Joyas a descubrir ( 2 ) : “ Sabotaje “ ( 1942 )

Disponible en Filmin. 

Dirección: Alfred Hitchcock.

Reparto: Robert Cummings, Priscilla Lane, Otto Kruger.

  Una película “menor “ en cuanto a fama en la carrera del autor de “ Psicosis” y “ Los pájaros “ pero que ya querría poder dirigir cualquier cineasta medio de la época o  de la actual. Situada entre la maravillosa “ Sospecha “ y la también magnifica “ La sombra de una duda “ el film tuvo un prepuesto bajo y el director no pudo contar con Gary Cooper ni con Henry Fonda para el protagonista y tuvo que aceptar la imposición de Priscila Lane ( que curiosamente coprotagonizaría con Cary Grant actor fetiche de Hitchcock “ Arsénico por compasión “ ) en lugar de Margaret Sullivan o Barbara Stamwick, a pesar de estas limitaciones , nos encontramos una película entretenidísima, de un ritmo ágil ( sobre todo desde la aparición de Lane en donde la película coge vuelo ) y una creciente tensión hasta llegar a su cenit con su inolvidable final en la estatua de la libertad. 

 El realizador británico vuelve a usar la idea del falso culpable como motor de acción ( en plena Segunda Guerra Mundial, un hombre - Montgomery- es acusado injustamente de provocar un atentado en una fábrica de aviones y deberá el mismo encontrar al verdadero culpable atravesando por una serie de aventuras hasta encontrarlo ) que tantas veces aparecería en su cine en films como “ Falso culpable”, “ 38 escalones “ y en la mítica “ Con la muerte en los talones “ ( para mi la mejor película del británico ) ya que tiene muchas similitudes con la famosa cinta con Cary Grant ( un hombre es acusado falsamente de asesino, su rostro aparece en la portada de los periódicos, atraviesa el país huyendo y buscando al verdadero culpable, detrás del crimen está una organización criminal, se cruza en su camino una mujer rubia y el film termina en un icónico monumento de EEUU - en la película de Grant El Monte Rushmore y aquí la Estatua de la Libertad - )por eso se podría decir que “ Con la muerte en los talones “ es una actualización ( bastante superior ) de “ Sabotaje “ ( a Hitchcock no le importaba repetirse, ya que hizo un remake de un film suyo en la nueva versión de “ El hombre que sabía demasiado “ ) 

   El director de “ La ventana indiscreta “ no contó con los medios que “ Con la muerte en los talones “ ni eligió un reparto a su gusto, pero a pesar de ello gracias a un ameno y animado guión en el que participaron la escritora Dorothy Parker y la colaboradora habitual del realizador Joan Harrison con abundantes notas de humor ( la escena con los trabajadores del circo en el tren es muy divertida ) y escenas llenas de tensión como la larga secuencia de la fiesta ( En la que el director hizo como en otros films que el protagonista estuviese atrapado rodeado de mucha gente sin poder escapar - como sucedía en la famosa escena de la subasta de “ Con la muerte en los talones- ) o la huida por el río, logró una película muy disfrutable y que no tiene hueco para el aburrimiento. Curiosamente Hitch presenta a las personas ricas como los malvados y a la gente humilde ( un ciego, un camionero o los “freaks” de un circo ) los que ayuden al fugitivo y como en otros films del director la policía sale mal parada ( probablemente debido al famoso episodio vívido de niño cuando lo encerraron en un calabozo como advertencia si en futuro era malo )y es alguien ajeno a ella el que desenmascara a los villanos.

   Como otras películas de la época ( la propia “ Enviado especial “ -1940- de Hitchcock- ) está imbuida en un mensaje patriótico ( los malvados son nazis infiltrados como en “ Encadenados “ del mismo director ) en plena guerra mundial, siendo estas cesiones propagandísticas lo más encorsetado y forzado de la película, aunque ello no empaña su calidad, que merece la pena verse por los que no conozcan esta curiosa cinta del mítico director.



Lo mejor: Su ritmo y lo bien narrada que está por Hitchcock.

Lo peor: Cummings no da la talla como héroe ( con Cooper o Fonda la película habría mejorado mucho ) y su arranque no está q la altura del resto del film.

La tragedia de Macbeth. Joel Coen versiona con brillantez el mito.

Disponible en Apple TV.

Dirección: Joel Coen.

Reparto: Denzel Washington, Frances Mcdormand, Bertie Carvel, Alex Hassell.

  Tras cuatro décadas dirigiendo junto a su hermano Ethan grandes películas como “ El gran Lebowski”, “ No es país para viejos”, “ Fargo”,  “ “Barton Fink” o “ Muerte entre las flores” Joel Coen debuta en solitario  en la dirección con esta asfixiante, desoladora y muy personal revisión de la mítica obra de Shakespeare que ya llevaron al cine autores de la talla de Orson Welles y Román Polanski.

