“ Wicked II” Más política y más emocional.

 Dirigida por Jon M. Chu.

  Reparto: Ariana Grande, Cynthia Erivo, Jonathan Bailey, Jeff Goldblum, Michelle Yeoh.

  Continuación de la adaptación de un exitoso musical que a su vez se basó en una famosa historia del Mago de Oz, un año después de su primera entrega (en realidad, ambas películas se rodaron como una única entrega) llega la segunda parte de este exuberante y luminoso espectáculo que nos devuelve a la época   dorada del género con espléndidas coreografías, decorados de cuento de hadas y lujosos y vistosos vestuarios como si fuese un musical de los años 50 del siglo XX dirigido por Vincente Minelli o Stanley Donen. A pesar del fracaso de intentos recientes de resucitar el musical como género taquillero (por ejemplo la reciente versión de “West side story”) la primera película logró recuperar con éxito los ingredientes del género y el público fue en masa a verla y de momento ante esta secuela ha respondido muy bien.

   La película es una continuación directa de la anterior, funcionando ambas como precuela de “El mago de Oz” y nos cuenta como a pesar de los episodios de la primera parte, la  amistad de las conocidas como bruja del Este (una pizpireta Ariana Grande) y del Oeste (una enorme Erivo) que se manifestó precisamente en el relato y película de “El mago de Oz” siguen indemne desde que ambas se hicieron amigas cuando estudiaban en la universidad y querían aprender magia… ahora, manipuladas por la mano derecha ( Yeoh )del Mago de Oz ( Goldblum ) se ven obligados a estar de cara a los ciudadanos de Oz enfrentadas en una aparente lucha del bien contra el mal, película ahonda más en temas apuntados en la primera como el respeto al que es diferente, la tolerancia, el valor de la amistad, la difusa línea que a veces separa el bien del mal o la manipulación de la masa para fabricar a un enemigo común.

El mensaje más político puede ser una alegoría que recuerda a la América de Trump y al ascenso de los populismos en las democracias con líderes mesiánicos y la creación de la Bruja “mala” como un enemigo común, la manipulación a través de los medios de comunicación del poder para unir al pueblo en torno al líder frente a ese enemigo que les amenaza y frente al cual se impone la restricción de libertades en aras al bien común. Con una primera mitad algo lenta y con una trama que apenas avanza,  su tercio final sin embargo, es mucho más emocionante y emotivo, está mejor narrado y hace que la película mejore notable y coja vuelo.

Erivo y Ariana Grande logran de nueva una excelente química  ( las dos escenas de las dos a solas son el

mejor ejemplo ) y ambas están perfectas en sus personajes tanto desde el punto dramático como en los números musicales. Grande está divertida, efervescente y glamurosa con su personaje luminoso pero que también en este segunda parte tiene su lado menos amable y duro, que no obstante debe de interpretar un papel de cara a la opinión pública fingiendo lo que no es y Erivo tiene un personaje más complejo y atormentado, que sufrió inicialmente la burla y el desprecio de sus compañer@s por ser verde (una metáfora del racismo y otro tipo de discriminaciones) y al ser tachada de malvada es excluida de la sociedad y perseguida. Las vicisitudes de la amistad truncada entre ambas serán de nuevo el motor dramático de la película.

 En cuanto a las diferencias con la primera entrega , hay más números musicales y menos diálogos y las canciones son más melancólicas en general, con menos coreografías  y el tono en general de la película es más oscuro, dramático y hasta trágico y hay una menor presencia del humor.  Algunas canciones   (como la canción final de Evivo y Grande y aquella en la que la primera canta en su nuevo “hogar” junto a los monos alados) son de más calidad en las letras y la música. Finalmente, destaca la aparición de los personajes originales de la historia del Mago de Oz: Dorothy, el león, cobarde, el hombre de hojalata y el hombre de paja que acuden a ver al gran mago y su conexión con las dos brujas.

Lo mejor: Su dirección artística, algunas canciones (sobre todo de las cantadas de Erivo) y un tercio final vibrante y trágico.

Lo peor: Su exceso de duración y una primera mitad más lenta y algo pesada en cuanto a ritmo y guion.

“La suerte . Una serie de casualidades “ Hablando y conviviendo se entiende la gente.

Disponible en Disney+.

Con Ricardo Gómez, Oscar Jaenada, Carlos Bernardino, Oscar Higares, Pedro Bachura.

