Series de cine: “ El método Kominsky”

Con Michael Douglas, Alan Arkin, Sarah Baker, Nancy Travis.

  Estrenada por Netflix y nominada a los Globos de Oro como mejor comedia, esta miniserie de 8 capítulos de menos de media hora de duración cada uno, es una divertida reflexión sobre la vejez, la amistad y otros temas universales que tiene como principal punto fuerte el extraordinario trabajo de la pareja Douglas-Arkin , cuya maravillosa química es el eje central del éxito de est entrañable serie. En una época de pesimismo y de descreimiento, el mensaje positivo y optimista que transmite la serie es muy de agradecer  y ver a Michael Douglas en tan buena forma y tan bien identicado con su personaje es una gozada.

  Douglas interpreta a un veterano profesor de interpretación, que inicia una relación sentimental con una madura alumna ( Travis ) a la vez que empieza a sufrir los achaques de la edad y se acerca más a su amigo y agente ( Arkin ) a raíz de la muerte de la esposa de éste. La relación de Kominsky con su hija, ( que parece más bien su madre protectora ) con su malhumorado amigo de tendencias suicidas y problemas con su hija drogadicta y con una mujer que duda de relación  con él, son los elementos sobre los que giran las tramas de una serie, que se ve volando, gracias a su humor, su aire aparentemente sencillo y ligero y el gran hacer de todos los actores, que incluye cameos de actores legendarios como Danny DeVito, Ann Margret o Elliot Gould así como una breve aparición de Jay Leno.



  Douglas uno de los galanes más icónicos de los 80 y 90 , no teme enseñar sus arrugas, reírse de su edad y hacer bromas sobre su masculinidad y en definitiva reírse de sí mismo y mostrarse en la pantalla son botox ni otros retoques, demostrando que su carisma no ha envejecido y que sigue siendo un intérprete inteligente y elegante. La serie ha supuesto para el veterano actor una oportunidad de regresar a la primera línea tras unos años complicados. Junto a él, Alan Arkin logra que su aparentemente cascarrabias personaje se meta al espectador en el bolsillo y resulte ser más vulnerable e interesante de lo que aparenta inicialmente. El tono de la serie es modesto y humilde, sin demasiadas pretensiones, más allá de entretener y hacer sonreír al espectador con un humor accesible y socarrón.

  Una serie en definitiva, con un estilo a las series cómicas de los 80, como “ Cheers”, “ Las chicas de oro” y sitcoms de ese estilo ( si creador es el mismo de “ Dos hombres y medio “ - de hecho el personaje de Douglas podría ser como el Charlie Sheen con 65 años- ) pero más madura, que logra plenamente cumplir sus objetivos de entretener con estilo, gracias a sus divertidos guiones y al magnífico trabajo de su carismático dúo protagonista. Muy recomendable.

“ La balada de Buster Scruggs” Los Coen vuelven a ser grandes.

Dirección: Joel y Ethan Coen.

Reparto: Tim Blakw Nelson, James Franco, Zoe Kazan, Liam Neeson, Tom Waits, James Remar.

(Temporary Backup) “ La balada de Buster Scruggs”

Dirección: Joel y Ethan Coen.

Reparto: Tim Blake Nelson, James Franco, Zoe Kazan, Liam Neeson, Tom Waits, Brendan Gleeson

  Estrenada en noviembre en Netflix, la nueva obra de los siempre interesantes hermanos Coen, supone la recuperación del mejor cine de éstos tras el traspiés que supuso “ Ave Cesar” y su regreso a un género que les encanta y que dio lugar a su magnífica “ Valor de ley “ ( 2010 ) Compuesta por seis historias muy diferentes de argumento, tono, fotografía y duración, la película arranca de un modo muy vigoroso y entretenido con sus cortas dos primeras historias y aunque tiene en su tercera y cuarta historia un cierto bajón de ritmo, su quinta historia ( la mejor y más hermosa ) y su cierre alegórico deja un gran sabor de boca.

  Los directores dejan claro desde el primer momento su intención de hacer un homenaje al género con un maravilloso arranque en el mítico Monument Valley y Y en sus diferentes historias homenajean a distintos enfoques del Western: hay indios que atacan caravanas de colonos , pistoleros que se enfrentan en duelos en medio de la calle , tiroteos en Saloons, viajes en diligencia, buscadores de oro, atracadores de bancos ejecuciones con soda en el centro del pueblo..todo tiene cabida en una película con un bellísima fotografía, una hermosa banda sonora y un ingenioso y en muchos momentos divertido guión.

