50 películas que hay que ver antes de morir ( 13 ) “ Grupo salvaje” ( 1969 )

Dirección: Sam Peckimpah.

Reparto : William Holden, Robert Ryan, Ernest Borgine, Ben Johnson, Warren Oates.

  Sin duda la película que cambio el uso de la violencia en el cine. Dirigido por un cineasta con fama de maldito y problemático, que desde sus inicios tuvo serios encontronazos con los productores por los montajes de sus películas y acusado injustamente por un sector de la crítica de banalizar y glorificar la violencia en su cine ( como le ocurrió mucho después a Tarantino , que bebe mucho de su cine ) así como de ser misógino ( algo injusto si recordamos  personajes como el Ali Macgraw en “ La huida “ o Stella Stevens en “ La balada de Gable Hogue” ) “ Grupo fue catalogado en su día como la película más violenta rodada jamas  ( aunque ya “ Bonnie y Clyde” dos años antes incluyó escenas de inusual violencia para la época ) de hecho el director dijo que quería transmitir lo que se siente cuando te pegan un tiro y  fue el western que marcó el final de una era en el género americano por antonomasia. A partir de la película el género y la violencia en el cine no volverían a ser como antes.

  Con un estilo nervioso a la hora de rodar y montar los planos, Peckimpah realiza más de 2700 cortes en  dos horas y 20 minutos ( una media de tres segundos por plano )con violentas zooms y bruscos pareos con la cámara. Muy influido por Kurosawa y “ Los siete samurais “ en donde el director japonés rodó las escenas de batalla con multicámara, el realizador también rodó con varias cámaras montando los planos entre sí a distintas velocidades, lo cual da a las dos escenas más violentas ( el fallido atraco del arranque del film y el tiroteo final contra soldados mejicanos ) mucha agilidad, dinamismo y realismo. La escena final precedida de un paseo de los 4 veteranos pistoleros dirigiéndose hacia una muerte segura dura 5 escasos minutos con 325 cortes ( uno por segundo ) Nunca el cine había mostrado una orgía de violencia tan rabiosa y sangrienta y la critica se dividió y un sector atacó al film por la manera casi de coreografía con la que se recreaban los tiroteos.

  Los personajes de la película son pistoleros que están fuera de lugar y fuera de tiempo, unos tipos envejecidos a los que les cuesta subirse al caballo. Su mundo ha pasado ( un tema muy habitual en el cine del director como mostró también en “ La balada de Gable ahogue” ) y se han convertido en dinosaurios sin sitio, que no saben dónde terminar sus días y aunque buscan dar un golpe que pueda darles un retiro tranquilo, en realidad no tienen adonde ir y saben que su final es morir matando, no saben vivir se otro modo, porque los tipos como ellos, no se retiran, “ los retiran “

  Peckimpah dirige a pesar de sus dos escenas de enorme violencia una película de un gran lirismo y belleza, una amarga película de perdedores , que reflexiona sobre la lealtad ( Holden y los suyos en lugar de huir del peligro se dirigen a la muerte para salvar a un compañero que ha caído preso y no lo dejan en la estacada ) la amistad o el transcurso del tiempo,  en la que es difícil distinguir los malos ( en principio serían los que el personaje de Robert Ryan dirige- un grupo  de cazar recompensas - que tienden al inicio de la película una trampa al grupo de forajidos liderados por Holden ) y los buenos serían ese grupo de pistoleros en permanente huida. Pero esa distinción es difícil de marcar, en realidad los cazarecompensas son seres carroñeros y amorales dispuestos a todo por cazar a sus objetivos  y Holden y los suyos son además de Ladrones, unos asesinos.