   Gracias a un oportuno tuit de Arturo Pérez Reverte, me animé a ver esta serie que ha pasado un tanto desapercibida. Con mucho sentido del humor, un tono muy costumbrista (a veces surrealista) y una galería de personajes secundarios (la cuadrilla del maestro) muy berlangianos, la serie pasa volando gracias a su corta duración (6 episodios que en algunos casos no llega a la media hora) su tono sencillo y un guion que te engancha gracias a un episodio inicial adictivo, nos va mostrando a dos personajes muy distintos (hasta opuestos) como son un matador de toros y un opositor que ocasionalmente trabaja como taxista, pueden llegar a entenderse, respetarse y cogerse cariño.

 

   Se puede decir que la trama argumental es una mera excusa para retratar como es España y los españoles. La  contraposición entre lo tradicional y lo nuevo, la España centenaria y la más “moderna” aquí ejemplificada en la dicotomía entre los taurinos y los antitaurinos ( la estupenda escena de la cena en la hamburguesería es un gran ejemplo de ello ) y lo positivo de esa comparativa es como David ( Gómez ) y el maestro ( Jaenada ) se llegan a entender sin cuestionar al otro y tratando de conocer como piensa sin juzgarlo.

   Un joven opositor (estupendo Gómez) que se saca algo de dinero extra como taxista (usando la licencia que le dejó prestada su padre) sustituirá al principio a regañadientes al chofer de un torero (imperial Jaenada) en las últimas corridas de la temporada de toros, al creer el torero que el joven le trae suerte…Además de un guion entretenido y con algún giro argumental, la serie destaca por un magnífico reparto. Junto a su inspirado dúo protagonista, brillan una variopinta y peculiar galería de secundarios (la cuadrilla del torero) Gómez y Jaenada logran una gran química, siendo la interpretación del torero Rafael (que recuerda estéticamente a Morante de la Puebla) magistral (y eso que a Jaenada no le gustan los toros) logrando el actor construir un personaje carismático, magnético y misterioso, de esos que no se olvidan. Entre los secundarios el ex torero Oscar Higares borda el personaje de hermano y representante del torrero y destaca sobre todo  un brutal Bernardino (la gran revelación de la serie) como el excesivo y divertido Jero, que se mete desde el inicio al público en el bolsillo con un personaje entrañable y muy auténtico.

   Uno de los motores argumentales de la serie es la amistad. Poco a poco el “maestro” que al inicio parece como todopoderoso y temido líder al que todos en la cuadrilla reverencian, de pocas palabras y bastante introvertido,  se nos muestra como un tipo con inseguridades, miedos, muy familiar y con mucha humanidad. Su relación cada vez más intensa entre David (Gómez) con el maestro es muy interesante y finalmente emotiva, a pesar de venir de dos mundos, entornos y aspiraciones vitales tan distintas, acaban logrando una complicidad muy estrecha e íntima.

 

 En definitiva una serie sencilla, muy  bien escrita y magníficamente interpretada, que se ve con agrado de un tirón, que es difícil de encasillar en un género, que llega al corazón del espectador y deja muy buen sabor de boca. 

Lo mejor: El gran trabajo de un imponente y magnético Jaenada, su química con Gómez y secundarios entrañables como Bernardino y Bachura. Su mensaje sobre cómo las personas opuestas pueden entenderse.

Lo peor: Que por error y prejuicios muchos no la ven por creer que es una serie sobre toreros. El final quizás no remata bien la serie.

“Frankenstein “ Del Toro humaniza al monstruo.

 

Disponible en Netflix.

Dirección: Guillermo Del Toro.

Reparto: Óscar Isaac, Mia Goth, Jacob Elordi, Christopher Waltz, Charles Dance.

Guillermo Del Toro asume el gran reto de volver a llevar a la pantalla el mito creado por Mary Shelley y antes de ver su película cabría preguntarse ¿Es necesaria una nueva versión de la historia tantas veces llevada al cine? ¿Aporta algo nuevo Del Toro? Pues sí a las dos preguntas. Sin ser una película redonda, el director mexicano consigue una humanización por momentos entrañables del personaje de la criatura, que sólo busca amor y compañía y se nos muestra en esta película de un modo menos terrorífico y más vulnerable que nunca.

La película muy fiel a la novela, tiene un magnífico prólogo en el que unos marinos recogen a un hombre (Isaac) malherido en medio de la nieve. Tras él va una extraña criatura (Elordi) de gran tamaño que parece invencible e inmortal... A partir de ahí se cuenta la historia ya por todos conocida de la creación de la criatura por el Dr. Frankenstein a partir de cadáveres. Finalmente en su tercio final, se narra la historia de boca de la propia criatura, siendo esta la parte más hermosa, emotiva e interesante de la película, en la que el director nos retrata a un ser bondadoso e inocente, al que el miedo y prejuicios que generó entre la gente por su aspecto, lo convirtió en un ser violento.