  Coen logra una película de un tono fantasmal y pesadillesco gracias a su llamativa fotografía con ecos del expresionismo y del cine negro clásico ( al fin y al cabo es una historia de crímenes y de venganza ) llena de oscuridad ( como el corazón de muchos personajes ) y sus decorados muy minimalistas casi desnudos con formas cuadradas y rectangulares que crean una sensación de opresión y encierro. Quizá se le pueda criticar por ello una puesta en escena excesivamente teatral y estática salvo sus últimos minutos ( con sus ágiles dos duelos a espada ) que probablemente ha sido buscada a propósito por el realizador, que busca dar un tono de alegoría a su película y no le importa que el peso del film recaiga sobre los diálogos en verso extraídos directamente de la obra original y en su poderío visual.

 La historia es bien conocida: tras vencer a los invasores extranjeros sobre Escocia, Macbeth ( un impresionante Washington ) acompañado de su compañero Banquo ( Carvell ) recibe varios augurios de tres brujas, entre ellos que un día será rey y los descendientes de su amigo serán reyes. Espoleado por la profecía, se la cuanta a su esposa ( una no menos  magistral Mcdormand - esposa de Coen - ) que ante sus dudas, le anima y le empuja a que mate al rey, asesinato que finalmente cometerá. Este terrible acto, en lugar de hacerle feliz, carcome a Macbeth y será el inicio de la locura de la pareja y de más  despiadados asesinatos por mantener el poder…Coen descarga gran parte del peso del film, además de en su abrumadora y onírica fotografía ya mencionada, en la  potencia de sus dos actores protagonistas en estado de gracia, que logran que sintamos sus dudas, remordimientos y locura y logran transmitir todo ello al espectador que queda atrapado en la febril sucesión de escenas ( o actos ) . Washington ( dos Oscars en su haber ) es al inicio de la cinta un  hombre dubitativo, pero a la vez ambicioso y luego tras su cobarde crimen, un ser atormentado y enloquecido, cruel con todos los que se interponen en su camino y Mcdormand ( con tres oscars, la actriz más premiada de la historia de los premios junto a Katherine Hepburn ) construye una Lady Macbeth fría, calculadora , manipuladora y ambiciosa y al final desquiciada.

 El realizador opta para narrar la historia con una casi ausencia de movimientos de cámara, siendo los encuadres del rostro de los actores con abundancia de primeros planos, los protagonistas de la narración. El resultado es una  película difícil de ver para muchos espectadores, extraña sobre todo en su arranque, con una lograda ambientación y creación de atmósferas inquietantes y casi sobrenaturales. Es por eso una película arriesgada, claustrofóbica y  muy poco comercial, con la que Coen inicia su camino en solitario como director, rehuyendo el humor e ironía de las películas dirigidas con su hermano y logrando una película hipnótica y sin duda fascinante.



Lo mejor: El sensacional trabajo de su pareja protagonista y una excepcional y extraña fotografía en blanco y negro.

Lo peor: Una puesta en escena en exceso teatral y las inevitables comparaciones con las versiones  anteriores, en especial la magnifica realizada por Orson Welles, también en blanco y negro.

Joyas del cine para descubrir ( 1 ): “ Yojimbo” ( 1961 )

Disponible en Filmin.

Dirección: Akira Kurosawa.

Reparto: Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Seizaburo Kawazu.

  Convertido en una cineasta muy prestigioso a nivel mundial ( en su país le apodaban con respeto “ El emperador “ ) gracias al éxito en Japón y en festivales internacionales de algunas de sus más grandes películas como “ Rashomon”, “ Los siete samurais “ o “ Trono de sangre “ Kurosawa dirigió esta joya al año siguiente de que John Sturgues realizara el aplaudido remake de “ Los siete samurais “ con el mítico western “ Los siete magníficos” debido a sus problemas económicos  y logró un gran éxito comercial en su país.

  Concebida como el reverso realista de las películas de samurais muy de moda en Japón en aquellos años  ( el género Chambara ) Kurosawa volvió a contar con su actor fetiche Toshiro Mifune ( Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia por esta película) como un ronin ( un samurai sin amo o señor ) que llega a un pueblo en el que dos grupos de yakuzas se enfrentan por el control de un pueblo y decide jugar a dos bandas con la intención de destruir a ambas bandas y librar a sus habitantes de los yakuzas ( a los que en el film se les llama jugadores, pero son matones a sueldo ) Tres años después, Sergio Leone realizaría una polémica “copia western “ con “ Por un puñado de dólares “ que lanzaría a la fama a Clint Eastwood.