 Como en otros  films del cineasta la amistad traicionada ( como en “ Pat Garret y Billy the Kid” ) entre dos hombres ( Pike- Holden y Thornton- Ryan ) es uno de lo elementos claves. Ambos fueron en el pasado amigos y compañeros de correrías, pero tras la traición de uno al otro, ahora pertenecen a dos bandos enfrentados, aunque no por eso el uno y el otro siguen manteniendo el respeto mutuo. También se refleja el fin de una era ( al igual que en “ La balada de Gable Hogue” y “Pat Garret y Billy the Kid” ) y la llegada del progreso ( simbolizada por el ferrocarril que es que paga Thornton por las cabezas de Pike y su banda ) que en en realidad  es menos ”civilizado “ que el viejo oeste . Como otros films de los 60 ( por ejemplo “ Los profesionales “ también con Ryan e igualmente ambientada en el Méjico de la Revolución y que protagonizaba Lee Marvin, en quien Peckimpah pensó para el personaje de Pike inicialmente) la película es un western crepuscular, que mira el género con nostalgia. Al igual que tipos como Pike y Thornton, el Hollywood de la época y los nuevos gustos de los espectadores parecían incompatibles con el género clásico. De hecho todo su reparto, empezado por un alcoholizado Holden eran actores curtidos en el western en los 50 y que estaban en el ocaso de sus carreras, al igual que el género,  todos ellos como los viejos rockeros, dieron lo mejor de sí mismos con su gran trabajo interpretativo.

 Frente a la estética tradicional del género, “ Grupo salvaje “ estableció una estética más sucia de los pistoleros ( con influencia del spaguetti western ) que influiría poderosamente en el género a partir de entonces y en realizadores como a  Clint Eastwood y sus films como “El fuera de la ley”, “ El jinete pálido” y sobre todo “ Sin perdón “ ( también protagonizada por un viejo pistolero violento y fuera de su época, que ya en el ocaso de sus días, arriesga su vida para salvar la de un amigo- Morgan Freeman - )

Lo mejor: El gran trabajo de su reparto, las innovaciones visuales y de montaje y su ritmo narrativo.

Lo peor: Que a algunos consideren que  realice una apología de la violencia .

50 películas que hay que ver antes de morir ( 12 ) “ Terciopelo azul” ( 1986 )

Dirección : David Lynch.

Reparto; Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Laura Dern, Dennis Hopper.

   Perturbadora, surrealista, onírica y pesadillesca obra del complejo y personal David Lynch, que dio nuevos bríos a su carrera tras el fracaso de la superproducción “ Dune” y reformuló el cine negro tal y como se conocía hasta entonces.

  Tras un arranque en el que se nos muestra ya la dualidad entre un tranquilo y aparentemente idílico pueblecito americano y el lado oscuro y retorcido que hay oculto debajo de esa superficie acomodada y luminosa ( vemos una mañana radiante con planos de flores y las típicas casas adosadas con jardín y de repente todo se tuerce con el ataque al corazón de un hombre mayor y la inquietante aparición de una oreja cortada con hormigas  en medio del campo -guiño a Buñuel - ) Lynch pone ya desde el inicio sus intenciones al descubierto , en medio de la placidez aparece el rastro de lo que parece un atroz crimen , descubriendo por casualidad la oreja el protagonista Jeffrey  ( MacLachlan ) precisamente cuando vuelve de ver a su padre del hospital  que sufrió un ataque al corazón ( el que vimos antes en el arranque del film) La vida de Jeffrey es anodina ( trabaja en una ferretería) y ve en el misterio de la oreja un pasatiempo que lo saque de su rutina, ofreciéndole un misterio que investigar, aprovechando sus pesquisas cada vez más arriesgadas para intimar con Sandy ( Dern, pareja del actor en la vida real por aquella época ) una virginal y soñadora joven. Pero lo que en un principio parece un juego de jóvenes ociosos que se entretienen como en las novelas de crímenes, da un giro perverso desde la escena en que Jeffrey observa escondido en el placard de la casa de una cantante ( Rossellini ) una escena brutal y desconcertante a manos de un repulsivo, demente  y perverso Frank ( Hopper  ) A partir de ahí, el film va tornándose cada vez más interesante y también morboso, escabroso y sorprendente con la aparición de extraños personajes como Ben ( Dean Stockwell ) y la troupe de frikis de acompañan en sus correrías a Frank.

  Lynch escribe y filma escenas inolvidables, como la de la canción que canta Ben mientras es observado por una cada vez más fuera de si Frank, la cruda escena de la violación  (  que le costó mucho rodar a Rossellini ) la paliza en el campo a cargo de Hopper y sobre todo la sangrienta escena final.  El director realiza un film visualmente muy atractivo alternando imágenes de una gran luminosidad y otros muy oscuros, con planos fascinantes como el de la oreja al final de la película o el del disparo a través del placard.