  La película arranca con un jinete cabalgando mientras va cantando una canción en pleno Monument Valley ( escenario de algunas de las grandes obras de John Ford y de otros grandes westerns como “ Hasta que llegó su hora “ de Sergio Leone) y rápidamente vemos una sucesión de sorprendentes escenas violentas en las dos primeras historias ambientadas en zonas semidesérticas y con una luminosa fotografía en donde se muestra además el lado más sardónico y de humor negro marca de los Coen, para continuar tras esos primeros minutos trepidantes y violentos que recuerdan al spaguetti western, con dos historias muy lentas y sosegadas. La primera sostenida por un Liam Neeson inmenso sin pronunciar palabra y con ecos de Charles Dickens y la segunda por un irreconocible Tom Waits que irrumpe en un bucólico paisaje en busca de oro, con final sorpresa incluido.

  Tras estas dos historias muy solitarias, sin apenas diálogos, en medio de hermosos paisajes en calma y sin apenas personajes, llega quizá la mejor historia, un relato de una joven que va en una caravana de colonos hacia Oregón, atravesando un territorio indio, en donde las interpretaciones de sus casi desconocidos o actores ( ojo al personaje de James Remar, el malo de “ Límite 48 horas “ ) y su aire de wéstern clásico lo convierten en el episodio más clásico de toda la película .

  El broche final es un corto episodio, con aires de Edgar Allan Poe a bordo de un diligencia ( otro guiño a Ford ) en donde 5 extraños personajes van en una diligencia mientras van charlando entre sí, mientras el entorno se va oscureciendo y volviendo cada vez más fantasmagórico hasta llegar a un tétrico destino. La cinta acaba con una puerta cerrándose,  como ocurre también en “ Centauros del desierto “ . En todas las historias, esta muy presente la obsesión de los Coen por la violencia y la muerte, su pasión por el cine clásico y la literatura , su visión de América y el peso del destino .

  En definitiva, un compendio de todos los registros y señas de identidad de la pareja de directores , con momentos de humor , tragedia, amor, guiños cinefilos y violencia, dando como resultado una de las obras más redonda de sus directores, quizá la mejor en lo que va de siglo.

Lo mejor: Sus hermosas fotografía y bandas sonora.

Lo peor: Los relatos tercero y cuarto son sensibles inferiores al resto de la película , salvándose por el enorme trabajo de Neeson y Waits.

“ Yo soy Espartaco “ 102 años de Kirk Douglas

( “ El loco del pelo rojo “ -1956-)

  Es la última leyenda viva del Hollywood dorado de los 40, 50 e inicios de los 60 del pasado siglo ( con permiso de Olivia De Havilland , que cerca de los 100 años sigue vivita y coleando ) El gran Espartaco, el atormentado Van Gogh de “ El loco del pelo rojo “ y el tantas veces pistolero del lejano wéstern, amén de padre de también grande Michael Douglas, nos ha vuelto a recordar hace unos días que sigue poseyendo la pócima de la inmortalidad y en compañía de su esposa durante ya más de seis décadas, ha cumplido 102 años. El actor del característico hoyuelo en la barbilla, el tipo duro con gran corazón, el hombre de principios, sigue sumando años.

( “ Duelo de titanes” - 1957- )
   Gran amigo de Burt Lancaster, compañero de aventuras de John Wayne en “ Asalto al tren blindado”, antagonista del galán Tony Curtís en la vibrante “ Los vikingos” , megalómano productor del cine en “ Cautivos del mal”, marinero enfrentado al Capitán Nemo en “ 20000 leguas de viaje submarino” a Douglas no se le resistió ningún género : wéstern, cine bélico ( “ Senderos de gloria “, “ Los héroes de Telemark” ) aventuras ( “ Ulises” ) thriller ( “ Retorno al pasado “ ) ciencia ficción ( “ Saturno tres “ ) drama ( “ Una extraña en mi vida “ ) comedia ( “ Otra ciudad otra ley” ) ha sido un héroe ( “ Espartaco “ ) y villano ( “ El día de los tramposos”, “ El gran duelo”) Douglas trabajó con alguno de los más grandes directores del cine americano ( Stanley Kubrick, Vincente Minelli - con ambos repitió varios veces - , Joseph Mankiewictz, Stanley Donen, Billy Wilder, Howard Hawks, William Wyler, Jacques Turneur, Elia Kazan, Henry Hathaway, Richard Fleisher, Robert Aldrich, Raoul Walsh...)

