viernes, 31 de diciembre de 2021

Los mejores directores de la historia ( 12 ) Fritz Lang. “ Los contrabandistas del Moonfleet” ( 1955 )

Disponible en Filmin. 
Dirección: Fritz Lang.
Reparto: Stewart Granger, Jon Whiteley, George Sanders, Joan Greenwood, Viveca Lindfords.
 Fritz Lang es uno de los directores de cine del siglo XX con una trayectoria profesional y vital más apasionante. Autor de alguna de las más grandes películas del cine mudo ( “ Metrópolis “, “ El doctor Mabuse” y o “ Los nibelungos” ) tuvo que huir de Alemania por ser su madre judía al día siguiente de que el mismísimo Goebbels ( ministro de propaganda nazi ) le ofreciera dirigir la cinematografía del nuevo régimen. Allí dejaría a su mujer, guionista de sus películas y curiosamente fervorosa nazi. En Hollywood abarcaría con gran éxito la mayor parte de los géneros ( dos westerns incluidos ) especializándose en cine negro ( “ La mujer del cuadro”, “ Perdición” o “ Los sobornados “ ) probablemente el género más acorde con su visión pesimista del ser humano. A fines de los 50 volvería a Alemania donde dirigirá el hermoso díptico de exóticas aventuras “ El tigre de Esnapur “ y “ La tumba India”. “ Los contrabandistas de Moonfleet” es una de sus obras menos conocidas, pero a pesar de ello es una joya de gozoso visionado a reivindicar y en el que el cineasta de origen austriaco vuelve a demostrar sus habilidades habituales como gran director.




  La película ambientada en la Inglaterra del siglo XVIII cuenta la historia de un niño ( Witheley ) que se acaba de quedar huérfano tras la muerte de su madre en las colonias de America y llega a un pueblo costero infectado de contrabandistas con una carta dirigida al caballero Jeremy Fox ( Stewart Granger ) un antiguo amor de su madre, en el que ésta pide a Fox que cuide de él.  Granger era en los 50 uno de los héroes del cine de aventuras más destacados de Hollywood graciás a clásicos como “ Las minas del Rey Salomón “,“ Scaramouche “ y “ El prisionero de Zenda”. En la película de Lang, el actor británico interpretó un personaje que es el reverso de sus heroicos espadachines y  exploradores habituales. Fox es un tipo traicionero, manipulador mujeriego y sin moral que inicialmente ve al chico como una carga y tratará de desembarazarse de él como hace de todo/as las personas que lo quieren y suponen algún tipo de atadura en su licenciosa vida. El contrabandista como descubriremos tuvo una trágica historia de amor imposible con la madre del chico, a la que nunca pudo olvidar y que posiblemente explique su carácter torturado y solitario. La llegada del niño hará que rememore con nostalgia la historia de amor pasada y que despierte en él sentimientos nobles que creía olvidados…



 Fritz Lang plasma como en casi todo su cine, una visión pesimista de las relaciones humanas y la corrupción y amoralidad del mundo que reflejó en la mayoría de sus películas. Más allá  de la historia de aventuras que nos cuenta, lo más interesante de la película es la relación de padre e hijo que se va desarrollando poco a poco entre el contrabandista Fox y el niño, un chico noble, fiel y de buenos sentimientos, que idealiza a su mentor no viendo su lado oscuro, creyendo que es su amigo y que nunca le va a fallar y también el despertar  de la inocencia que vive el chico a un mundo despiadado y cruel, viviendo junto a Fox trepidantes aventuras. Con ecos de “ La isla del tesoro “ de Stevenson en el argumento y el tratamiento del personaje de Fox y del niño, parece ser que ambos personajes inspirarían a Hergé en la creación de Tintín y el capitán Haddock de los famosos cómics.



 Lang, un auténtico maestro en la puesta en escena ( seguramente influencia de su formación como arquitecto) compone unos planos en color que por su expresividad parecen lienzos y maneja el uso de la luz ( sobre todo en las abundantes escenas nocturnas ) de un modo muy expresionista. La maestría de Lang se ve sobre todo en el arranque ( con el plano contrapicado del niño viendo desde abajo los rostros casi terroríficos de los contrabandistas ) y en los planos finales de la película cuando éste ve a través de la ventana marcharse en medio de noche a la barca de Fox.



 Con elementos del cine gótico, que se anticipa a las cintas de terror de la Hammer, toda la larga secuencia en la iglesia y en fantasmagórico cementerio es como una película de terror dentro de la película de aventuras principal. Si bien su primera media hora no está a la altura del resto de la película, el guion y la excelente interpretación de Granger en la parte final de la historia, que muestra la evolución del personaje de Fox con el niño ( que redime al personaje del contrabandista ) hacen que el desenlace deje un gran sabor de boca al espectador.