 Antecesora en gran medida de la mítica serie “ Twin peaks”, en la que Lynch volvería a un pueblo en que aparentemente no pasa nada y en donde se ocultan extraños  y tenebrosos secretos, la película reflexiona sobre el lado oscuro del ser humano y las perversiones que suceden de puertas para dentro ocultas a la sociedad. De fondo canciones de los 50 y 60 como “ In Dreams”  muy presentes en la impactante secuencia de la pesadillesca noche de Frank con Jeffrey, Dorothy y sus secuaces que dan al film un aire nostálgico,  Woody Allen la consideró la mejor película 1986 ( y eso que el neoyorquino dirigió ese año su maravillosa “ Annie Hall” ) y Lynch fue nominado como mejor director ( ganaría Oliver Stone por “ Platoon” ) Aunque no fue un éxito, rápidamente se convirtió en una  película de culto.

  No es de extrañar que al director le resultase difícil sacar la película adelante, de hecho Dino de Lurentiis le financió el film a cambio de reducir a la mitad el presupuesto ( lo cual potenció la imaginación y sencillez en cuanto a escenarios, localizaciones y un reparto de caras poco conocidas ) y  a su vez garantizó toda la libertad creativa al cineasta. Lo atrevido del film, tanto por su lenguaje duro, como por su erotismo y sus personajes extremos, hizo que  varios actores y actrices rechazaron intervenir, lo que hizo que Lynch apostase por nuevas caras, así recuperó a Kyle MacLachlan tras “ Dune” , dio a una jovencísima Laura Dern su primer papel importante e hizo debutar a la entonces modelo ( y su pareja entonces y ex esposa de Scorsese ) Isabella Rossellini y relanzó la carrera de Dennis Hopper. El veterano actor tenía tras de sí una tortuosa carrera. Después de ser una joven promesa en los 50, la muerte de su amigo James Dean le marcó, el enorme éxito de “ Easy Rider “ ( 1969 ) lo convirtió en el director de moda, pero  desde entonces  sus excesos con las drogas y el alcohol lo marcaron en los 70 . A pesar de su fama conflictiva, Lynch lo contrató ya rehabilitado de sus adicciones . Su personaje de Jack Booth es de los que no se olvidan: un tipo ultraviolento, ferichista, desequilibrado psicológicamente y obsesionado por el personaje de Rachel ( Rossellini ) Hopper realiza una interpretacion brutal y a flor de piel, entrando en la galería de psicópatas más recordados de la historia del cine.

  Como en todas las películas, el final es clave para cerrar la narración con éxito o dejando un mal sabor de boca. Lynch le da un desenlace al film, que entronca  con las imágenes del inicio de la película de flores y paz en el vecindario, iniciando el epílogo de la película con un zoom inverso desde una oreja  a un plano más general, que nos muestra a alguno de los persones, pareciendo que todo lo que hemos visto ha sido un mal sueño y tratando de hacer justicia con algunos de los protagonistas.

  Una película fascinante , no apta para todo tipo de públicos, sin duda arriesgada y extraña, que gracias a la inspirada dirección, su espléndido reparto, su apasionante guión y su hermosa fotografía y banda sonora, se ha convertido en un clásico indiscutible.

  Lo mejor : El gran trabajo de tod@s los actores y actrices, su sinuoso ritmo que envuelve al espectador y su ambientación. 

  Lo peor: Es un film violento y en muchos momentos enfermizo que no gustará a todo tipo de públicos .

  

50 películas que hay que ver antes de morir (11 ):” El jovencito Frankenstein “ ( 1974 )

Dirección: Mel Brooks.

Reparto : Gene Wilder, Marty Feldman, Teri Garr, Peter Boyle, Cloris Leachman, Marilyn Kahn, Gene Hackman.

  Tras el enorme éxito de “ Sillas de montar calientes “ una desternillante parodia del western, Mel Brooks, se superó con esta maravillosa película con unos actores en estado de gracia, una realización perfecta y un guión divertidísimo, lleno de diálogos impagables y escenas que rozan la genialidad y homenajea de modo cinefilo, respetuoso y a la vez riéndose del género, a los clásicos del cine de terror de la Universal de los años 30 del pasado siglo y que se convirtió sin duda en la mejor comedia de la década de los 70. 