( “ Los vikingos “ - 1958- )

  Inconformista y rebelde en una época en que se iniciaba la decadencia del sistema de grandes estudios, se enfrentó a las listas negras del maccarthysmo al encargar el guión usando su nombre real al proscrito Dalton Trumbo en “ Espartaco “ y empezó desde los años 50 a producir sus propios proyectos. Se especializó en tipos con coraje, que luchan por sus principios frente a todos, como el  militar que trata de evitar un golpe de estado en “ Siete días de Mayo” ( 1964 ) que se haga justicia frente a la venganza en “ El último tren de Gun Hill” ( 1959 ) que los esclavos recobren su libertad en “ Espartaco “ y de pillos que a pesar de su lado oscuro caen muy bien al público como en “ El día de los tramposos” , “ El último atardecer “ o “ El gran carnaval “ 

  Además de su interpretación del esclavo que lideró una rebelión contra Roma y del pintor Van Gogh, Douglas tuvo en el wéstern sus papeles más recordados, como  el borracho Doc Holliday en “ Duelo de titanes “ o el sheriff que al vengar a su mujer asesinada debe enfrentarse a un gran amigo ( Anthony Quinn ) en “ El último tren de Gun Hill” , el pistolero amoral que se reencuentra con un antiguo amor y del que se enamora su hija en “ El último atardecer “ o el traicionero preso obsesionado en fugarse de “ El día de los tramposos “ 

 “ Dos semanas en otra ciudad “ ( 1962 )

 No ganó el Oscar, aunque estuvo cerca con “ El loco del pelo rojo” ( sí ganó el globo de oro por su papel de Van Gogh ) aunque su hijo Michael lo logró dos veces ( una de ellas con un proyecto de Kirk - “ Alguien voló sobre el nido del cuco”-  ) pudiendo haberlo logrado por varias de sus interpretaciones en una carrera que no fue intencionadamente comercial. Un mito que ha envejecido con enorme dignidad y que ha dejado a sus espaldas una larga serie de joyas que nunca olvidarán los aficionados al mejor cine.

Douglas y una entonces desconocida Brigitte Bardot en el Festival de Cannes de 1955.

 

“ Ralph rompe internet “ Disney se ríe de sí mismo en un canto a l

Dirección: Phil Johnson y Phil Moore.

  Desde hace ya dos décadas Pixar ( posteriormente absorbida por Disney ) viene regalando no sólo a los niños, sino también al público adulto, una ya larga serie de fabulosas cintas de animación, muy entretenidas, visualmente espectaculares y con moraleja positiva incluida. Aunque esta secuela de “ Rompe Ralph “ ( no hace falta haber visto la primera parte para enterarse y disfrutar de esta continuación ) no es de una obra maestra a la altura de la saga “ Toy Story” por ejemplo, sí es un entretenimiento sobresaliente y brillante es muchos momentos, que hace disfrutar de un estupendo rato de muy buen cine a público de todas las edades.

  Secuela a la altura de su predecesora de “ Rompe Ralph “ la película tomando como mera excusa argumental la alucinante y trepidante aventura de Ralph y su amiga en las páginas más famosas de internet ( hay referencias a eBay, wikipedia y otras muchas ) en busca de un volante que pueda salvar al videojuego del que Vanellope es la protagonista, lanza un positivo mensaje acerca de la amistad entendida como sinónimo de la generosidad de hacer por un amigo o amiga aquello que sabemos es mejor para él o ella aunque no siempre coincida con lo que mejor para nosotros egoístamente.



  Uno de los aciertos más aplaudidos de la película es su secuencia con personajes de Disney, con cameos de personajes de Toy Story y Star Wars y sobre todo las escena paródica de las princesas y personajes femeninos de Disney ( Blancanieves, Pocahontas, Mulan o Rapunzel ) que de un modo en apariencia inocente cuestionan los estereotipos sexistas de dichos personajes en las películas , haciendo un guiño muy claro con ello al movimiento “ me too”, reivindicando con su aparicion final, como auténticas heroinas de acción, un nuevo rol de las mujeres en el cine ( al que se apuntando Disney como el protagonismo como heroinas de acción de mujeres en los nuevos episodios de la saga Star Wars )
  


  Con un arranque y desarrollo visualmente impresionante y con un ritmo intenso que lleva en volandas al espectador, su tercio final es quizá su libro débil, ya que su trama del virus que se introduce en ínternet y pone en gran riesgo a sus protagonistas es demasiado aparatoso y largo, si bien su final positivo, aunque algo melancólico deja un buen sabor de boca al espectador. 

Lo

Mejor : Toda la secuencia de los personajes Disney y la imaginación que despliega al mostrar internet desde una perspectiva muy original.

Lo peor: Su aparatosa última media hora se hace algo pesada.

“Arde Madrid” Beberse la vida.

Director: Paco León.

Reparto: Paco León, Inma Cuesta, Anna Castillo, Debí Mazar, Julian Villagran, Osmar Núñez, Carmen Machi.

  Cuenta Paco León que la idea de la miniserie que acaba de estrenar Movistar se produce cuando el director y actor escuchó la anécdota de que el general Perón se quejaba continuamente del escándalo que formaba su ilustre vecina Ava Gardner cuando organizaba ruidosas fiestas hasta altas horas de la madrugada. Tras leer la novela “ Beberse la vida” de Marcos Ordoñez sobre las excesivas andanzas de la hermosa actriz ( apodada “ el animal Más bello del mundo “ ) decidió plasmar el paso de la diva por el gris Madrid de fines de los 50 e inicios de los 60 en pleno franquismo y cuando la superproducciones históricas de Hollywood se rodaban en nuestro “barato y exótico” país .