  Curiosamente el realizador, de cuyas películas se hicieron remakes en EEUU y Europa con el género western, filmó la película con un estilo visual y puesta en escena que recuerda notablemente a las películas del oeste norteamericanas ( parece ser que era admirador de John Ford ). De hecho tal y como está filmado el duelo final o el uso por parte del villano de un revólver smith and Wesson ( el film está ambientado alrededor de 1873 cuando ya la etapa de los samuráis a la par que Japón se estaba occidentalizando, había llegado a su decadencia y a su próximo final y ya eran personajes anacrónicos y  fuera de época ) son claros guiños a ese género y el propio escenario ( un pueblo atenazado por el miedo y con los agentes  de la ley comprados por los caciques locales  ) es habitual en muchas cintas del oeste y en lugar de revólveres, los personajes usan sables en sus duelos.

 

  Mifune realiza una portentosa interpretación, sobre todo las escenas de acción, en la que demuestra gran agilidad y precisión y también en los gestos y tics que adornan a su personaje ( Eastwood copiaría algunos de sus gestos en el film de Leone ) que algunos críticos han definido erróneamente como un mercenario indeseable, frío e interesado, pero que en realidad tras su coraza de hombre duro de pocas palabras y rapidez con su sable, demuestra tener sentimientos altruistas que llegan a poner en riesgo su vida. Para algunos Sanjuro ( Mifune ) es un asesino que busca pescar en rio revuelto y enriquecerse y para otros ( entre los que me cuento ) es un justiciero que llega al pueblo a poner paz y para  ello debe provocar que los dos clanes se destruyan entre sí. Con una gran astucia y aprovechando las debilidades y las torpezas de los dos bandas, el maquiavélico Sanjuro conseguirá su propósito.

 Más comercial y menos profunda en apariencia que otros films anteriores, se trata no obstante de un película sobre la redención principalmente y en menor medida sobre la ambición, la violencia, la corrupción moral y la esperanza en medio de esa violencia. Sanjuro intuimos arrastra un pasado oculto que lo ha marcado, su alergia a quedarse mucho tiempo en el mismo lugar y a no demostrar sus sentimientos y ningún síntoma de humanidad y por tanto de debilidad y cómo ayuda a una pareja, evidencian una vida pasada muy diferente a la del ser errante en el que se ha convertido. Con pocas pinceladas Kurosawa y Mifune nos definen al personaje, en una obra en la que hay los diálogos justos y las acciones nos explican más a los personajes que los diálogos.

  Todo el poderío visual y el talento en la puesta en escena del realizador se nos muestra en el arranque del film ( en la gran escena de la concisa presentación del personaje cuando llega a una granja y pide beber agua ) la escena del intercambio de prisioneros entre los dos clanes, que observa desde el local de sake Mifune  y sobre todo en la grandiosa escena del duelo final entre el clan vencedor y Sanjuro, que se presenta frente a ellos sin ninguna ayuda en lo que parece un duelo suicida y absolutamente desproporcionado y en los que Kurosawa compone unos planos impresionantes y logra transmitir la tensión ambiental de un modo magistral.

Lo mejor: Un sublime Mifune, su brillante puesta en escena y su estupenda fotografía en blanco y negro.

Lo peor: La secuencia de la huida por la noche de Mifune es poco verosímil.

Joyas del cine negro ( 18 ) : “ Lock and stock “ ( 1998 )

Disponible en Movistar plus.

Dirección: Guy Ritchie.

Reparto: Jason Statham, Nick Moran, Jason Flemyng, Dexter Fletcher, Vinnie Jones.

 Con sólo 29 años Guy Ritchie escribió y dirigió este film “Neo noir” a la inglesa que lanzó a la fama a un jovencito Statham y al ex futbolista Vinnie Jones. Ritchie desplegó ya en esta película tan temprana sus señas de identidad visuales, temáticas, de montaje y puesta en escena con una cinta con acción, humor negro, intriga y un guión con varios giros inesperados que mantienen el interés del espectador hasta el último momento.

  Tras perder una gran suma de dinero apostada en una partida de cartas con un sádico y tramposo mafioso, cuatro amigos ( Jason Statham, Nick Moran, Jason Flemyng y Dexter Fletcher ) deberán de reunir una gran suma de dinero con la que pagarle al gánster o sino morirán. Para ello, plantearán robarle un botín a una banda de ladrones, pero su plan se complicará más de lo previsto…Con mucho humor, Ritchie retrata un submundo del hampa y los bajos fondos londinenses con una galería de matones, pequeños traficantes de armas, ladrones y colgados muy bien escritos e interpretados con un grupo de actores por entonces semidesconocidos.

 El realizador logra una película ágil, refrescante y original, plagada de personajes carismáticos como el temible Harry “ El hacha”, el gánster negro Rory Breaker o el matón al que acompaña siempre su hijo Big Chris ( brutal Vinnie Jones ) y dota al film con aires tarantinianos en sus personajes, en su banda sonora  y en sus diálogos, pero con un toque muy British. Ya en este prometedor debut, Ritchie demostró un gran sentido del ritmo narrativo, su habilidad como dialoguista y un sello visual muy personal. El gran éxito de taquilla lanzó a la fama a Jason Statham como futuro héroe de acción, aunque no fuese el protagonista y supondría en gran parte el molde de las futuras películas de Ritchie. 