  El nieto ( Wilder ) del legendario Doctor Frankenstein viaja al castillo en Transilvania ( un guiño al cine de vampiros, que hermana a los dos grandes mitos del terror ) donde su abuelo llevó a cabo sus experimentos para hacerse cargo de su herencia. Allí, a pesar de sus reticencias por seguir los trabajos del mítico científico, acabará sucumbiendo a la tentación de seguir la estela de éste al leer su diario..

  

  Mel Brooks que se había curtido en la comedia como guionista en lo años 60 de la popular serie “ Superagente 86” debutó como director con “ Los productores” ( que luego se convertirá en una obra teatral de gran éxito en Broadway) y se especializaría en parodias, a veces con humor demasiado grueso e incluso zafio. Sería “ El jovencito Frankenstein “ la cumbre de su carrera, que luego sería muy irregular, no alcanzando nunca la calidad lograda con esta obra maestra. Su talento como director, no sólo en la dirección de actores, sino también en el aspecto visual, es palpable  en escenas como por ejemplo en el largo movimiento de cámara tras sus brillantes títulos de crédito que va entrando en el castillo hasta llegar al ataúd del Doctor Frankenstein y como se enlaza con la escena de presentación de su nieto.

  Rodada en los mismo decorados de “ Frankenstein “ ( 1932 ) y con varios de los  actores habituales en el cine de Brooks, el director  venció las reticencias de los productores de no rodar en blanco y negro, demostrando que la arriesgada decisión fue todo un acierto, ya que su fotografía con un aire retro y recuerda a los clásicos del cine de terror de los años 20 y 30 es magistral y una de las claves de lo inmortal e intemporal del film es la magia que transmite su fotografía en blanco negro que lleva al espectador a una época, atmósfera y escenarios que resultan más inquietantes y fantasmales que si hubiese sido rodada en color . 

  Junto a su expresionista fotografía, otra de las claves del éxito del film fue su espléndido guión ( nominado al Oscar ) escrito mano a mano por Brooks y Wilder, con escenas inolvidables como el encuentro en la estación de tren de Igor ( Feldman ) y el doctor, la escena en la que ambos desentierran cadaveres, la clase del doctor a sus alumnos o el encuentro entre el monstruo y la novia del doctor y diálogos ingeniosos como el de la pronunciación de Igor y Frankenstein, el del adivinar la palabra calmante mientras Wilder es atacado o el de dobles sentidos entre el doctor y su asistente ( Teri Garr ) femenina de carácter sexual.

 El brutal y entregado trabajo de todos los actores merece mención aparte. Gene Wilder realiza una enloquecida, histérica , excesiva y entregadísima interpretación de un al principio escéptico médico y luego acaba como dice la “ Criatura” en un loco maravilloso. El que fuera protagonista también del debut de Brooks como director, fue del que partió la idea de la película y su actuación y su química con el resto del reparto, hizo que se rodase más tiempo del previsto dado el gran ambiente que existía entre el equipo. Pero quien roba el protagonismo a todo el reparto es Marty Feldman, su personaje  de Igor ( se pronuncia Aigor como le corrige a Wilder es su absurdo diálogo cuando ambos se conocen ) criado jorobado ( genial el diálogo sobre su joroba en la escena de la estación )  del doctor, es prodigioso y un robaescenas genialmente interpretado por el actor, de cuyo peculiar rostro ( por culpa de la enfermedad de Graves )sacó partido para el personaje ( Feldman moriría muy joven de un ataque al corazón por causas poco claras muy joven ) Las tres protagonistas femeninas rayan a gran altura, en especial Madeline Kahn ( la insoportable prometida del Doctor ) y Leachman (el ama de llaves cuyo nombre solivianta a los caballos ) ambas galardonadas con el Globo de Oro ese año. 

  John Morris compositor habitual de los films de Brooks, compuso por su parte una emotiva y hermosa melodía de violín con aires zíngaros, que se convirtió en otro de los sellos más recordados de la película. Los decorados y aparatos del laboratorio fueron en parte los utilizados en 1931 por James Whale en su versión de la Universal de Frankenstein, lo cual dio a la película una aire de verosimilitud y un toque clásico que benefició notablemente a la película.