  En efecto en la segunda mitad de los 50, tras su divorcio de Frank Sinatra tras un tormentoso matrimonio de amor odio ( el cantante nunca  la olvidaría y le mandaría hasta el año de la muerte de la actriz  un ramo de flores por su cumpleaños) la famosa estrella americana se instaló en España hasta 1968, siendo la vecina del exiliado General Perón , con que él realmente tendría grandes conflictos,  que a la postre influiría en que las autoridades franquistas forzaran la salida de la actriz de España. Tomando esta excusa argumental , León, a través  de las vidas de los sirvientes de la diva, construye una divertida y costumbrista ficción en la que retrata la puritana, reaccionaria y retrasada España de la época.

  Rodada en un blanco y negro que recuerda a las películas de la época ( por momentos parece que estamos en una película de Berlanga de esos años como “ Placido “ o “ El verdugo” ) León acierta al elegir ( con gran riesgo ) esa tonalidad ( casi gris )  para recrear la oscura época que pretende retratar y logra con ello una mayor verosimilitud de la historia y los personajes .  La serie logra entretener, hacer reír y dejar un estupendo sabor de boca final gracias al magnífico trabajo de todo el elenco de espléndidos actores. El reparto lo encabezan León, como  el chofer de Ava Gardner ( Mazar ) un liante, chanchullero y encantador don Juan cuyos tejemanejes pondrán las notas de  emoción y suspense a la serie, sobre todo en los últimos capítulos e Inma Cuesta, una mujer seca, religiosa y reprimida   perteneciente a la Sección Femenina del Movimiento Nacional y que debe fingir ser la esposa de Manolo ( Leon ) y aprovechar su puesto de sirviente de la estrella para espiarla por encargo del Régimen. 

  Junto a ellos, la pizpireta y espontánea Anna Castillo, que representa muy bien a las chicas muy jóvenes de la época , soñadora, curiosa y cada vez más atrevida en la casa en la que sirve junto a León y Cuesta y que protagoniza algunos de los diálogos más divertidos y entrañables de la serie u Osmar Núñez, como un patético y a veces ridiculo Perón, cuyas ínfulas de grandeza chocan con la frustrante realidad para él de que  vive como uno más , olvidado por el franquismo tras ser expulsado de su país tras un golpe de Estado aguantando las continuas fiestas de su vecina y que al final acaba junto a su insoportable esposa, cayendo simpático al espectador.

  Aunque en conjunto la serie es irregular, arrancando  con mucha fuerza, decayendo bastante en los episodios centrales, coge de nuevo vuelo en los tres últimos episodios, dejando un buen recuerdo al espectador. 

 Llena de momentos hilarantes como la escena “ del despertar “ de la puritana Cuesta con León, las escenas de Machi y Cuesta y con diálogos muy ingeniosos, la serie tomando como mera excusa argumental la misión que le encargan a Cuesta, gira en torno al gran contraste  entre la deshinbida, lujuriosa y desenfrenada vida de Gardner y la abnegada, rutinaria y humilde existencia de su servicio, en un contexto social atrasado, con gran influencia de la Iglesia y de represión política y adoctrinamiento ideológico, en donde a la mujer se la educaba en la sumisión al varón, al que todo le estaba permitido socialmente dentro de la pareja . No faltan por eso guiños al tráfico de bebés para los ricos con monjas como intermediarias, clínicas clandestinas donde se practicaban abortos, la prueba de la rana o la aparición de los anticonceptivos , el racismo contra los gitanos o el inicio de la colonización cultural por Estados Unidos. Todo ello, incluso los momentos más duros y dramáticos, los narra con buen pulso León, que tras sus tres películas como director ,demuestra en esta serie, su prometedor talento como realizador logrando un producto entretenido , ágil , divertido y con una magnífica ambientación de la época, a la sólo se puede poner como pegas que al ser una serie de 8 capítulos, tiene algunos episodios un poco de relleno, que no evita sin embargo que el resultado final sea muy estimulante, original y con momentos brillantes.

Lo peor: El personaje de Villagran ( hermano de la protagonista) es totalmente superfluo y el personaje de Ava Gardner ( eso sí, muy bien interpretado por Mazar ) es demasiado caricaturesco en muchos momentos. 

Lo mejor: El gran trabajo de todo su reparto, desde lo protagonistas hasta los secundarios y la muy conseguida ambientación histórica.

“ Al otro lado del viento” El testamento inédito de Orson Welles.

Director: Orson Welles.

Reparto: John Huston, Peter Bogdanovich, Oja Kodar, Susan Strasberg, Edmond O’ Brien, Mercedes McCambridge, Norman Foster, Lili Palmer.