 El futuro realizador de “Rocknrolla” acredita su talento visual con sus juegos de cámara y de  imagen que serían habitables en su cine, pero sobre todo demuestra su capacidad como guionista, al tejer una compleja estructura con una trama central que transcurre en paralelo con varias subtramas secundarias y se acabarán entrecruzando de modo impactante a mitad de metraje, siendo la última media hora una genialidad plagada de  giros y sorpresas, que no dan tregua al espectador.

Lo mejor: Un guión muy entretenido, con giros de guión muy divertidos y sorprendentes, un grupo de actores muy entonados y una magnifica banda sonora de pop británico de los 90.

Lo peor: Nos hubiera gustado ver más a algún personaje secundario.

“ No mires arriba “ Entretenida parodia que se queda a medias.

Disponible en Netflix.

Direccion: Adam Mckay. 

Reparto: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Tyler Perry, Meryl Streep, Jonah Hill, Mark Rylance, Cate Blanchett, Timothy Chalement, Ron Perlman.

  Esta sátira con tientes catastrofistas se ha convertido en el momento en que escribo estas líneas, en la segunda película más vista de la historia de Netflix, generando una gran división entre críticos y espectadores y un encendido debate entre partidarios y detractores de la película. Se trata de un film con indudables virtudes y también con bastantes defectos, que es atractiva de ver sobre todo por su gran reparto, su poderío visual y por contar una historia que sin duda es interesante y engancha.

 Dos científicos ( unos estupendos Dicaprio y Lawrence ) descubren como un cometa de entre nueve y 10 km de diámetro se aproxima a la tierra siendo previsible el choque con nuestro planeta y por ello la destrucción del mismo en poco más de seis meses. Cuando acuden a contar su descubrimiento a la presidenta de los Estados Unidos ( maravillosa Meryl Streep en una caracterización del personaje que es claramente inspirada en el propio Donald Trump ) èsta prefiere esperar a tomar cualquier decisión por no interferir la misma en la campaña de las elecciones legislativas que se celebrarán pocas semanas más tarde y cuando los científicos acuden a un programa de televisión y a un periódico de gran tirada, se toman sus predicciones a broma e incluso los ridiculizan con Memes en la redes sociales.

  La película crítica lo difícil que es transmitir la verdad ( sobre todo la más incómoda e impopular ) en la era de las fake news, la polarización radical de la opinión pública y cuando choca con los intereses de las grandes multinacionales ( en especial las relacionadas con las comunicaciones como Facebook, Google o Apple) el oscuro e interesado uso de nuestra información más íntima por parte de las operadoras ( El personaje interpretado por Rylance sabe todo sobre la vida del científico protagonista - incluso prevé por los algoritmos cómo va a fallecer la presidenta de los Estados Unidos- gracias a los datos que su compañía de teléfono recopila de sus clientes ). Al dúo de científicos no les cree una peculiar presidenta de EEUU  y su equipo de La Casa Blanca debido a una mezcla de los intereses políticos de ésta en plena campaña electoral y por su propia ignorancia y soberbia y también por los intereses económicos  de un oscuro magnate de la telefonía móvil que recuerda mucho a la actual CEO de Apple ( un genial e inquietante Rylance ) que casualmente el principal donante de la propia presidenta ( de hecho, se ve claramente como domina todas las decisiones que adopta está, que sigue perruna mente las órdenes del magnate ) Tampoco les creerá la prensa ( representada por frívola presentadora de un programa de gran éxito de audiencia interpretado genialmente por una como siempre soberbia Cate Blanchett ) Y por último una gran parte del pueblo americano tampoco da crédito a las profecías apocalípticas de los protagonistas y prefieren ser manipulados por los medios de comunicación y por la campaña mediática emprendida por la presidenta y su séquito ( llamada precisamente “no mires arriba” como el título de la película ) 

 Aunque la película gira entorno a la futura destrucción de la humanidad por el choque de un cometa y el recibimiento escéptico que tiene dicho anuncio, no es difícil pensar que en realidad el cometa es una metáfora que se refiere al medio ambiente y el riesgo de destrucción del planeta, si no hacemos algo frente al cambio climático, prefiriendo los políticos y los medios  mirar para otro lado ( no mirar arriba como el título ) y atrasar decisiones drásticas e impopulares por ser más cómodo y por presiones de poderosos lobbys. En plena pandemia del COVID-19, las reflexiones de la película podrían también referirse al virus y a la inacción y negacionismo en la lucha contra el mismo de algunos gobiernos y un sector de la opinión pública.