Lo mejor: El magnífico trabajo de Granger, su maravillosa fotografía y su ambientación entre gótica y de cine de capa y espada.
Lo peor: La sonrojante y tópica escena flamenca.

miércoles, 29 de diciembre de 2021

Los mejores directores de la historia del cine ( 11 ): Luis García Berlanga. “ Plácido “ ( 1961 )


Disponible en Flixole.
Dirección: Luis García Berlanga.
Reparto: José Luis López Vázquez, Cassen, Manuel Aleixandre, Elvira Quintillá, Agustín González.
 Una ácida comedia negra llena de situaciones y diálogos absurdos y crítica social que es para muchos la mejor obra de su autor y el mejor film de la historia del cine español. La cinta sigue las peripecias durante el día de Nochebuena de un humilde conductor ( genial Cassen ) que intenta que se le pague por un liante empresario ( enorme López Vázquez ) sus servicios durante un desfile y así poder pagar una letra de la que depende la propiedad de su motocarro que es su medio de vida. A lo largo de los distintos episodios que viven los personajes durante todo el día, esa sencilla trama argumental será la excusa para realizar un desternillante y demoledor retrato  de la condición humana y una brutal crítica social de la época en la que fue rodada, muy bien ejemplificada en la campaña “siente cenar a un pobre en su mesa” con la que los burgueses del pueblo invitan a cenar con desgana y en algunos casos abierto desprecio, a gente pobre de la localidad el día de Nochebuena. El director trata de retratar la hipocresía social de una supuesta caridad Cristiana que pretendía limpiar conciencias y escondía el egoísmo y la falta de generosidad con los demás.



  Berlanga es sin duda el director más importante de nuestro cine y por tanto uno de los grandes directores del cine mundial. Junto con Buñuel y Fernán Gómez es el realizador más importante de los años 50 y 60 del cine español y con Fernán Gómez el director que de un modo más crítico y mordaz retrató la España de la época. Con el director de “ El extraño viaje” comparte su toque esperpéntico, su realismo, la sencillez de su puesta en escena con escasos movimientos de cámara y predilección por los largos planos secuencia y los personajes pícaros, humildes y la crítica a la codicia, la hipocresía y la miseria  moral de la época. El cineasta valenciano despliega en la película la mayor parte de las señas de identidad de su cine como : un reparto coral ( todo su largo reparto está sensacional ) situaciones absurdas y casi surrealistas ( por ejemplo en toda la secuencia en el piso donde enferma un anciano pobre ) critica social desde la parodia y un retrato muy costumbrista de la realidad. Su cine es un perfecto retrato de su época que nos ayuda a entender la España de la Guerra Civil, de la posguerra, del final del Franquismo y de los primeros años de la democracia. Films como “ Bienvenido Mr Marshall”, “ Placido “ y “ El verdugo” diseccionan de un modo corrosivo a la España de los 40 a 60, por eso ver el cine de Berlanga es asistir a una clase ( con muy mala uva ) de la historia de España.



   La película presenta una galería de personajes que son muy arquetípicos de la España de entonces, aunque en realidad en muchos aspectos la sociedad española no ha cambiado tanto desde aquella época: tenemos pícaros que buscan sobrevivir ( Aleixandre o Luis Ciges ) ricos que miran por encima del hombro a los que llaman de un modo clasista “ pobres”  ( como el suegro del personaje de Agustín González )liantes que se valen del engaño para sacar provecho ( López Vázquez ) casados que tienen queridas ( Antonio Ferrandis y Amparo Soler Leal respectivamente)empresarios sin escrúpulos ect… Los personajes llama dos “pobres” tienen una dignidad y honradez muy superior a la de la clase media acomodada provinciana representada en la película Y son retratados con cariño por parte de Berlanga.



  El director valenciano decía de si mismo que su función como realizador era dirigir el tráfico. Si se analizan la mayoría de sus películas efectivamente se nota su predilección por los planos secuencia, en los que entran y salen continuamente personajes. Cabría erróneamente pensar en una falta de pretensiones por parte del director y que esas secuencias son desordenadas, pero en realidad su estilo y puesta en escena caracterizan a un director muy preciso en el tiempo cinematográfico y con una gran capacidad de planificación de sus largas secuencias, que poseen un gran ritmo y en las que parece imperar el caos y el desorden, aunque al contrario el cineasta controla muy bien en qué momento deben entrar y salir los actores y  como deben darse éstos las réplicas los unos y los otros. Nominada al Oscar a la mejor película extranjera ( le ganó Igmar Bergman ) esta delirante tragicomedia logra divertir a la vez que hace reflexionar al espectador.