Lo mejor: El portentoso trabajo de todo el elenco de actores ( incluyendo el divertido cameo de Gene Hackman ) un guión maravilloso y su evocadora fotografía en blanco y negro.

Lo peor: Que el director no lograse alcanzar ese nivel nunca más.

 

50 películas que hay que ver antes de morir ( 10 ) “ Wall E “ ( 2008 )

Dirección: Andrew Stanton.

  Desde que “ Pixar” irrumpió en el mundo de la animación a mediados de los 90, la productora posteriormente absorbida por Disney ha ido sumando a su catálogo una larguísima lista de obras maestras, entre las que es muy difícil elegir las mejores, dado la altísima calidad hasta de sus films menos redondos. Aún no siendo una de sus películas más famosas, “ Wall E” es una maravilla para niños y mayores que se coloca sin duda entre las obras más importantes del cine de animación de lo que llevamos de siglo.

  La acción se desarrolla en su primera parte en un devastado y solitario planeta tierra, en la que desde hace cientos de años no queda rastro de vida humana. Un pequeño robot de limpieza de chatarra es junto a un insecto lo único con vida que vemos entre la inmensidad de una ciudad de rascacielos invadida por montañas de basura y por la mas absoluta soledad.

 En su tramo central el film cambia de escenario y de toque visual, pasando a se una película futurista y de ciencia ficción, siendo los últimos 40 minutos propios de una cinta de acción pura. Aunque es un film de animación, visualmente es tan espectacular que parece una película de acción real, las panorámicas de ciudad abandonada mientras Wall E realiza su labor, el baile de éste y EVA en el espacio o el recorrido inicial de Wall E por el interior del crucero espacial son algunos de los momentos más bellos y apabullantes de la película.

  La película de un claro mensaje ecologista, advirtiendo del peligro real de destruir nuestro hábitat natural hasta el punto de tener que huir del planeta por ser inhabitable para el ser humano y crítica como los humanos nos estamos  convirtiendo en adictos y dependientes de las máquinas y como lo artificial y virtual va sustituyendo a lo real y a lo natural, como refleja cómicamente la cinta cuando se nos muestra como son los humanos del futuro. Frente a unos seres humanos apoltronados y pasivos, los robots protagonistas son seres curiosamente con más sentimientos, iniciativa y valentía que las personas, como demuestran WALL E y EVA en el vertiginoso tramo final del film.

  La gran peculiaridad de la película es que su primera mitad es muda ( en concreto 40 minutos ) son los gestos casi humanos de WALL E ( inspirado en el robot de “ Cortocircuito” y el rostro de Buster Keaton - estrella de cine mudo - ) y EVA y las peripecias primero de él en solitario y luego de ambos , las que mantienen, a pesar de la ausencia de diálogos, entretenido al espectador gracias además a una hermosa y desolada fotografía y a la evolución que experimenta la relación entre ambos robots. Ese arranque mudo es un prodigio narrativo, en el que se cuentan muchas cosas y se expresan las emociones sin palabras, sólo con las imágenes de los desolados parajes que recorre el protagonista y los gestos de los dos robots. El film bebe de influencias de cintas como la ya aludida “ Cortocircuito” o “ 2001, una odisea en el espacio “ ( el robot-piloto automático de la nave recuerda a Hal 9000, que pugnaba con un astronauta porque no lo desconectasen ) y también del cine mudo y de los entrañables antihéroes interpretados por Chaplin y Buster Keaton a los que homenajea la cinta.

“ Wall E “ es también una preciosa historia de amor entre dos robots aparentemente muy diferentes y opuestos y es ese aspecto del film es más emotivo y tierno ( especialmente hermoso es el momento final cuando EVA repara a WALL E )La magia del film está en que a pesar de tratarse de dos maquinas , los sentimientos de ambos nos llegan al corazón igualmente.

Lo mejor: Su maravillosa fotografía y  el personaje de Wall E, que nos roba el corazón desde que aparece por primera vez.

Lo peor: Que su mensaje apocalíptico no sea nada irreal y pudiera ser algún día realidad.