  Si algo caracteriza a las cuatro décadas de carrera como director de Orson Welles, uno de los más grandes cineastas de la historia del cine norteamericano, fue su lucha continua contra la poderosa industria del cine, como David contra Goliat, ya desde su segunda película “ El cuarto mandamiento “ ( para muchos su mejor película ) el artista siempre sufrió los abusos de los productores que remontaron varias de sus mejores obras ( como “ Sed de mal” por ejemplo) hasta el punto de que tuvo que “ exiliarse “ a Europa donde filmó clásicos como “ El proceso” o “ Campanadas a medianoche” . Famosa en la carrera del excesivo director es también sus pilculas inacabadas , como “ Deep end” ( que luego inspiró “ Calma total” que lanzó a la fama a Nicole Kidman) sobre todo su versión del Quijote ( estrenada con polémica en 1992 tras montarla Jesus Franco ) y “ Al otro lado del viento” . Rodada a inicios de la década de los 70, tras volver de su exilio europeo, ahora Netflix gracias al esfuerzo entre otros de Frank Marshall ( productor de “ ET” o la saga de Indiana Jones ) la ha logrado heroicamente montar entre un caos de inacabable material rodado por el director de “ Ciudadano Kane” durante varios años.

 

 Con notorios elementos autobiográficos, la cinta cuenta la historia de un endiosado, autoritario y legendario director ( interpretado curiosamente por otro director maldito como John Huston, realizando  cameo  otros cineastas como Peter Bogdanovich - que escribió un magnífico libro de entrevistas como Welles- Claude Chabrol o Dennis Hopper ) que seguido por una troupe de cámaras, periodistas y variopintos colaboradores se dispone a celebrar su 70 cumpleaños en una fiesta en casa de una actriz ( Palmer ) aprovechando el momento  para presentar su esperadisimo nuevo film, con el que pretende conectar con nuevos espectadores . Con evidentes ecos de “ Ocho y medio “ de Fellini ( otra rara y compleja cinta sobre un complicado director en crisis ) la cinta tiene el inconfundible sello de su autor, aunque se haya desatado la lógica polémica sobre su auténtica autoría , al fallecer en 1985 sin terminarla de montar.

 Tras 12 años alejado de Hollywood, viviendo en Europa participando como secundario de lujo en numerosas películas de distinto pelaje para poder financiar sus películas como director, en su regreso a Estados Unidos, el director obsesionado con conectar con nuevas generaciones ( como su alter ego cinematográfico Hannaford ) realiza una película de aire vanguardista con ecos de Antonioni o Hopper, en un Hollywood que estaba  cambiando desde fines de los 60 con cintas como “ El graduado”, “ Cowboy de medianoche “ o sobre todo “ Easy Rider” ( que revolucionó la industria desde entonces, demostrando que con poco presupuesto se podía lograr el éxito y conectando con los gustos de una nueva generación joven de espectadores ) y Welles quería con esta compleja obra encontrar su sitio en el Nuevo Hollywood.

 Enmarcada en él siempre jugoso subgénero de cine dentro del cine, Welles, crítica con acidez e ironía la industria y al “ nuevo Hollywood “, atreviéndose con abundantes escenas de desnudos  muy atrevidos para la época y escenas de sexo ( en especial la casi explícita escena del coche ) a cargo de su hermosa y exótica pareja de la época Oja Kodar . El director rueda  con el toque visual surrealista y de enfoques enfáticos típicos de su cine, bañado de un tono alucinógeno muy típico del cine “ alternativo” de la época ( en especial en la secuencia del local de ambiente psicodélico donde el personaje de John Dale sigue a una enigmática Kodar ) No faltan guiños a otras cintas y obsesiones del cineasta ( la figura colosal y adorada/odiada por quienes le rodean del gran  Hannaford recuerda a los millonarios “ Mr Arkadin” y “ Ciudadano Kane” ) con referencias a Shakespeare ( Welles dirigió tres films sobre el autor ), cante hondo ( en la escena casi final de la película ) Hemingway ( otro enamorado como el director de España y los toros, en él parece que se inspiró el Huston para interpretar al protagonista ) o Luis Miguel Diminguin, amigo del cineasta.

  El resultado de más de 100 horas de material rodado, seis años filmando y una odisea de 4 décadas buscando financiación para acabar de rodar y montar la cinta ( hasta en Irán buscó Welles financiación antes de la caída del Sha ) es una obra excesiva, irregular, desmesurada y visualmente bizarra ( con continuos planos cortados, uso de distinto tipo de formato de celuloide , continua grabación con cámara al hombro, muchísimos primerísimos planos ..) que se puede calificar ( sabiendo que seguramente el resultado final del montaje no es el que a lo mejor hubiese autorizado el director ) de fallido, pero no de decepcionante , porque es una película sin duda fascinante, hipnótica en muchos momentos y muy interesante, no siendo eso sí , apta para espectadores que busquen películas nada complicadas.