Lo mejor: El gran trabajo de todo el elenco actoral, el corrosivo, ácido y divertido guión del genial Rafael Azcona y la precisa y concisa dirección de Berlanga.
Lo peor: Que la realidad que retrata el director es muy real.





domingo, 26 de diciembre de 2021

Get Back. El último tesoro Beatle



Disponible en Disney plus.
 La película “ Let it be” estrenada a principios de 1970 y ganadora del Oscar a la mejor banda sonora es quizá el documento más triste para cualquier fan de los Beatles. De hecho este film maldito, es hoy difícil de encontrar, es como si se hubiera querido ocultar en un cajón una película vergonzante y que nadie tiene demasiado interés en volver a ver. La cinta de hecho, simbolizó el fin de la banda ya que se estrenó coincidiendo con el final oficial del grupo a principios de 1970 cuando Paul anunció su marcha de la ( en realidad el conjunto estaba virtualmente disuelto desde otoño de 1969 cuando Lennon pidió a los demás el divorcio pero se decidió no oficializarlo para no frustrar una negociación de renovación al alza de su porcentaje de beneficios por la venta de discos con EMI Records ) y mostraba unos Beatles agrios, enfrentados, desganados ( salvo Paul ) y con escasa comunión entre ellos, a excepción en el famoso concierto final de la azotea el 30/1/1969. Peter Jackson ( responsable de la saga “ El señor de los anillos “ ) ha obrado el milagro: ha buceado entre las 60 horas de filmación y 150 horas de audio empleados por el grupo en Enero de 1969 y ha reconstruido esas tormentosas sesiones para mostrar a una banda ciertamente con altibajos, pero con muchos momentos de gran conexión y complicidad entre ellos, que discute, pero también bromea y se ríe, que recuerdan grandes momentos pasado juntos,  crean canciones de la nada, a veces se aburre, les venimos conversar desnudando su alma y crean magia ante nuestros ojos.



 En Agosto de 1966, The Beatles terminaron enfadados su gira mundial de ese año. Los múltiples problemas de orden público sufridos en Filipinas, Japón y EEUU y la incapacidad de reproducir en directo  con los rudimentarios equipos de sonido de la época las cada vez más complejas canciones de sus discos, les llevaron a poner fin a las giras. Hasta Septiembre de 1968 en que tocaron en directo en tv para un gran público “ Hey Jude” no volvieron a tocar en vivo. La experiencia les gustó tanto que decidieron repetir y volver a actuar en directo. La idea era tocar ante el público un nuevo álbum con canciones más sencillas y sin los efectos de estudio habituales. Se les grabaría ( anticipándose así a los reality’s tipo “ Gran hermano “ ) con cámaras de cine como componían, arreglaban y ensayaban los nuevos temas y al final habría un gran concierto ( se llegó a hablar de un teatro romano en Libia o un trasatlántico ) La idea era buena sin duda, pero las cosas serían más complicadas de que parecía..





  Durante casi ocho horas repartidas en tres partes siguiendo un orden cronológico, se nos muestra al grupo ensayando canciones aún sin terminar la letra, haciendo en equipo los arreglos de las mismas, dando cuerpo a esos esbozos iniciales de futuras canciones y vamos asistiendo al proceso de como cada tema va perfeccionándose y convirtiéndose en una canción completa con su letra integra y todos los arreglos propuestos por cada uno hasta terminar la canción incompleta al inicio. Ese trabajo grupal en que vemos paso a paso la construcción de casi la nada de temas como “ Get back”,”Let it be”, “ The long and winding road”,  “ Don’t let me down” o “ I’ve got a feeling” es sin duda una experiencia fascinante para cualquier amante del grupo y de la música en general y nos descubre el sistema de trabajo en el estudio de los Beatles como nunca antes ( incluso en la película “ Let it be “ ) se había visto.





  El documental presenta dos partes muy diferenciadas en la relaciones entre los miembros del grupo y en su dinámica de trabajo como conjunto. En un primer momento el grupo ensaya en los estudios de cine Twickenham en el que las relaciones entre los 4 Beatles se van agriando cada vez más conforme pasan los días. Al grupo acostumbrado a grabar en un estudio de grabación más intimo que un gran gran plató de cine en otro horario diferente ( no de día, sino de noche ) y sin que las cámaras los estén permanentemente grabando, se le ve incómodo. En esa primera parte ( el capítulo 1º y los primeros minutos del 2º, en el que se nos muestra a un Lennon pasota, un Harrison serio y taciturno que se acaba rebelando por el estilo excesivamente autoritario de McCartney ( se ve como Lennon y McCartney son condescendientes con él cuando presenta su tema “ I me mine” ) y que incluye momentos para recordar cómo cuando Paul crea de la nada ante George y Ringo “Get back” cuando Harrison harto anuncia que se va y como en una cafetería con un micro oculto que desconocen que les graba, Paul y John se les oye hablar sobre los problemas recientes del grupo y en donde Lennon aconseja a McCartney cómo solucionar los problemas con George ( es sin duda el gran momento del documental, el que descubre más sobre los problemas finales de la banda ) . Cuando Harrison se ha marchado y una mañana están solos Paul y Ringo, en el momento más emotivo del documental, vemos a un emocionado McCartney al que están apunto de saltarse la lágrimas, cuándo es consciente de que el grupo se está derrumbando y de que el fin de su banda puede estar cerca. La segunda parte, cuando Harrison ya accedido a volver al grupo, a condición de irse de Twickenham, se desarrolla en el estudio de grabación recién montado en la sede de Apple y es la parte más feliz y distendida del grupo, que ya se encuentra en su salsa y mucho más unidos y felices. Un antiguo conocido de su época  en Hamburgo ( en 1960-61 ) Billy Preston recibe ( en una de las escenas más entrañables del documental ) la oferta de modo inesperado del grupo ( se había pasado por el estudio sólo para saludarles ) de que grabe con ellos y actúe en el futuro concierto junto a ellos y el músico pone cara de no creerse  lo que está oyendo  ( se convertirá con el single “ Get back “ en el único músico en compartir créditos en la portada de un disco con ellos ) 