“50 películas que hay que ver antes de morir ( 9 )” Atrapa a un ladrón “ ( 1955 )

 Dirección: Alfred Hitchcock.

 Reparto: Cary Grant, Grace Kelly, John Williams, Jessy Royce Landis, Brigitte Auber, Charles Vanel.   

    John Robbie ( Grant ) un antiguo ladrón de guante blanco apodado “ el gato”, vive cómodamente retirado en la Riviera Francesa. Cuando un ladrón empieza a robar joyas imitando su estilo, sus antiguos socios y la policía sospechan inevitablemente de él. Su única opción de demostrar su inocencia es investigar por él mismo los robos y anticiparse al ladrón, por ello entra en contacto con dos adineradas turistas americanas ( Royce y Kelly ) que podrían ser el próximo objetivo del nuevo “gato”...

  Considerada una película menor en la filmografía del genio del suspense, es no obstante una de mis películas favoritas del maestro. El director británico sacaría a su querido Cary Grant de su retiro del cine ( volvería a trabajar de nuevo con él en “ Con la muerte en los talones “ ) y trabajaría por última vez con su adorada Grace Kelly ( casi logró que ésta regresara del cine con “ Marnie la ladrona” )Ambos componen una pareja inolvidable de un atractivo, carisma y glamour como pocas veces se han visto en la historia del cine.

  Hitchcock realiza un film muy distinto de lo habitual, si lo normal es que la acción gire sobre un “macguffin” ( excusa argumental que hace avanzar a los personajes pero que carece de importancia en su misma como el uranio de “ Encadenados “ por ejemplo ) aquí la clave argumental es el descubrimiento de la identidad del “ nuevo gato “ y atraparlo antes que la policía detenga al propio Robbie. Si vemos como tan habitual era en el cine del británico, a un falso culpable ( sucede igual en muchas obras del director como “ Con la muerte en los talones”, “ 39 escalones “ o “ Falso culpable “ ) fruto de su educación católica y las dudas de una mujer enamorada frente al comportamiento sospechoso del protagonista masculino ( como en “ Sospecha “ también con Grant o “ Cortina rasgada “ ) 

  Con un tono más ligero que otros films de su carrera, más toques de comedia y más énfasis en la historia de amor, la película es menos compleja en cuanto a su puesta en escena que otras obras más famosas del director como “ La ventana indiscreta “ o “ Vértigo” no por ello se trata de una película sencilla, su espectacular persecución por una carretera de curvas conduciendo temerariamente el personaje de Grace Kelly ( la misma carretera en al que fallecería también en un coche en 1982 ) o la secuencia del baile de máscaras no son fáciles de planificar ni de rodar y momentos espléndidos como el beso nocturno de Kelly y Grant a oscuras ( brillando sólo las joyas de ella - como guiño al personaje de ladrón de Grant -) mientras los fuegos artificiales iluminan la escena demuestran el gran talento visual del cineasta .

Mención aparte merece el trabajo de sus dos protagonistas. Con más de cincuenta años , Cary Grant, además de exhibir un espléndida y envidiable forma física , volvió a rodar después de un tiempo, dotando al personaje del toque irónico y elegante  ( impagables sus diálogos llenos de dobles sentidos con Kelly en la escena del coche o con Aubert en la lancha o en la playa cuando coinciden los tres )que lo hacen más simpático que el del espía de su anterior colaboración con Hitch en “ Encadenados “ y que explican que Ian Flemming lo considerase el perfecto actor Oda interpretar a James Bond  . El protagonista de “ Charada”  con su aire de granuja encantador enamora a una Grace Kelly que nunca estuvo más bella y radiante que en esta película  ( más, que ya es difícil, que su anterior film con el director la magistral “ La ventana indiscreta “ ) Hitchcock consideró que este era su papel más difícil de los tres que interpretó para el cineasta y con su personaje de joven rica, superficial y caprichosa logra que además de Grant, todos caigamos rendidos a sus pies.