  Una joya imperfecta en definitiva, que suscitará pasiones entre los cinefilos a favor y en contra , que es desde luego una película atrevida y muy valiente para un director que con 55 años se muestra joven e inquieto a pesar de haber filmado entre los años 40 y los 60, no menos de media docena de obras maestras y esa generación y entrega es muy de agradecer en un genio en el ocaso de su carrera.

“ Algo pasa con Mary” 20 años después.

Dirección: Hermanos Farrelly.

Reparto: Ben Stiller, Camerón Díaz, Matt Dillon.

 Dos décadas después de su estreno,  la película dirigida por los irreverentes hermanos Farrelly que nunca después volvieron alcanzar el nivel de esta desternillante comedia, permanece como una de las comedias más importantes del cine norteamericano de fines del siglo XX, con varios gags absolutamente geniales , la inspirada interpretación de todo su reparto y la desmitificación de muchos de los tópicos habituales del cine romántico norteamericano, la han  convertido en una obra clave de la evolución posterior del género, que en los últimos 20 años ( ahí están por ejemplo las películas de la factoría Appatow o los films de Adam Sadler y otros cómicos americanos para acreditarlo ) logrando ser , la cuarta película más taquillera del año de su estreno algo que tiene sin duda un enorme mérito al tratarse de una comedia de este tipo.

  Tomando como punto de partida la clásica premisa chico conoce chica, ambos se gustan, pero las circunstancias les obligan a separarse y años más tarde se reencuentran, la película ( que en ningún momento se toma en serio a si misma ) es una sucesión de escenas llenas de humor grueso y políticamente incorrecto, gracias a una serie de personajes ridículos y frikis, que fingen ser lo que no son, para ser aceptados por los demás y conquistar a la chica “ del cuento” .

  El punto fuerte de la película es el gran trabajo de su carismático trío protagonista: una despistada y atolondrada Cameron Díaz, que borda su personaje de rubia tonta de buen corazón, pero no demasiadas luces, un por entonces no muy conocido Ben Stiller, antes del éxito de la saga de los “ Los padres de ella” como un torpe y cenizo aspirante a galán que trata de conquistar a Díaz y Matt Dillon ( por entonces novio en la vida real de la protagonista) como un despreciable, fanfarrón y corrupto detective privado que está dispuesto a las tretas más ruínes para lograr conquistar a Mary, usando el engaño como arma.



  Si lo habitual en cualquier película es que el protagonista sea heroico o al menos bueno, en esta cinta, todos ( salvo Mary ) son mentirosos, arribistas y falsos, obsesionados con ligarse a la pobre Mary a la que persiguen y acosan. Los Farrelly lograron un guión con momentos irresistibles, en los que es imposible no partirse de risa, como la secuencia del interrogatorio tras recoger Stiller al autoestopista, el ataque del perro contra Ted ( Stiller ) al escena inicial de la cremallera o la escena del envenenamiento del perro por Dillon, lo cual evita que a pesar de un metraje excesivo la película  se pase volando.

  Pasados los años, posiblemente la cinta no se hubiera podido realizar hoy dia,  donde lo políticamente correcto coarta y limita mucho el humor y la sátira. La película hace chistes sobre discapacitados, el acoso a las mujeres, el machismo, el racismo, maltrato animal sin inmutarse y quizá en parte por eso la película no ha perdido ni un ápice de su irreverencia y de su encanto y sigue siendo una de las comedias más representativas de su época en la que coincidieron unos actores en el momento  clave de sus carreras, dos directores y guionistas más inspirados que nunca y que se ha convertido en una de las comedias ( quizá junto a “ American pie” en menor medida ) más queridas y recordadas para una generación.

  

Lo mejor: Su trío protagonista y algunos gags inolvidables.

Lo peor: Le sobran 15-20 minutos.

“ Algo pasa con Mary” 20 años después.

Dirección: Hermanos Farrelly.

Reparto: Ben Stiller, Camerón Díaz, Matt Dillon.

“ Yucatán” Salud, dinero y amor.

Dirección: Daniel Monzón 

Reparto: Luis Tosar, Rodrigo de la Serna, Stephanie Cayo, Joan Pera, Gloria Muñoz.

  La última película del taquillero Daniel Monzón ha sido recibida con división de opiniones por la crítica :algunos la han destrozado diciendo que la película es un deslavazado desastre y para otros es un magnífico trabajo del director, al que no obstante le han puesto algunos peros en comparación con sus anteriores películas. Era previsible,  el director de “ Celda 211” es junto a J Bayona, el niño mimado del cine español, el nuevo Amenábar ( toda vez que el director de “ Los otros” lleva tiempo alicaído en taquilla ) cuyas últimas películas han sido grandes éxitos de taquilla y de crítica y era por ello de prever  que si daba un traspiés en su nueva película, las hachas de los más duros críticos estuvieran esperándole a la vuelta de la esquina. ¿ Es un magnífico trabajo de un hábil director que busca cambiar de género o es realmente un caos de película ? Pues ninguna de la dos cosas. Es una entretenida cinta, que mezcla varios géneros, logrando entretener al espectador , pero queda bastante lastrada por momentos por algunos defectos que no tenían películas anteriores del cineasta.