  Paul como ya se sabía, queda retratado como el motor de la banda, el que tira del grupo ( de hecho Ringo afirmó hace poco una entrevista que sin él, el grupo habría durado dos años ) es claramente el líder de la banda ( desde la muerte de su manager y pigmalión Brian Epstein en 1967, asumió la riendas del grupo ) de hecho Lennon le llama “el boss” y su papel varía a lo largo del documental. Se ve en él un antes y un después en la conversación con Lennon con micrófono oculto y si en un principio durante la filmación en el estudio de cine, su papel es un tanto despótico y es excesivamente puntilloso con sus compañeros, en el estudio de grabación de Apple es mucho más suave en sus formas, deja más espacio a sus colegas y es más flexible en sus ideas musicales en  ( posiblemente al ver peligrar la viabilidad del grupo en gran parte por su manera de dirigirlo, decidió ser menos dictatorial con sus compañeros para evitar la ruptura que ya veía venir ) e incluso intenta no ser él quien decida cuando la banda no sabe que hacer. Lennon igualmente sufre una evolución antes y después de la llegada al estudio de grabación ( parece ser que a lo largo del año 1969 tuvo serios problemas de adicción a la heroína ) de su papel pasota y muy pasivo ante el liderazgo de Paul en los primeros días en Twickenham pasa en Apple a una labor más colaboradora y proactiva y despliega su humor, ironía y espíritu bromista que lo convirtió en sus primeros tiempos en el líder del grupo y demuestra una gran capacidad de trabajo al nivel de Paul. La imagen transmitida durante mucho tiempo de un Lennon complicado y al que le tenían miedo los demás queda desmontada y en entredicho en el documental. Del George taciturno y serio del inicio, pasamos a un Harrison más participativo ( ayuda a Ringo a componer una canción - que aparecería en el LP final de la banda “ Abbey Road” - y el resto de la banda es más colaborativa con él cuando propone sus canciones “ Old brown shoe “ y “For You Blue ”)  Ringo, un hombre entrañable y nada divo, queda reflejado lo gran tipo que es ( El propio director del documental lo califica así en un  momento del primer capítulo ) un tipo muy profesional ( mejor baterista de lo que se ha dicho ) colaborador que no se enfada nunca y que asiste de modo tranquilo y paciente a las discusiones y repeticiones de las distintas tomas de las canciones. Yoko Ono es una de las grandes ganadoras en este documental, ya que muestra una actitud más positiva de McCartney hacia ella y en todo momento permanece en silencio sin interferir ni molestar en el proceso creativo del grupo ( hay hasta un memento en la parte tres, en la que Paul, Ringo y George, muy cómplices con la pareja, celebran con Lennon y Ono tras ensayar “ Oh darling ! “ ) que ella ha logrado el divorcio de su marido, sin que se vea a lo largo del documental ningún mal sentimiento de estos hacia ella.




  También asistimos a la llegada al universo Beatle de Allen Klein ( Lennon queda con él durante las grabaciones y les habla maravillas de él a George y Ringo ) un ambicioso y oscuro manager que contra la opinión  de Paul, se convierte en el  manager del grupo - salvo de MacCartney - y esa división en la banda, sería una de las claves para entender el fin del grupo. En ese estudio de Apple además Los 4 revivirán recuerdos de su estancia en la India a principios de 1968.