   La película tiene algunos fallos claros en su guion irregular, sobre todo en la evolución y comportamiento de algunos personajes y con algunas situaciones que no están bien explicadas. Su metraje es también excesivo, siendo la mejor parte de la película su arranque y el último tercio, teniendo por el contrario demasiados bajones en la parte central de la película. Los primeros minutos en los que se cuenta con muy buen ritmo cómo se conoce la futura colisión y los primeros intentos de los científicos puede hacerse oír y la última media hora más sombría y emotiva ( la cena final es muy hermosa y toca la fiebre sensible del espectador y la secuencia de lanzamiento y acoplamiento de los robots dirigidos contra el cometa te mantiene en tensión por el resultado de la operación ) La película contiene momentos muy divertidos en especial con los excesivos personajes del fanático y militarista personaje de Ron Perman y el del “ Rasputín “ presidencial que interpreta un gran  Jonah Hill ( cuyo personaje recuerda en parte al que interpretó junto al propio DiCaprio en “ El  lobo de Wall Street” )

Lo mejor: El excelente trabajo de todo su reparto en espacial de DiCaprio, Lawrence, Raylance y Streep y unos efectivos efectos visuales.

Lo peor: La película no logra el difícil equilibrio entre la parodia nada sutil y un film dramático y emotivo de catástrofes ( salvo en su recta final que es lo mejor de la cinta )

Los mejores directores de la historia del cine ( 13 ): Alfred Hitchcock. “ Los pájaros “ ( 1963 )

Disponible en Filmin.

Dirección: Alfred Hitchcock.

Reparto: Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Preshette.

  Hay pocas dudas de que Alfred Hitchcock sea el mejor o uno de los 2/3 mejores directores de la historia del cine. La calidad de su filmografía, lo bien que ha tratado el paso del tiempo a su obra y su influencia brutal en todo el cine de su época y en el cine posterior hasta el actual incluso, es indudable. Sin ser una de las obras más redondas, “ Los pájaros” es una de sus películas más impactantes y que más han calado en el imaginario colectivo. Estrenada después de su terrorífica “Psicosis”, se puede encuadrar como su predecesora en el género de terror, aunque también presenta elementos de suspense, cine de catástrofes, cine fantástico e incluso comedia romántica de enredo. Cuando la dirigió, Hitchcock se encontraba en el inicio de la fase final de su larga carrera como realizador y tras ella no volvería a gozar del gran  éxito de público de sus mejores años, siendo su última obra maestra.

 La cinta cuenta la historia de Melanie Daniels ( Hedren ) una chica rica acostumbrada a gastar bromas, que tras conocer en una pajarería a un abogado ( Taylor ) que le da de su propia medicina con una broma en la que ella cae fácilmente , decide viajar a la pequeña localidad costera de Bahia Bodega, para darle una sorpresa y devolverle la broma a éste, entregándole dos pájaros para la hermana de él. Cuando llega al pueblo empiezan a suceder extraños fenómenos con las aves del lugar cada vez más amenazantes y sin ninguna explicación lógica… Como en otros films del cineasta, aparece  un personaje de madre “castradora” ( Tandy ) como ocurría en “ Encadenados” o “ Psicosis” y en cierto modo en el personaje del ama de llaves de “ Rebeca”, una mujer que ve a Melanie como una amenaza al poder enamorarse su hijo de ella y que tiene pánico de quedarse sola y sin un hombre a su lado que “ la proteja” . Como dato curioso del reparto la hermana de Mitch ( Taylor ) sería de adulta, una de las tripulantes del “ Nostromo” y víctimas de “ Alíen el octavo pasajero “ ( 1979 ) .

  El guión va evolucionando desde un para mí forzado inicio de comedia romántica ( lo más flojo del film ) hacia una película de suspense marca de la casa ( los primeros y leves ataques de pajaros ) y a mitad del metraje ( la escena del ataque al pueblo ) deviene en cine de catástrofes ( anticipándose a la moda de este tipo de films en los 70 ) y fantástico y termina cómo un film de terror puro ( la secuencia final del último ataque a la casa y en especial la cortante ataque en el desván )Es impresionante como una comedia romántica acaba convirtiéndose en menos de dos horas de metraje en una pesadilla apocalíptica gracias a una tensión “in crescendo” cada vez más agobiante y terrible en la que el director de “Vértigo” acredita su enorme habilidad para mantener al público intrigado y manipular sus emociones y sus miedos. Los dos momentos clave en esa evolución son de hecho las escenas más geniales de la película: el ataque a la escuela en donde Hitchcock nos muestra con varios cambios de planos de Melanie fumando por un lado y los pájaros acumulándose en un columpio a su espalda y vemos sin que ella se de cuenta cómo se está fraguando la agresión de los pájaros a los niños y el último ataque a la casa en la que sólo oímos los graznidos de los pájaros y los picotazos que dan en las ventanas y puertas y con planos picados de Hedren y ese sonido chillón, el director logra crear una asfixiante tensión sin diálogos ni imágenes de cómo se está produciendo el ataque fuera. La escena del desván por su parte, con una técnica de montaje con muchos y rápidos cortes como en la escena de la ducha de “ Psicosis” es un prodigio visual y genera un terror al espectador muy logrado.

