire “ una película fresca y muy entretenida, que reúne los temas  habituales de las cintas de Curtis: las dificultades de la amistad entre hombre y mujer ( como le sucedia a Keira Knightley en “ Love Actually “ ) abundante humor  a cargo de divertidos y estrafalarios secundarios ( como el amigo de Hugh Grant en “ Notting Hill “ ) la importancia en la vida de la música , la necesidad de elegir entre el amor y el éxito profesional ( como le pasaba a Hugh Grant y Julia Roberts en “ Notting Hill “ o al primero en “ Love Actually “ ) 

  Con una prometedora e interesante premisa argumental: Un joven músico de escaso éxito que lucha por abrirse camino con su propias canciones  se da cuenta tras un gran apagón mundial de que es la única persona en el mundo capaz de recordar a los Beatles convirtiéndose gracias a sus grandes canciones que hace pasar como suyas en la mayor estrella mundial de la música, la película tiene una primera mitad ( hasta el concierto en Moscú ) casi perfecta , pero a partir de ahí, precisamente cuando llega el gran éxito a la vida del protagonista y surge su dilema vital sobre qué hacer en su vida personal, la cinta se vuelve más irregular alternando grande momentos ( el viaje a Liverpool sobre todo, el encuentro con un personaje sorpresa junto al mar y el epílogo ) con otros menos logrados ( todas las escenas en Los Ángeles ) 

  Sin duda el punto fuerte es su banda sonora ( el director logró que McCartney, Starr y las viudas de Harrison y Lennon como buen ojo les dejase utilizar las canciones para el film ) Curtis y Boyle aciertan en integrar las mismas en momentos dramáticos para ambientarlos y potenciarlos ( el protagonista agobiado por los efectos de la fama canta gritando “Help! “ escrita por John Lennon cuando la Beatlemania ya empezaba a pasarle factura al grupo y canta “ Ob-La-di  ob-la-da” en su epílogo explicando con ella y las imágenes su vida ) y las canciones sirven para que el argumento avance ( como sucede con “ Carry that weigh” cuando Jack ve cambiar su vida y que escribió McCartney cuando  Apple, el imperio musical del grupo, se empezaba desmoronar ) y también lo es la capacidad de Curtis para crear personajes secundarios entrañables y divertidos como un Ed Sheeran que se ríe de si mismo, Rocky ( el amigo patoso de Jack ) o el peculiar  padre de Jack.

  Una de las claves de una película de corte romántico ( y “ Yesterday “ además de un film sobre el éxito o la amistad , es sobre todo una historia de amor ) es la química y el carisma de la pareja protagonista y aunque los protagonistas encajan muy bien y son creíbles como pareja, la encantadora Lily James logra robar el protagonismo a Patel, que quizá no es la mejor elección para el antihéroe Jack. Las idas y venidas que sufre  la relación entre los dos personajes tampoco está 

bien construida y se cae en el tópico en demasiados momentos y es el buen trabajo de la hermosa James ( al que esfuerzan con el vestuario en hacer pasar por menos atractiva y bella de lo que es ) el que mantiene el interés de una historia de amor irregular.

  Boyle director de probado talento para crear imágenes de fuerte poderío visual, realiza no obstante una realización por debajo de su capacidad ( dejó de lado su trabajo en la nueva película de 007 por dirigir este film ) demasiado convencional, que en manos de un cineasta más artesanal no chirriaría pero que en manos de él sorprende . Escenas como las del apagón, la del concierto en el hotel, la primera y divertida aparición de Sheeran , toda la secuencia en Moscú y en Liverpool , la de Wembley y la de la discusión sobre el título y carátula del disco de Jack, así como los números musicales tienen su sello personal, pero en otros muchos momentos su realización es sólo correcta.

  En definitiva una película que mezcla lo mejor de la comedia romántica con  cine musical, que hará las delicias no sólo de los amantes de la banda de Liverpool, sino de cualquier aficionado a ambos géneros y que a pesar de algunos defectos, es una estupenda apuesta cinematográfica ideal para el verano.

Lo mejor: Sus números musicales, el trabajo de James y el divertido abanico de secundarios y sus primeros 45 minutos .

Lo peor: Que no aproveche del todo su ingeniosa premisa argumental.

“ Toy Story 4” : Cumple que no es poco”

  

 Cuando se anunció que Pixar volvería a rodar una nueva entrega de la aplaudidisima Toy Story, muchos pensaron que teniendo en cuenta que el listón dejado con la tercera entrega era muy alto y parecía un magnífico broche para una saga que cambió el cine de animación para siempre . Visto el resultado de la nueva película, el sabor de boca que deja es bueno, aunque si bien es un entretenimiento magnífico, ágil y emotivo en muchos momentos y seguro que dejará satisfechos a los fans de Pixar, es sensiblemente inferior a la segunda y tercera parte.

  Cuando Woody, al que al final de la película anterior había dejado su adorado Andy junto al resto de juguetes con otra niña ( Bunnie )  al ir éste a la universidad, ve como es desplazado por su nueva dueña ( “ su niña “ ) que prefiere otros juguetes y ella se vuelca con un nueva adquisición ( Forky )  Woody tratará de ayudarla a rescatar a este nuevo juguete cuando se pierda en una peligrosa tienda de antigüedades cerca de un parque de atracciones , donde Woody se reencontrará con Bo ( una muñeca  que fue de Andy nueve años atrás ) y conocerá otros juguetes nuevos que no tienen “ niño” y le ayudarán en su misión de rescate..

   Con un planteamiento argumental muy parecido a sus predecesoras ( una misión de rescate de un juguete perdido en un contexto hostil y peligroso en donde gracias al trabajo en equipo lograrán in extremis el rescate ) y tocando los temas y valores habituales de la saga ( el compañerismo, la amistad, las relaciones de lo juegues y sus niños -dueños, la aventura , el paso del tiempo.. ) la película se diferencia de las anteriores en un menor protagonismo de Buzz y el resto de juguetes habituales, menos acción que sobre todo la tercera parte, un tono algo más oscuro ( en la línea de la tercera entrega ) la ausencia de malos ( la muñeca y sus secuaces son menos siniestros de lo que parece inicialmente ) un tono gótico que coquetea con el  cine de terror y un final en el que él comportamiento de Woody se aparta de lo habitual y lo esperado . 

   Uno de los puntos fuertes es la galería de entrañables  y en muchos casos divertidos nuevos personajes- juguetes  como Bunny y Ducky, Forky o Duke que acompañan a Woody robando el protagonismo a los juguetes amigos de Woody y al propio Buzz, un personaje que se convierte desgraciadamente en un secundario más en esta nueva secuela. 

   Con algo menos de humor que otras entregas y con un discurso más adulto. De todos los nuevos personajes es la muñeca Gaby Gaby es más interesante y quizá el personaje junto a Woody y Buzz más complejo de toda la serie. Una muñeca con un defecto de fabricación que ninguna niña ha querido comprar en décadas y que vive en un armario de una tienda de antigüedades y cuya evolución dramática dará sorpresas . No faltan guiños cinefilos como a la cantina de “ La guerra de las galaxias “ o Norma Desmond de “ El crepúsculo de los dioses “ o las películas de terror donde aparecen muñeca/os malvados.

  Lo mejor : Su espectacular factura visual y los nuevos personajes.

  Lo peor : Los “ viejos “ juguetes de las anteriores cintas ( salvo Woody ) son meras comparsas.