 Es impresionante la cantidad de canciones que componen y arreglan durante el documental en poco más de tres semanas y bajo la presión de acabar todo el trabajo antes del 31/1/69 ( el grupo reconoce que trabaja mejor bajo presión y efectivamente lo demostró con creces a lo largo de su intensa carrera ) ya que además de las que incluiría el LP “ Let it be “ ( como se llamaría al final el LP “ Get back “ ) y la canción “ Don’t let me down “ tocan casi todas las futuras canciones del LP “ Abbey road” , el single “ Old brown shoe “ más de 10 canciones que nunca terminarían ni grabarían y varias temas de los primeros discos en solitario de Lennon ( “ Jealous guy” - llamada aquí “ The road to Rishikesh “ ) Paul ( “ Teddy boy “ ) y George ( “ All things must pass “ ) El momento cumbre del documental es el improvisado e ilegal concierto en azotea. Peter Jackson lo muestra completo con muchas imágenes inéditas ( se muestra el concierto íntegro con varias tomas tomas de “ Get back”, “ Don’t let me down “ , “ I’ve got a feeling “ y una toma de “ Dig a pony “ y “ One after 909 “ ) y usa de un modo genio técnica de la pantalla partida ( de moda precisamente a fines de lo 60 en films como “ El caso de Tomas Crown “ ) para mostrarnos todos los puntos de vista del mismo ( dentro y fuera de la azotea - oímos muchas opiniones al público en la calle acerca del grupo - ) y en esa última actuación en vivo los 4 Beatles ( sobre todo MacCartney y Lennon ) se no muestran muy entusiasmados con la experiencia . Viendo ese final, parece inexplicable el fin del grupo tan sólo 9 meses después. Serian las diferencias posteriores por temas extra musicales ( económicos fundamentalmente) las que sepultarían ese comunión lograda al final de las sesiones de “ Get back “.

 



sábado, 25 de diciembre de 2021

Los mejores directores de la historia del cine ( 10 ): Akira Kurosawa “ Rashomon “ ( 1950 )



Disponible en Filmin.
Dirección: Akira Kurosawa.
Reparto: Toshiro Mifune, Machiko Kyo.
  Cuando en 1950 se presentó por primera vez en un festival de prestigio como el de Venecia una película oriental ( hasta ese momento en los festivales sólo se exhibían las películas norteamericanas, francesas o italiana ) la cinta produjo sensación logrando el Leon de Oro y descubriendo en Occidente a un cineasta enorme como era Akira Kurosawa, cuyo cine tendría una enorme influencia en directores de la época y en otros realizadores futuros como George Lucas ( John Sturges realizará un remake de “ Los siete samurais “ con “ Los siete samurais “ , Sergio Leone de “ Yoyimbo “ en “ Por un puñado de dólares” y Lucas recogería muchas ideas de “ La fortaleza escondida” para la primera parte de la guerra de las galaxias )



  Debido a su estructura muy innovadora, los estudios japoneses no veían claro financiar la cinta y por ello Kurosawa debería contentarse con un ajustado presupuesto ( para “ Los 7 samurais” cuatro años después tendría un abultado presupuesto )Ello conllevaría que toda la película se desarrolla en sólo tres escenarios ( el templo construido para la película - del que recibe el nombre el film- una explanada donde los testigos del asesinato sobre el que gira la película cuentan su visión de los hechos y el bosque donde se produce la violación y el asesinato ) A pesar de existir únicamente esos tres escenarios, el cineasta  gracias a sus interesantes movimientos de cámara y el modo de fotografiar, consigue que la película sea muy dinámica y no tenga una apariencia estática y teatral.



A través de lo que luego se ha conocido como “ técnica Rashomon ( Ridley Scott utiliza ese misma técnica al contar los hechos en la recién estrenada “ El último duelo “ ) el director japonés cuenta la historia desde el punto de vista de cuatro personajes que narran lo sucedido desde cuatro puntos de vista diferentes, tratando de salir bien parados de esa confesión  que no sabemos si es real o ficticia. Esas cuatro perspectivas pueden ser cualquiera de ellas perfectamente reales o mentiras vibradas para ocultar la verdad y en éstas el director cuenta lo mismo cambiando el tratamiento y el punto de vista consiguiendo que una única realidad, sean cuatro escenas distintas.



 Un samurai que viaja acompañado de su esposa, es asaltado en un bosque por un bandido y poco después un tercer hombre encuentra el cadaver del primero. Poco después el bandido es detenido y confiesa la violación de la mujer y el asesinato del marido, pero las cosas según la mujer que narra la historia desde su recuerdo, el fallecido que habla a través de una médium y el hombre que encuentra el cadáver y le cuenta a dos personas lo que vio, podrían haber sucedido de otra forma… Kurosawa  logra una hermosa película gracias al uso que de la luz y la iluminación sobre todo en las escenas del bosque y demuestra su talento visual con sus expresivos primeros planos del rostro de los actores y cuando compone planos con los rostros de los dos trios protagonistas y muestra adelantos técnicos como cámaras a la espalda y giros de traveling muy originales.



Mucho se ha hablado temática de la película. Kurosawa afirmó en su autobiografía que la cinta hablaba del egoísmo, eso y relativismo ( cada uno tiene su verdad ) así como la falta de solidaridad y de bondad entre las personas son algunos de los ejes de la película. Rodada cinco años tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, no es casual que la película ofrezca una visión sombría y pesimista del ser humano, personificado en el comportamiento sobre todo del bandido y de la mujer. El guión incluye frases lapidarias como: “ Ningún mentiroso quiere reconocer que lo es” , “ Es difícil sobrevivir sino eres un egoísta” , “ aquí vivía un demonio, dicen que se fue porque ríenos miedo de los hombres” No obstante el director cierra la película con un final optimista sobre la naturaleza humana en el episodio del bebé abandonado , dejando una puerta abierta a la esperanza en su desenlace positivo.