 

Una magnífica película de evasión sin más pretensiones que entretener, en la que el director buscó más realizar una comedia sofisticada con toques románticos, de acción e intriga, en el que el realizador dirigió uno de sus films más feministas, ya son los personajes femeninos los fuertes ( Kelly tras su apariencia glacial, sorprende a Grant y al público con un beso furtivo tras su primera cita juntos y Aubert tras su apariencia inmadura es la gran sorpresa de la película )

 

Lo mejor : La química de Kelly y Grant y un guión y ritmo ágiles y muy entretenidos.

Lo peor : Que muchos la consideren un film menor en la vasta filmografía del director de “ Psicosis”

“ 50 películas que hay que ver antes de morir ( 8 ):” El tercer hombre” ( 1949)

 

Dirección: Carol Reed

Reparto: Joseph Cotten, Orson Welles, Alida Valli, Trevor Howard, Bernard Lee.

   Holly Martins ( Joseph Cotten ) un escritor norteamericano de novelas del oeste viaja a la ciudad de Viena  en 1947 destrozada tras la guerra y ocupada por las fuerzas aliadas, en donde reina el estraperlo, la pobreza y la desesperanza en busca de su amigo Harry Lime ( Welles ). Al llegar allí se entera del fallecimiento de éste y conoce a la novia de Harry ( Valli ) de la que se enamora, pronto descubrirá las turbias y lucrativas  actividades de Harry y surge la Duda de is realmente falleció o fingió su muerte para escapar de la policía..

  

   Con la maravillosa melodía de citará de Antón Karas impregnando la película, asistimos al descubrimiento por Martins de los bajos fondos de la antaño cosmopolita e imperial Viena mientras busca a su amigo, del que acabará descubriendo un lado oscuro que le hará plantearse el dilema entre amistad y el deber de ayudar a la policía aunque ello pueda suponer traicionar a un amigo. Con claras influencias visuales del neorrealismo triunfaba en Italia en ese momento y el impresionismo alemán de la década de los 20, la impresionante y poética fotografía de Robert Krasker ( ganador ese año del Oscar ) con un uso del contraluz  para crear siluetas que da al film un tono inquietante y fantasmagorico  y unos encuadres inclinados que aportan dinamismo al film, es uno de lo mejores ejemplos de una utilización dramática del B/N en el cine.

   Aunque dirigida por Carol Reed la influencia de Orson Welles en el film es muy palpable , tanto en el uso de la luz, los encuadres y la puesta en escena, además de la elección de Cotten como protagonista. El director venía de dirigir dos films muy personales ( “ Macbeth” y “ La dama de Shanghai “ ) y ya empezaba su exilio por Europa tras sus problemas de montaje de algunas de sus obras y con el inicio de caza de brujas de MacCarthy. El personaje del huidizo y maldito Lime, le venía como anillo al dedo.

  Joseph Cotten y Orson Welles grandes amigos en la vida real ( Cotten protagonizó las tres primeras obras de Welles como director ) protagonizan un film que suele aparecer en las listas de las mejores películas de la historia. Welles borda su personaje de granuja encantador al que a pesar de sus negocios turbios y amorales es imposible no cogerle aprecio, Lime es un tipo egoísta y manipulador, que no tiene escrúpulos en traficar en cierto modo con el dolor ajeno. Frente a él, Cotten cómo era habitual en toda su filmografía ( salvo en la estupenda “ La sombra de una duda “ de Hitchcock) es un tipo íntegro, con moral y principios, que duda sobre cómo proceder con su amigo traficante, se siente engañado por éste y vive un amor imposible hacia una vulnerable y hermosa Alida Valli.

  Llena de escenas míticas para cualquier cinéfilo como el encuentro de los dos amigos en la noria del Prater, cuando Lime trata de justificar  a su amigo  su turbio negocio con hipócritas argumentos, la persecución por las las alcantarillas de Viena y el famoso plano del gato dirigiéndose hacia Lime y retozando con éste, que sale a la luz por primera vez y vemos entonces su rostro y su sonrisa juguetona e irónica, el film está lleno de hallazgos visuales y de lecciones de buen cine. 

  La ciudad de Viena, es un personaje más del film,  muy alejada de la ciudad imperial que vio al principio del siglo XX los movimientos vanguardistas en el arte como la sucesión, la guerra dejó la capital devastada y ocupada por las 4 potencias vencedoras ( como Berlín )Lime se aprovecha de la miseria y corrupción de la ciudad para enriquecerse y ocultarse. Con el tiempo numerosos rincones de la ciudad se han convertido en lugares de paso y visita  imprescindibles para turistas y amantes del cine.