 En el guión también destaca la evolución que sufre el personaje Melanie ( curiosamente el nombre real de Hedren ) Al inicio se trata de una chica consentida, acostumbrada a ser admirada y empoderada, que hace su voluntad y está acostumbrada siempre a salirse con la suya. Conforme avanza la película y sobre todo a raíz del ataque de las aves al pueblo, su personaje se va a agrietando, conmocionándose ante lo que le va sucediendo y tirando finalmente la toalla en su último enfrentamiento con las aves en donde padece querer ser devorada sin ofrecer resistencia, quedándose en un estado de shock. Su relación com el director fue peculiar, ya que el cineasta se fue obsesionando amorosamente con ella cada vez más y ante el rechazo que sufrió parece ser que la escena del descarnado y brutal ataque en el desván en donde la actriz sufrió lesiones reales, pudo ser concebida por el cineasta como una venganza hacia su estrella a la que había colmado de atenciones sin ningún éxito.

 La razón por la que las aves atacan a los humanos no es explicada deliberadamente por Hitchcock. El director quería que el espectador se creara su propia teoría acerca de los motivos por los que atacan los pájaros a los habitantes de Bodega Bay. Se ha dicho que la educación católica del director influyó en esta historia y sin duda la película reflexiona acerca de un tema habitual en el cine del cineasta, es decir la precariedad y la imprevisibilidad que nos encontramos en nuestra vida ( por ejemplo en “ Psicosis” Marion se para en un motel a descansar y es asesinada por sorpresa y sin sentido por un psicopata ) la fragilidad de la vida y lo expuestos que estamos ante lo imprevisible y arbitrario, está muy presente en el cine del británico. En la escena del restaurante se dejan caer varías posibilidades que expliquen el comportamiento de las aves y tras el estreno del film, se han apuntado teorías de lo más disparatadas como que todo era fruto de un ataque soviético, de un castigo divino, de una venganza de la naturaleza por el maltrato a la que le somete al ser humano o de los propios pájaros al verse encerrados en jaulas, que Melanie había llevado la desgracia con ella hacia Bodega Bay y otras más cercanas a hechos reales de ataques de pájaros, como que estos pudieran haber sufrido alguna intoxicación que los enloqueció y precisamente por esa ambigüedad buscada por el realizador,  se termina la película sin poner al final el correspondiente “ The End”. Estaba previsto un final aún más espectacular y aterrador en el que los protagonistas logran llegar después de un ataque final de las aves al coche en el huyen del pueblo a la ciudad de San Francisco, siendo el último plano una imagen del puente Golden Gate atestada de pájaros, dando a entender con ello que los ataques no era sólo a la localidad en donde sucede la película, sino que había sido global y los pájaros habían vencido a la humanidad. El enorme presupuesto que exigía esa escena provocó que no se llegase a rodar. 

Lo mejor: El director logra crear una tensión, desasosiego y angustia en el espectador propios de un maestro. Sus efectos visuales muy ingeniosos y laboriosos ( con 412 con efectos ópticos ) teniendo en cuenta la época en la que se rodó el film, están muy logrados.

Lo peor:La trama amorosa es demasiado forzada y la excusa argumental para iniciar el film poco creíble. El comportamiento personaje de Suzanne Preshette también es poco realista.

Las quince películas imprescindibles para un buen “ochenter”

En este 2022 se cumplen 40 años del estreno de algunas de las películas más emblemáticas de los 80 como “ E.T” o “Blade Runner”, repasamos en este Post las quince películas indispensables y más inolvidables de aquella década mágica para los que hoy ya son alegres cuarentones:

“ E. T “ ( 1982 ) de Steven Spielberg.

Quizá la película con la que más lloraron y se emocionaron los niños de los 80. Spielberg logró desbancar a “ La guerra de las galaxias “ ( 1977 ) como el film más taquillero de la historia en esta emotiva historia de amistad entre un niño y un extraterrestre, en la que el director de “ Tiburón” acreditó su capacidad para llegar al corazón del espectador y narrar una sencilla historia con una belleza y sensibilidad a la altura de pocos cineastas. La maravillosa banda sonora del gran John Williams y momentos inolvidables de gran fuerza visual como el de las bicicletas volando junto a la luna y el sol o las primeras palabras pronunciadas por el alienígena, quedarán siempre en la memoria de millones de espectadores.

 “ Blade runner “ ( 1982 ) de Ridley Scott.