Lo mejor: Su novedosa técnica narrativa desde tres puntos de vista, su hermosa y expresiva fotografía, sus innovaciones en la forma de rodar y la interpretación de Mufune y Kyo.
Lo peor: Algunas interpretaciones han quedado con el tiempo demasiado teatrales.



Los otros directores de la lista: 









miércoles, 22 de diciembre de 2021

“ El último duelo” La taquilla no siempre acierta.



Disponible en Disney Plus.
Dirección: Matt Damon, Jodie Comer, Adam Driver, Ben Affleck. 
  En 1977 un realizador de vídeoclips llamado Ridley Scott debutó en el cine con “ Los duelistas” la historia de dos soldados de las guerras napoleónicos que se retarán en duelo varias veces a lo largo de los años. Cuatro décadas después de nuevo un duelo a muerte centra el argumento del penúltimo film del director de “ Blade runner” estrenado en Octubre de este año y ahora disponible en Disney plus. A pesar de haber supuesto un gigantesco fracaso de taquilla, sin ser de las mejores obras de su autor,  se trata de una película más que estimable que presenta algunas de las constantes mas habituales del cine del director como es su maravillosa factura visual, un diseño de producción espectacular, una excelente y lograda recreación de época y un gran reparto de magníficos intérpretes.



  A finales del siglo XIV, cuando la esposa ( Comer ) de un caballero ( Damon ) al servicio del Rey de Francia acusa a un antiguo amigo ( Driver ) y luego rival, de violarla, la negativa de éste a reconocer los hechos, dará lugar a un duelo a muerte autorizado por el rey entre ambos, para que Dios sea el que decida quien dice la verdad.



  Con un guión escrito por Ben Affleck y Matt Damon, inspirándose en la estructura del clásico de Kurosawa “Rashomon” la cinta narra desde tres puntos de vista ( los de Damon, Driver y Comer ) la misma historia de cómo evoluciona la relación entre Jean ( Damon ) y Le Gris ( Driver ) y cómo pasan de ser amigos a enemigos, de que manera reacciona el primero ante la noticia de la violación ( de un modo muy diferente según sea el punto de vista de Jean o el de Margaritte - Comer- ) y como es percibida la violación también de una óptica muy distinta según la vea la agredida o el conquistador y mujeriego Le Gris. Esta estructura del guion y modo de contar la historia, ha sido por algunos críticos muy cuestionado, pero a mi modo de ver nos ofrece distintos matices y puntos de vista a que sucedió y la interpretación de los hechos por uno u otro personaje, lo cual resulta muy interesante dramáticamente. Es cierto no obstante que la tercera parte ( la historia según Margaritte ) aporta pocas novedades respecto a las dos primeras visiones de Jean y Pierre y hubiera sido más innovador e interesante que esa tercera parte de la historia aportarse alguna sorpresa o nuevos elementos a la misma y la diferencia entre la perspectiva de Marguaritte y la De Lys es mínima ( sobre todo en relación con la violación )



  El aspecto interpretativo donde la película tiene algunos de sus puntos fuertes y también de sus mayores debilidades. La interpretación de Jodie comer es sin duda lo mejor de la película, aunque es cierto que un personaje femenino tan reivindicativo, con esa convicción y valentía es del todo inverosímil en una época como la Edad Media , el fuerte carácter y arrojo de la protagonista femenina y la capacidad de la actriz de transmitir sus emociones ( sobre todo en el tercio final de la cinta ) hacen de la interpretación de la protagonista de “ Killing Eve” uno de los mayores activos del film ( su interpretación es brillante en el momento muy tenso de su interrogatorio antes del duelo ) Damon está correcto ( sobre todo en el tercio inicial y menos afortunado en la parte final, salvo en el duelo, en el que tanto él como Driver están espectaculares ) pero sin que su personaje e interpretación consigan tocar la fibra del espectador al revés que el personaje de su esposa. Driver, en un personaje que no es nada fácil hace una interpretación muy buena pero no memorable, sobre todo en la parte final, aunque su personaje tiene pocos momentos de lucimiento para un actor de su talla, realizando una interpretación muy medida en un personaje que no caerá bien al espectador. El que está rematadamente mal en su interpretación  es Ben Affleck. Su personaje ciertamente es antipático y casi caricaturesco por momentos,  y la construcción de su personaje es de lo peor del guion, pero el actor en ningún momento logra estar a la altura del resto de sus compañeros y es uno de los puntos negros de la película.