  Mezcla de cine negro tan de moda en la época, drama,cine de espías ( ya de apunta en el film el inicio de la guerra fría ) y película romántica, la película es el resultado de una suma de talentos : Carol Reed ( “Oliver” - Oscar a la mejor película en 1968 ) el productor Alexander Korda  ( “ La vida privada de Enrique VIII”, “Lady Hamilton “ )  el novelista Graham Greene y ocasional espía ( “ Nuestro hombre en La Havana “, “ El factor humano” ) co autor del guión junto a Reed y Welles y un reparto de magníficos actores británicos ( entre ellos Bernard Lee, el futuro M de los films de James Bond ) junto q los norteamericanos Welles y Cotten y la italiana Valli. 

 Lo mejor : Sus interpretaciones, ambientación, fotografía y la ciudad de Viena.

Lo peor : Nada.

50 películas que hay que ver antes de morir ( 7 )“ Ipcress” ( 1965 )

 

Dirección:Sidney J. Furie.

Reparto:  Michael Caine,Nigel Reed, Sue Lloyd, Guy Doleman.

  

   El monstruoso éxito de las primeras cintas de James Bond produjo numerosas imitaciones en los años 60 que buscaron captar y explotar los elementos más característicos de la saga ( como viajes a lugares exóticos, chicas guapas, gadgets, malos megalómanos y un protagonista heroico, sofisticado y mujeriego ) como la serie de películas protagonizadas por Matt Helm ( Dean Martin ) o Flint ( James Coburn ). Hubo también otros films que trataron de dar una imagen más realista del mundo de los espías como “ El espía que surgió del frío” con Richard Burton o las películas de la serie de Harry Palmer ( Michael Caine )

  Producida curiosamente por uno de los productores de la serie Bond, con música asimismo de John Barry ( también autor de las bandas sonoras de 007 ) y con el decorador bondiano Ken Addam, la cinta es una obra antiBond, de un estilo más austero, seco y muy realista, pero dotada  de una tensión y suspense sobre todo en la segunda parte llena de sorpresas. Con un aire a lo Hitchcock, es la intriga y la tensión que rodea a Palmer y las traiciones y dudas sobre en quien confiar las que mantienen entretenido al espectador hasta su impactante final.

  El personaje de Palmer es lo opuesto a Bond, un gris funcionario mal pagado, que trabaja gran parte del tiempo en una oficina haciendo continuos informes, que realiza su misión no por patriotismo sino por cumplir órdenes, vive austeramente en un pequeño apartamento, que debe obedecer a jefes antipáticos, aunque si coincide con Bond en su indisciplina, su dureza, sangre fría alergia a la autoridad y por su gusto por coquetear con las mujeres. Más cercano a las novelas de John Le Carré “ Ipcress” recrea con un estilo visual y puesta en escena muy directos y desnudos cómo debe ser realmente el trabajo y el ambiente en el que se mueven  los espías de verdad .

 

  Michael Caine, por entonces un actor muy poco conocido, con su elegancia habitual y sus características gafas de pasta negras, se convirtió gracias al film en una estella ( confirmando al año siguiente con la icónica “ Alfie “ su carisma y talento en un personaje muy diferente a Palmer ) logrando la película el BAFTA ( equivalente británico a los Oscars ) a la mejor película ese año. El éxito provocaría dos secuelas inmediatas en 1966 y 1967. El actor consigue componer un personaje que recuerda a los lacónicos y duros detectives típicos del cine negro clásico: un tipo indisciplinado, descreído, seguro de si mismo, que no se fía de nadie y con mucho olfato para seguir una pista, usando si es necesario cualquier medio para descifrar un misterio, en este caso la desaparición de un científico y el significado de una palabra que puede desentrañar el motivo de esa desaparición : Ipcress.

Lo mejor : El carisma de Caine, la intriga argumental del último e intrincado tercio de la película .

Lo peor : Que acostumbrados a cintas de espías más espectaculares y menos realistas, a algunos les pueda parecer un film frío.