  Una pareja de estafadores ( De la Serna y Cayo ) que trabajan en un crucero, aprovechan su labor en el barco para timar a crédulos viajeros con dinero. Cuando su antiguo socio ( y ex amante de ella ) aparezca en la nave con la intención de dar un gran golpe y desplumar a un millonario ( Pera ) el lio está  servido.

 El subgénero de películas de timos o estafas ( casi siempre en clave de comedia ) ha dado estupendas películas desde antiguo como  “ Un par de seductores” ( 1988 ) “ Los timadores” ( 1989) “ La gran estafa americana” ( 2014 ) o la mítica “ El golpe” ( 1973 ) y para un director como Monzón experto en thrillers y que ya había tocado el género de “ golpes “ al inicio de su carrera, parecía un estilo de película adecuado  para no repetirse en el género policiaco y se nota que se lo ha pasado en grande ( como su reparto ) realizándola.

  Con un guión hábil ( coescrito por el propio realizador ) que trufa de sorpresas su recta final, junto al género cómico, introduce numerosos elementos dramáticos ( en ello es clave el personaje de Pera - La víctima de la estafa - y su relación amorosa ) románticos ( toda la subtrama del trío amoroso de los tres timadores ) o misicales ( hay varios números musicales - quizá de lo más flojo del film, ya que sin en general superfluos y cortan el ritmo, salvo el de los títulos de crédito - ) Monzón tiene a su disposición un magnífico reparto muy inspirado en general , destacando el siempre brutal Luis Tosar ( mención aparte merece no obstante su artificioso peluquín ) la hermosa Cayo y Pera, la gran revelación del film, que logra con su tierno, buenazo y encantador personaje de ancianito asesiado por buitres, meterse al público en el bolsillo. Por el contrario, De la Serna está demasiado pasado de vueltas y exagerado en varios momentos y es muy superado por Cayo y Tosar.

  Publicitada por Tele 5 de forma errónea como una comedia de carcajadas, Monzón no busca la risa fácil ( aunque tiene algunas escenas desternillantes como la de la comisaría marroquí o varias en las que intervienen los pesados cuñados ) sino la sonrisa y a veces la emoción, tratando de introducir sus moralejas: tener mucho dinero al final acaba atrayendo los problemas, los mayores estafadores son al final los de cuello blanco ( así se deja caer en su guiño a la quiebra de Lehman Brothers ) y al final lo importante por  mucho dinero

que se tenga es la salud ( la que le falta a uno de los protagonistas) y el amor ( que hará  a un miembro del trío de timadores protagonista replantearse su vida de delicuente )

 

  En definitiva una película correcta, inferior a otros títulos de su director, pero muy entretenida y ágil en su ritmo en muchos momentos ( modelica la escena inicial de los títulos de crédito alternados con el número musical ) muy bien interpretada y con los suficientes golpes de humor y sorpresas para que no se relaje el público.

Lo peor: Le sobran 20-30 minutos de metraje, a veces los números musicales están metidos con calzador y relentizan el ritmo,  De la Serna a veces está demasiado sobreactuado.

Lo mejor: El gran trabajo de Pera, Tosar y Cayo , su arranque vertiginoso y algunos giros argumentales sorprendentes.

88 años de Sean Connery. Sus mejores 12 películas

Con ocasión  de los 88 años que acaba de cumplir este mes de agosto el famoso actor británico, ahí van  las doce mejores  películas de su magnífica filmografía tristemente interrumpida por la desastrosa “ La liga de los hombres extraordinarios”:

“ James contra el Doctor No” ( 1962 )

De Terence Young.

La primera entrega de las aventuras del mítico 007 lanzó al actor a la fama. Una primera entrega aún sin la espectacularidad y “gadgets” que luego presidirían la serie, con un tono más realista y cercano a las novelas de Ian Fleming. Connery volvería interpretar al agente  seis veces más a pesar de que lo odiaba y creía que lo encasillaba como actor. Ninguno de los cinco sucesores que interpretaron después al personaje estaría a la altura del escocés, cuya mezcla de masculinidad casi animal, elegancia, ironía y dureza qué imprimió  al agente secreto dio algunas de las mejores cinta de la saga.

“ La colina” ( 1965 )

De Sidney Lumet.