 Los guionistas optan por una narración que  homenajea al clásico de Kurosawa, pero al revés que en el clásico japonés, no se opta por varias versiones de la misma historia , que podrían ser todas ciertas teniendo en cuenta la subjetividad de cada personaje que narra, sino que se cuenta lo mismo en la segunda y tercera parte, salvo alguna escena ( el tenso y magnífico interrogatorio a Comer o la última conversación previa al juicio - dos de las escenas de más fuerza del film - )

  


 Muchos han visto influencias del movimiento me too en la historia de Margaritte : el enfrentamiento de una mujer violada frente a la sociedad machista de la época, pero no tengo tan claro que esa sea la principal intención de Scott en esta película . En todo caso ese aspecto de la historia flojea en la medida en que un personaje tan feminista no tiene encaje en esa época histórica. Su manera de rodar las batallas y el duelo de un modo realista y muy física, sin efectos especiales ( que sí abundaban en “ Gladiator “ ) demuestra que el viejo Scott sigue en forma.  



En definitiva, una película en cierto modo fallida en cuanto a alguna de sus pretensiones ( su homenaje a Rashomon ) y en el diseño de algunos personajes, pero de gran potencia visual y una gran belleza en muchos de sus planos, que constituye una cinta a contracorriente en el cine actual muy influido por la infografía y personajes más infantilizados, de ahí probablemente su gran batacazo en taquilla.



 Lo mejor: El gran trabajo de Comer, su espléndida recreación de época y ambientación y la escena final del duelo.
Lo peor: Es horrible personaje de Affleck y su flojisima interpretación, un metraje excesivo y que su narración a lo “ Rashōmon “hubiera necesitado más novedades en el tercer y último punto de vista.



jueves, 16 de diciembre de 2021

Joyas del cine español ( 12 ) “ El mundo sigue “ ( 1963 )



Disponible en Flixole.
Dirección: Fernando Fernán Gómez.
Reparto: Lina Canalejas, Fernando Fernán Gómez, Gemma Cuervo, Agustín González.
  Un film maldito que fue prohibido por la censura , estrenándose de modo restringido en Bilbao dos años después de su rodaje, permaneciendo oculta al público 42 años hasta que se restauró y reestrenó. Un film durísimo y desgarrador que retrata de modo descarnado y muy atrevido una España oculta y oscura, pero real que las autoridades querían tapar, una España miserable económica y moralmente que oscurecía el desarrollo económico que vivía el país desde inicios de los 60 y que no interesaba airear. No es extraño por ello, que las autoridades ocultas en la película y la prohibiesen. La realidad amoral y corrupta que muestra la película tanto de los personajes pobres como de los ricos que compran todo con dinero y su retrato nada complaciente y turbio de las relaciones familiares y de pareja era demasiado insoportable para el régimen franquista.



   Fernán Gómez rodó un año antes de la no menos negra “ El extraño viaje” esta historia que narra el enfrentamiento brutal de dos hermanas ( Canalejas y Cuervo ) que se odian y envidian y cuyo enfrentamiento sin cuartel en paralelo al ascenso económico y social de una y al progresivo hundimiento económico y familiar de la otra, tendrá terribles consecuencias. El director se atrevió a bordar temas como la prostitución en pisos ( una jovencísima Pilar Bardem aparece como prostituta ocasional en una breve escena ) el aborto, la violencia machista, el maltrato de los padres a los hijos, el adulterio, el acoso sexual a las mujeres…de un modo realista y casi documental, mostrando a muchos hombres como tipos asilvestrados y sedientos de sexo que ven a la mujer como un objeto de deseo, a mujeres que se venden por un abrigo de pieles ( como Cuervo ) trabajadores que roban a sus jefes y personas que roban a un borracho tirado en la calle. La sociedad que muestra Fernán Gómez es patriarcal, machista violenta, corrupta y amoral. Todo la acción transcurre en un Madrid mísero y sucio en donde los personajes malviven soñando salir de la pobreza , como los que juegan a las quinielas como el perdedor y desperado personaje de Faustino (  Fernán Gómez ) o venden su cuerpo de distintas formas para dar de comer a sus hijos o ascender socialmente.



 El realizador de cuyo nacimiento se cumplen 100 años en 2021, dirige la película de un modo aparentemente sencillo, la intención del director es mostrar de un modo directo sin tapujos ni adornos, la realidad social que pretende retratar. La película es sin duda en muchos momentos muy dura ( las escenas de las fortísimas discusiones matrimoniales entre Faustino y Eloísa - Canalejas que volvería a trabajar con el director en su siguiente película - llenas de odio y violencia, las peleas salvajes entre las dos hermanas o las  brutales palizas a una de las hijas por su padre y del propio personaje de Faustino a su esposa ) al rodar esas escenas el director sin concesiones y de una manera muy realista. Si una nota caracteriza en general a todos los personajes sería la desesperación y la agresividad, todo ello fruto de la pobreza y el ansía a toda costa de salir de ella y hecho de no lograrlo (  salvo el personaje de Luisa - Cuervo, que curiosamente comparte una secuencia con su entonces marido Fernando Guillén- a un precio muy alto moralmente ) es el detonante de la violencia como vía de escape a esa desesperación.