  Del Toro tras su estupenda adaptación animada de “Pinocho” (también de Netflix) imprime su personalísimo sello visual y temático al film. Su reconocible querencia gótica muy presente en los decorados, vestuario y fotografía y su cariño por criaturas despreciadas por la sociedad  lo acercan mucho al cine de Tim Burton (que realizó su particular aproximación al mito de Frankenstein, en Frankenwennie" )  y está muy presente en la película. Ese cariño hacia el aparente monstruo , que tras su apariencia tiene un gran corazón y al que el odio de la  sociedad es lo que realmente lo acaba convirtiéndose en un auténtico monstruo, es muy habitual en el cine del director de “El laberinto del fauno” (por ejemplo en su oscarozada “ La

forma del agua” )  Su reparto es de campanillas y todos los actores están plenamente identificados con sus personajes, destacando un enorme trabajo de Elordi, interpretando a la criatura, a la que dota a la vez de una gran fuerza y ​​​​de vulnerabilidad y de Mia Goth, que logra una interpretación magnética como la prometida del hermano del doctor.

 Con un espectacular diseño de producción y dirección artística, a Del Toro normalmente se le ha criticado al igual que a Tim Burton de realizar, sobre todo últimamente, películas con un lujoso envoltorio, pero huecas por dentro en cuanto al guion ya las interpretaciones. Sin embargo, en esta película consigue un espléndido trabajo de la mayoría de los actores quizás tanto Waltz como Isaac están algunos peldaños por debajo de Goth, un breve pero imponente Charles Dance y Elordi. 

 En definitiva una película con momentos de gran fuerza, belleza y capacidad de fascinación, aunque también irregular, que trata de dar al mito una nueva mirada y un enfoque distinto a los personajes ( ¿Es la criatura un monstruo o la auténtica víctima? ¿Es en realidad Victor el villano de la historia? )

Lo mejor: Un diseño de producción, fotografía y vestuario deslumbrantes. La humanización de la criatura en logra Elordi. el encantador y emotivo personaje  de Goth y su química con Elordi. La emotiva parte de la historia narrada por la criatura.

Lo peor: Algunos momentos de Isaac sobreactuado. La parte central del relato narrado por Víctor es la más irregular de la película.

“ Mr Scorsese” Un manjar para los amantes del cine.

 

                          

                                 Disponible en Apple TV 

Un recorrido adictivo e interesante distribuido en 5 episodios sobre la vida y obra de uno de los más grandes cineastas en activo. Son especialmente interesantes los dos primeros episodios, en el que se cuenta la infancia del director y la enorme influencia que tuvo en su cine posterior. Su condición asmática desde muy niño, lo convirtió en un aficionado al cine, ya que al no existir aire acondicionado en los hogares al haber refrigeración en las salas de cine, allí era donde el pequeño Scorsese podía respirar con gusto a la vez que disfrutar de la proyección de una película. El hecho de que no pudiera salir a la calle en muchas ocasiones, hizo que viera desde arriba a través de la ventana de su casa la vida de los demás niños y adultos y eso influyó notablemente en la abundancia de planos picados y uso de grúas habituales en sus películas.

 A través de los recuerdos y experiencias del propio Scorsese, sus amigos (como De Niro, Spielberg o Brian De Palma) ex parejas (como Isabella Rossellini) actores (Jodie Foster, Dicaprio, Daniel Day Lewis) familia (sus padres e hijas) y colaboradores (en especial su amiga y montadora de sus más famosas películas Thelma Schoonmaker ) se recorre su vida y su cine. Vemos como su infancia en una zona poblada por italoamericanos y con fuerte presencia de matones, gánsters y violencia, marcaron su vida, su carácter y su visión del mundo. Se nos cuenta la importancia, por ello que tiene la violencia (por ello tuvo muchos problemas - en especial con “Taxi driver”- con los productores - ) y la presencia de la mafia   en su cine y como alguna de tus mejores películas (“Malas calles”, “uno de los nuestros” o “Casino”) no se entienden sin esas vivencias autobiográficas.

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En el documental se destaca la importancia de la espiritualidad en sus películas, desde la incendiaria “La última tentación de Cristo” hasta “Silencio” y como el catolicismo (quiso ser sacerdote de joven) ha marcado notable su personalidad, visión del mundo y su filmografía. Asimismo, el propio Scorsese no duda en mostrar los aspectos más oscuros de su vida como su agresividad o su adicción a la cocaína, a finales de los 70 e inicio de los 80 y como su adicción a realizar películas condicionó su vida personal y sentimental y le sirvió también como tabla de salvación. Por último, también destaca la pasión  del director por la música de los 60 y 70 y por grupos como los Rolling Stone, The Beatles o The Band , cuyas canciones ha utilizado muy inteligentemente en momentos claves y muy recordados de sus mejores películas.