Uno de los intentos más serios durante los 60 por parte del actor de romper con su identificación con el agente 007. Fue su primera colaboración con el director Sidney Lumet que le daría durante los 70 algunos de los mejores personajes de su carrera. Alegato anti militarista, el actor interpreta a un militar prisionero en una carcel militar en medio del desierto, donde será sometido a un trato inhumano por parte del oficial al mando de los presos. Aunque es una de las películas menos conocida de su filmografía y en cierto modo oculta al estar rodada durante la época de sus películas como James Bond,  se trata de uno de los personajes más complejos que interpretó el actor en sus primeros años de carrera.

“ La ofensa” ( 1973 )

De Sidney Lumet.

  Nueva colaboración con el director,  este claustrofóbico y asfixiante film de suspense, presenta a un personaje oscuro, violento  y atormentado por la  suciedad que ha tenido que presenciar como policía y que investiga el asesinato en serie de varias niñas en Londres, descubriendo el espectador que quizás el propio policía es un monstruo nada alejado del  propio asesino .

“ El hombre que pudo reinar” ( 1975 )

De John Huston.

  Maravillosa cinta de aventuras, que es  todo un canto a la amistad en la que coincidieron por primera y única vez el propio Connery y su gran amigo Michael Caine. Dos pícaros soldados británicos ávidos de aventuras en el Afganistán colonial del siglo XIX, viajan a a un remoto lugar en donde los habitantes de una ciudad  creerán erróneamente que Caine es el rey inmortal que una especie de profecía les prometía, aprovechando la ocasión los dos amigos para vivir a cuerpo de rey. De las mejores películas de aventuras de la historia del cine.

“ Robin y Marian” ( 1976 )

De Richard Lester.

  Otra joya en la filmografía del actor en la que interpreta a un envejecido y cansado Robin Hood que muchos años después de las aventuras que hemos visto en multitud  de películas, se reencuentra con una madura Marian ( inolvidable Audrey Hepburn ) que ha ingresado en un convento tras su marcha años atrás. Rodada en España, una jovencísima Victoria Abril tiene un corto papel. Curiosamente Connery aparecería en una nueva película de Robin Hood ( “Robin Hood príncipe de los ladrones “ con Kevin Costner ) haciendo del rey Ricardo Corazón de León.


“ El nombre de la rosa” ( 1986 )

De Jean Jacques Annaud

 La película que cambió la carrera del actor, que intervendría a partir de ella en varias grandes películas con personajes muy interesantes. Su sabueso Guillermo de Baskerville ( un guiño a otro gran detective - Sherlock Holmes - )  es uno de los personajes más redondos de su carrera. En la Edad Media un astuto y polémico franciscano ( Connery )  investiga junto a su joven aprendiz en medio de supersticiones y la Inquisición vigilante de sus pasos, unas extrañas muertes de varios monjes que parecen estar conectados con unos libros prohibidos...De las mejores interpretaciones del escocés.

“ Los inmortales “ ( 1986 )

De Russell Mulcahy.

 Una película menor en la carrera del actor, que brilla sin embargo gracias al magnífico actor, que interpreta a uno de los personajes más carismáticos de su trayectoria: Ramírez, el maduro cicerone de Connor MacLeod ( Christopher Lambert ) que instruirá a éste en los secretos de su vida de inmortal.

“ Los intocables de Eliott Ness” ( 1987 )

De Brian De Palma.

 Único oscar para el actor, es otro papelon de su etapa de madurez. Brillante adaptación por parte de De Palma de la mítica serie de los años 60, Connery interpreta a un tozudo y endurecido policía de origen irlandés que se une a Eliott Ness ( Kevin Costner ) en su lucha contra la organización de Al Capone ( memorable Robert De Niro ) 


“ Indiana Jones y la última cruzada” ( 1989 ) 
De Steven Spielberg.

  La película más famosa de la carrera del actor después de las de 007. Connery consiguió eclipsar al propio Harrison Ford en sus escenas juntos interpretando al tozudo y despistado padre del arqueólogo, en la que es probablemente la mejor película de la saga Indiana Jones, gracias en gran parte además de su entretenido guión, a la propia interpretación del veterano actor.

“ La caza del Octubre Rojo” ( 1990 )

De John Mactiernan

  Quizá la última gran interpretación del actor. En esta primera aventura cinematográfica de Jack Ryan, de nuevo el ex 007 le roba el protagonismo a la estrella joven ( Alec Baldwin ) en esta tensa cinta en la que interpreta al comandante de un submarino sovietico que se dirige con su nave hacia los Estados Unidos con desconocidas intenciones...

“ La roca “ ( 1996 )

De Michael Bay.

  Otra cinta menor que eleva el nivel y el interés gracias a Connery. Cuando un comando de militares toma muchos rehenes en la antigua prision de Alcatraz, el FBI debe de acudir a regañadientes para entrar en la  carcel a un legendario  ex preso ( Connery ) de la prision, que conoce todos sus secretos y tiene otros planes una vez entre allí . Un Nicolas Cage que no se había aún echado a perder, debe evitar que se fugue y no cumpla su misión.