 Ridley Scott confirmó su enorme momento como director tras el éxito de “Alien el octavo pasajero” con esta monumental obra maestra que fue un enorme fracaso de taquilla en su día, siendo a través del vídeo y su emisión por tv revindicada años después. Mezclando géneros como el cine negro, la ciencia ficción o el cine futurista, la película ha tenido un gigantesco impacto e influencia en la publicidad ( las pantallas gigantes de anuncios ) el desarrollo posterior de la tecnología ( las videollamadas por ejemplo ) los cómics ( el anime japonés - “ Akira “, “ Ghost in the shell ect..- es deudor del film )la música, la moda, la fotografía y el diseño de producción y los argumentos de innumerables películas y series de televisión desde su estreno ( “ El quinto elemento”, “  Star Wars. Episodio 2.La Guerra de los clones”, “ Robocop”, “ Dark city”, “ Seven”, “ Terminator”, “ La saga de Batman, “ Sin city”, “ El sexto día”, “ Días extraños “ y otras muchas películas tienen visual o temáticamente indudables influencias de la película) 

“ Star Wars. Episodio VI. El retorno del Jedi” ( 1983 )de Irvin Keshner.



Aunque para muchos es la menos afortunada de la trilogía clásica de la saga de George Lucas ( debido sobre todo a los Ewoks ) su mítico final en la Estrella de la Muerte con el duelo a tres bandas entre Luke, Darth Vader y el emperador, su vibrante arranque con el rescate de Han Solo y la batalla en la arenas con los secuaces de Jabba El Hut, amén de la batalla aérea final entre la Alianza y el Imperio, la convierten en un deslumbrante espectáculo visual lleno de ritmo y emoción, muy superior a casi todas las películas de la trilogía final y a las tres precuelas de la saga. 

“ Los cazafantasmas “ ( 1984 ) de Ivan Reitman.

 Uno de los títulos míticos del cine fantástico de la década, que además de por sus efectos especiales y el éxito de la canción de Ray Parker Jr. se benefició del carisma y chulería de Bill Murray, la vis cómica de éste, Harold Ramis y Dan Aykroyd, el divertido y ágil guión escrito por éstos últimos y la belleza de Sigourney Weaver. La cinta dirigida por un experto en comedias ( había dirigido con Murray “ Los incorregibles albóndigas “ y “ El pelotón chiflado” ) arrasó en taquilla ( fue la  segunda película más taquillera del año ) y dio Lugar como casi todas la películas de esta lista a varias escuelas de irregular calidad.

“ Súperdetective en Hollywood “ ( 1984 ) de Martin Brest.



 El mayor éxito de aquel prodigioso 1984, la película convirtió una Eddie Murphy en una de las mayores estrellas de la década ( aunque la película inicialmente se concibió pensando en Stallone, que aprovecharía algunas de las ideas del guion para incorporarlas a “ Cobra” ) El actor procedente como Bill Murray y Dan Aykroyd del “Saturday Night Live” improvisó mucho durante el rodaje hasta el punto de que en algunas escenas, se ve a sus compañeros de reparto reírse de verdad de las ocurrencias improvisadas del cómico y proporcionó su sello al incorregible, insubordinado y astuto Axel Foley.

” La historia interminable “ ( 1984 ) de Wolgang Petersen.

  Impulsada por la famosa canción de Giorgio Moroder y Limahl, con un deslumbrante despliegue de imaginación, esta historia sobre el poder de la imaginación de nuevo con un soñador niño como protagonista, es otro de los cuentos cinematográficos más emocionantes y recordados de la historia. La Magia de sus  artesanales efectos especiales y decorados y momentos espectaculares como los vuelos de Bastian con el dragón blanco hicieron de ella un clásico instantáneo.

” Terminator “ ( 1984 ) de James Cameron.

 Antes de arrasar en taquilla con “ Titanic “ y “ Avatar”, James Camerón dirigió en los 80 joyas como ésta, “ Aliens 2” o “ Abyss”. Esta maravilla que mezcla cine de acción y ciencia ficción en la que se cuenta la original historia de un ciborg que viene del futuro para matar a una mujer antes de que se quede embarazada y de a luz al que será carismático líder de los humanos en su futura rebelión contra las máquinas. Schwarzenegger se convertirá con el éxito de la película en estrella a pesar de ser el malo de ficción y es que con su rostro esculpido en piedra, su cuerpo musculoso y su acento austriaco mecánico, fue la perfecta elección como fría despiadada y eficaz máquina de matar que arrasaba con todo lo que encontraba a su paso. Escenas llenas de violencia como la llegada del T 800 a la tierra, la matanza en la comisaría o su final en la fundición, son grandes momentos del cine de acción de los 80. La película tendría una secuela incluso mejor que la original dirigida por el propio Camerón, el resto de secuelas mejor olvidarlas.

“ Indiana Jones y el templo maldito “ ( 1984 ) de Steven Spielberg. 

Segunda entrega más jugetona, muy oscura y de un ritmo trepidante de las aventuras de Indy, llena de escenas inolvidables que nos dejaron casi sin aliento como la alucinante cena en el palacio hindu, la huida por el puente colgante, los insectos subiendo por el cuerpo de Kate Kapshaw, las ceremonias corazón en mano a la diosa Khali o su maravilloso arranque musical a ritmo Cole Porter. Sin ser la mejor peli del arqueólogo, a la que se le criticó su violencia, posee una desbordante imaginación y  es la más palomitera, loca y alucinante de toda la franquicia.