Lo mejor: La honestidad y sinceridad de Scorsese. Las anécdotas de su infancia y juventud. El uso de las canciones de rock de los 60 y 70  (en especial de los Rolling Stones) y  las intervenciones de De Niro y Dicaprio.

Lo peor: No haber visto todas las películas de su carrera a las que alude el documental.

“ Una casa llena de dinamita” Una de las grandes películas del año.

 Disponible en Netflix.

 Dirección: Kathryn Bigelow.

 Reparto: Idris Elba, Rebecca Fergunson, Jaded Harris, Gabriel Basso, Tracy Letts, Jason Clarke.

 Kathryn Bigelow vuelve a demostrar su talento tras películas espléndidas como “Le llaman Bodhi”, “En tierra hostil” y “La noche más oscura” con su última película, que es una de las narradoras (hombre o mujer) más destacadas de las últimas décadas. Sus películas son un ejemplo de un cine que cada vez se ve menos: el cine narrativo. La directora ha demostrado en su cine su capacidad para mantener en tensión al espectador con películas concisas, directas y precisas. Nada sobra y nada falta. Por eso se le puede tachar (en el menor de los sentidos) como una cineasta clásica

La película se construye con una estructura de “Rashomon” (en referencia a la película de Akira Kurosawa), es decir, se cuenta una historia desde varios puntos de vista (tres en concreto) y vemos casi lo mismo (se repiten escenas e incluso diálogos) pero protagonizados por diferentes personajes que también se repiten, pero que tienen diferente protagonismo según el momento y el enfoque de la película. A través de esos tres enfoques, se nos cuenta como un misil con armamento nuclear, se dirige inexorablemente hacia una zona de los Estados Unidos y chocará contra algún punto del país en 19 minutos. Bigelow cuenta la historia en tiempo real (uno de los grandes aciertos de la película) y asistimos con los militares, políticos, asesores y funcionarios a una inexorable e inquietante cuenta atrás que, aunque se nos cuenta tres veces, nunca deja de ser estremecedora y en cada ocasión nos logra mantener pegados al sillón.

Con un guion espléndido, una puesta en escena muy efectiva y un tono casi documental y muy realista, la directora de “Acero azul” logra metros de lleno en las frenéticas, intensas y tensas reuniones que se celebran para afrontar la amenaza y como finalmente debe ser el propio POTUS (Presidente de Estados Unidos), el que tenga en su mano, de modo exclusivo con escasa formación e información, la decisión de emprender o no un ataque nuclear. La directora reflexiona sobre el enorme peligro de la proliferación de arsenales nucleares (los países que poseen la bomba nuclear ya son 9) y como en cualquier momento, una pequeña chispa puede provocar unos sucesos en cadena que pueden destruir el mundo en minutos

La película se beneficia del gran trabajo de todo el reparto, lo que demuestra ser un gran acierto de casting. Idris Elba, especializado en personajes de tipo duro, es aquí un presidente de los Estados Unidos dubitativo, agobiado por la responsabilidad y aparentemente superado por las circunstancias. Elba logra humanizar al hombre más poderoso del mundo y consigue que el espectador empatice con él. La siempre sensacional Rebeca Fergunson es una alta funcionaria de la Casa Blanca que está al mando de la sala de crisis de la Casa Blanca (Bigelow acierta en la presentación del personaje, cuya primera escena es jugando en la cama con su hijo antes de verla al mando de la crisis ). Conforme ve y siente cada vez más imparable la amenaza que se cierne sobre el país y el mundo, va sufriendo una evolución anímica en la que la actriz sueca demuestra su talento como intérprete. En personajes más pequeños, destaca el siempre estupendo Jaded Harris como Secretario de Defensa, destacando la escena en la que llama a su hija que reside precisamente en la ciudad amenazada por el misil y un sobrio y frío Tracy Letts  como el militar radical que recuerda al personaje de George C. Scott en "¿  Teléfono rojo? ¿Volamos hacia Moscú?" de Kubrick, y que aboga por rápida e indiscriminada reacción militarista ante la amenaza.

Lo mejor: El tono realista y verosímil que imprime su directora, un magnífico trabajo de todo su reparto y la tensión que logra transmitir al espectador.

Lo peor: Que lo que cuenta la película pudo suceder realmente.