 “ La vida sigue “ es sin duda una película difícil y desoladora, aunque probablemente necesaria, que lleva a cabo un retrato social crítico de su época, que en muchos aspectos no sea tan diferente al  actual ( aunque muchos comportamientos de los personajes ya no tengan cabida y aceptación hoy día ) El contraste que vemos conforme avanza la película entre la vida de cada vez mas opulencia de una de las hermanas ( Luisita - Cuervo ) frente a la miseria de la otra ( Eloísa- Canalejas ) tiene su momento culmen en la terrible y desgarradora secuencia final con la metáfora del coche como símbolo del lujo y con el que la hermana rica llega al mísero barrio familiar en cierto modo como una provocación y un gesto de ostentación, que tendrá funestas consecuencias familiares.



Lo mejor: Un reparto en estado de gracia y la precisa y realista puesta en escena y dirección de Fernán Gómez.
Lo peor: Su dureza y realismo seguramente puede no gustar a muchos.



Las otras películas de la lista:










lunes, 6 de diciembre de 2021

Clásicos del cine negro ( 17 ): “ Jackie Brown” ( 1997 )



Disponible en Movistar .
Dirección: Quentin Tarantino.
Reparto: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert Foster, Robert De Niro, Bridget Fonda, Michael Keaton.
 La película menos conocida de su director y su film más contenido y menos arriesgado. El cineasta quiso demostrar su capacidad para realizar una narración más clásica. Basándose por única vez en su carrera en un texto ajeno ( una novela del prestigioso escritor Elmore Leonard ) el director de “ Pulp fiction” realiza una cinta con homenajea canciones de música negra de los 60 y 70 y recupera dos actores de esa época como son Pam Grier y Robert Foster a los que sacó del ostracismo y convirtió en los protagonistas del film.



  Jackie Brown ( Grier ) es una azafata de vuelo que transporta dinero desde Méjico para un traficante de armas ( Jackson  )    cuando la Policia la intercepta en el aeropuerto con dinero escondido y droga, la presionará para lo que traicione y colabore con ellos, pero ella tiene sus propios planes…



Tras el gran éxito de público y crítica de “ Pulp fiction” Tarantino en lugar de repetirse optó por realizar un film de estilo más alejado a sus dos primeras películas, para demostrar que era capaz de salir de los registros en donde estaba empezando a ser encasillado. Aunque sea su película menos identificable en apariencia, la cinta presenta alguno de los sellos habituales de su autor no obstante: el famoso plano de cámara desde el suelo que aparece en todas sus películas, una banda sonora de temas soul que bien podía haber sonado en “Pulp Fiction”, Death Proof” o “Kill Bill” personajes como el del pequeño gángster interpretado por Samuel L Jackson que podría ser perfectamente un personaje de “Pulp Fiction “ una historia de dobles juegos, traiciones y ambición que no desentonaría con “Reservoir Dogs” un montaje del momento crucial de la película contada desde distintos puntos de vista  de varios personajes y algunos diálogos marca de la casa. Ese cambio de registro descolocó a muchos y la película no fue un éxito como sus dos primeras cintas.


 
  Como es habitual en su cine, el director de “ Kill Bill” se rodeó de un gran reparto en el que mezcló actores semiolvidados ( Como hizo con John Travolta en “Pulp Fiction” David Carradine en “ Kill Bill” o con Kurt Russell en “ Death proof” )y otros de prestigio como Robert De Niro y Michael Keaton. En su entretenida trama los giros de guión y las sorpresas como en todas sus películas mantienen el interés del espectador durante todo su metraje y todos los personajes hasta los más secundarios tienen momentos de lucimiento. Entre todos ellos destaca un magistral Samuel L Jackson, actor fetiche del director como un despiadado pero encantador traficante de armas traicionero y egocéntrico, que a pesar de ser un tipo despreciable, Jackson consigue darle un toque simpático a la vez que amenazador. El sello de magnífico director de Tarantino se ve en escenas como la de la salida de Jackie de la cárcel y como viéndola acercarse notamos el enamoramiento del personaje de Foster hacia ella, como cuenta  desde varios puntos de vista una misma escena o cómo se resuelve visualmente la muerte final 



  Film de un ritmo sinuoso que se cuece a fuego lento, con apenas sangre y escasos momentos de violencia de los que nos tiene acostumbrados su autor, es una película en la que se nota a un Tarantino contenido y sin estridencias, pero capaz de envolver al espectador con una trama que te mantiene intrigado, grandes interpretaciones y una dirección elegante como muchos de sus movimientos de cámara ( por ejemplo cuando se mueven los actores por El centro comercial y el plano lateral sostenido de Grier con el que se abre brillantemente la película )



Lo mejor: Un gran trabajo de Grier y Jackson, el excelente ritmo que imprime Tarantino y su banda sonora con una gran selección de canciones.
Lo peor: Que sea considerado injustamente un título menor en la carrera de su director.