“ Gremlins” ( 1984 ) de Joe Dante.

  Otro éxito producido por Spielberg. Con mucho humor negro y mala uva, curiosamente ubicada en la Navidad, la película muy ingeniosa y con excelentes efectos visuales, sigue la invasion de unos extraños y malvados seres que sembraran el caos y la destrucción en una pequeña localidad norteamericana. Fue la quinta cinta más exitosa del año y no estuvo exenta de polémica también por su violencia a pesar de ser inicialmente calificada como para todos los públicos.

 
“Los goonies “ ( 1985 ) de Richard Donner.



 Pocas películas en la historia del cine han retratado la amistad infantil como esta joya dirigida por el maestro del entretenimiento Richard Donner ( “ Superman” , la saga Arma letal o “ Lady halcón “ ) producida también por Steven Spielberg, la cinta cuenta la búsqueda de un tesoro pirata por un grupo de niños para poder ayudar con el botín a que no echen a sus padres de sus hogares. El ritmo trepidante impuesto por Donner, el carisma de los niños protagonistas y una historia con alma, lograron convertir a la película en una de las más entrañables y recordadas de su época.

“ Regreso al futuro” ( 1985 ) de Robert Zemeckis.

 Robert Zemeckis ( “ Tras el corazón verde “, ¿ Quién engañó a Roger Rabbit ? “ y “Forrest Gump” ) dirigió este nostálgica aventura de viajes en el tiempo con unos memorables Michael J. Fox y Christopher Lloyd con numerosos elementos de comedia y que logró el mayor éxito del año. El joven Marty McFly viaja en la máquina del tiempo inventada por el doctor Emmett Brown a 1955, año en que  sus padres se conocieron. Cuando su Madre se fije en él en lugar de su padre, su propia existencia futura como hijo de ambos, se pone en peligro..

“ Golpe en la pequeña China” ( 1986 ) de John Carpenter.

Una película de culto, que recaudó menos de la mitad de lo que costó y que como “ Blade runner” , a partir  de su explotación en vídeo, empezó a dar más beneficios y a ser adorada y reivindicada por un público cada vez mayor. Dirigida por el experto en el cine fantástico ( “ La cosa”, la primera entrega de “ Halloween o “ 1997: Rescate de Nueva York” ) tuvo como protagonista a un inolvidable y cachondo Kurt Russell que se inspiró en John Wayne para su personaje, de tipo de vuelta de todo y que rebosa chulería. Sus espléndidos diálogos chispeantes, irónicos y muy divertidos y su aire de film de serie B, la hacen una película encantadora y muy disfrutable.

” La princesa prometida “ ( 1987 ) de Rob Reiner.

 “ Me llamo Iñigo Montoya, tú mataste mi padre. Prepárate a morir “ y otras legendarias frases forman parte de este maravilloso cuento de hadas dirigida a todos los públicos, que mezcla con brillantez cine de piratas, de capa y espada, fantasia, comedia y romanticismo basándose en una gran novela de William Goldman ( autor del guion de películas como “ Dos hombres y un destino “ )La hábil y sabia dirección de Rob Reiner ( “ Cuenta conmigo”, “ Algunos hombres buenos “ y “ Cuando Harry encontró a Sally” ) y un reparto en estado de gracia lograron la cinta de aventuras perfecta. 

“ Arma letal “ ( 1987 ) de Richard Donner.

 El gran Richard Donner dirigió con maestría la “Buddy movie” por excelencia (  películas protagonizada por dos policías de caracteres opuestos que se ven obligados a colaborar entre sí frente al malo de turno como en “ Tango y Cash “ ,” Dos policías rebeldes”, “Limite: 48 horas” , “ Danko calor rojo” o “ Black rain “ ) con una gran química entre Gibson y Glover, con más violencia y realismo y menos humor que sus tres continuaciones ( aunque sea la segunda parte la que más muertes -33- tiene de la saga ) la película gracias a sus modélicas escenas de acción y el excelente trabajo de Gibson y Glover, fue la que más recaudó aquel año.

” La jungla de cristal “ ( 1988 ) de John Mctiernan.

La película navideña mas oscura y probablemente la mejor cinta de acción de la historia. Bruce Willis se convirtió en una de las mayores estrellas de acción de los 90 cuando el fin de la serie “ Luz de Luna “ se acercaba y buscaba su gran salto al cine. Dirigida con brío por un gran experto en el género ( “ Depredador “ , “ El secreto de Thomas Crown”, “ El último gran héroe “ ) es más original, inventiva y realista que sus cada vez peores secuelas. El guion presentó numerosos diálogos icónicos y el elegante y despiadado malo ( brutal Alan Rickman ) casi le roba todo el protagonismo a John McClane.