50 películas que hay que ver antes de morir ( 41 ) “ Camino a la perdición “ ( 2002 )

Dirección : Sam Mendes.

Reparto: Tom Hanks, Tyler Hoechlin, Paul Newman, Jude Law, Daniel Craig, Stanley Tucci, Jennifer Jason Leigh.

  La mejor película de gangsters del siglo XXI junto a “ El irlandés “. Última película de un mito de la altura  de Paul Newman, la película presenta el reverso oscuro del habitualmente bondadoso Tom Hanks y confirmó tras “ American beauty “ a Sam Mendes como uno de los más grandes realizadores de las últimas dos décadas. Esta tragedia de ecos shakespianos es la mejor muestra de ello.

 Contada por un ya mayor Michael Sullivan Jr ( Hoechlin ) el argumento gira en torno al padre de éste ( Hanks ) un sicario de la familia criminal irlandesa Rooney liderada por el anciano John Rooney ( Newman ) que desde niño ha tratado a Michael como a un hijo. Su primogénito natural es el descontrolado hijo Connor ( Craig ) en una relación que recuerda a la de Vito Corleone y su díscolo hijo Sonny en “ El Padrino”. Cuando Connor mate a un colaborador de la familia ( Cieran Hinds ) y el hijo de Michael sea testigo, el viejo Rooney se verá obligado a elegir trágicamente entre defender a su ambicioso hijo natural o su querido Michael...

  El director aborda temas como la familia , la lealtad, el honor, la venganza, la redención, la fuerza de la sangre, el peso del destino o el cumplimiento del deber, pero  sobre todo es una película de padres e hijos ( John Rooney y sus dos “hijos “ a Connor y Michael y sobre todo de Michael y su hijo ) . El viaje de seis semanas que Sullivan y su hijo emprenderán en coche a modo de road movie, supondrá un descubrimiento mutuo, ambos se conocerán y entenderán mejor y su hijo aprenderá a querer a su padre a pesar de sus violentas acciones. El adolescente deberá convertirse en adulto a marchas forzadas para sobrevivir e incluso para salvar la vida de su padre. Por ello la voz en off de Michael Jr cierra la película diciendo estas hermosas palabras: “ algunos dicen que Michael Sullivan era una buena persona otros, que no había ni un ápice de bondad en él y cuando me preguntan yo les digo...era mi padre” A pesar de su sangriento final que pone a prueba a su hijo , Michael logra que éste no caiga en el uso de la violencia,

que no acabe convirtiéndose en alguien como él, como el personaje de Hanks teme toda la película. Pocas películas de la historia del cine han contado una relación padre e hijo tan conmovedora como esta película. Por su parte el patriarca Ronney vivirá atormentado sus últimos días de vida por el conflicto entre ayudar a su auténtico hijo o traicionar al hijo que realmente ama, debe mandar matar a uno de ellos y sólo de él depende la trágica decisión. Todos los servicios prestados y la fidelidad perruna de Michael no le servirán de nada frente a los lazos de sangre. Es tremenda la frase de Newman cuando dice : “ ninguno de nosotros verá el cielo” , consciente como dice que “ somos lo que somos” y a pesar de su religiosidad de que sus crímenes en la tierra los pagarán él y todo el clan en la vida eterna.

  El plato fuerte del film es su espectacular reparto y la calidad de sus interpretaciones. Newman da humanidad y vulnerabilidad a un personaje siniestro ( la mirada del actor en la escena en que Newman entrega la moneda a Michael Jr es sobrecogedora ) logrando no obstante empatizar con el espectador y que su atormentado dilema traspase la pantalla. Hanks el James Stewart del cine americano actual, se aleja de sus personajes habituales y consigue que Sullivan a pesar de ser un matón de la mafia conecte con el público, gracias a la humanidad y vulnerabilidad que da a su personaje. Sullivan sufrirá una doble tradición la de su “ hermano “ Connor al que su ambición y egoísmo lleva a los crímenes más abyectos , y a pesar del idílicos inicio familiar en que Rooney y Sullivan tocan juntos en un animado velatorio ( esa reunión familiar al inicio es un guiño a “ El Padrino “ ) ante la mirada complacida de Connor , tanto el patriarca como su desequilibrado heredero le darán un puñalada por la espalda. Obviando cínicamente la tragedia familiar que ha sufrido, todos esperan que Sullivan agache la cabeza y muestre respeto como le dice el tenebroso mafioso Frank Nitti ( Tucci ) lugarteniente de Al Capone en un diálogo con éste, estará solo frente a su antigua poderosa familia y sus aliados pero no durará en proteger a su familia cueste lo que cueste...

 El resto del reparto no es menos espectacular: Jennifer Jason Leight en una breve aparición como la esposa de Suulivan, un despiadado Stanley Tucci como Frank Nitti y sobre todo los dos asesinos psicópatas y sin escrúpulos interpretados por los británicos Judit Law ( alejándose de los papeles de guaperas que interpretaba en esa época y Daniel Craig, Al que el propio Méndez dirigiría en dos brillantes entregas de la serie Bond.

 Mendes, director británico procedente del medio teatral había triunfado de moda espectacular con su debut en “American beauty” y tras esta incursión en el cine negro, dirigió el reencuentro entre Di Caprio y Kate Winslet en “ Revolutionary road “ , dos de las mejores cintas Bond de la historia  ( “Skyfall” y “ Spectre” ) que revitalizaron la saga para el

SIglo XXI y la aplaudidísima “ 1917” Con menos de 40 años Mendes dirigió con magnífico pulso un film que en manos de otro cineasta menos dotado hubiera dado una cinta sangrienta y efecticista( aunque el director muestra la violencia, sin embargo  de modo elegante y casi pudoroso, no vemos las dos muertes más trágicas, sino que Mendes las insinúa sin mostrarlas de modo directo ) El director contó con un equipo sobresaliente: El guionista David Self se basó en un cómic, potenciando acertadamente  el conflicto familiar frente a la acción, su preciosista y clásica fotografía corrió a cargo Conrad Hall ( premiada con el Oscar )y es todo un prodigio del uso de la luz ( véase el luminoso final en la play en en contraste las tenebrosas escenas de lluvia ) y la emotiva banda sonora la firma el 13 veces nominado al Oscar Thomas Newman.

  Donde las virtudes de la película y la maestría de Mendes más se ponen de manifiesto es en su trágico final: la escena de la vengativa ejecución bajo la lluvia es magistral, desde de fotografía e iluminación, pasando por el uso del sonido con un último, su inteligente puesta en escena en donde vemos a los pistoleros caer uno a uno sin ver quién ni desde donde les dispara hasta el duro e intenso que que breve duelo interpretación de Newman y Hanks, en la se captan muy bien los sentimientos encontrados de ambos, con una lapidaría frase de Rooney : “ me alegro que seas tú “.  

 

Lo mejor: El gran trabajo de Hanks y Newman, su portentosa fotografía y su melancólica banda sonora.

Lo peor: Que su sangrientamente final no guste a todo el público.

50 películas que hay que ver antes de morir ( 40 ) “ Centauros del desierto “ ( 1956 )

Dirección: John Ford.

Reparto: John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Natalie Wood, Ward Bond.

  Junto a “ El hombre tranquilo” la mejor película del maestro John Ford. Polémica dentro de la filmografía del director al ser tachada de violenta y racista ( una acusación muy injusta si tenemos en cuenta que Ford filmó dos alegatos antirracistas en “ El sargento negro y “ El último combate” ) y por la caracterización del personaje interpretado por Wayne, que interpretó uno de sus personajes más oscuros y sombríos. Aunque su segunda mitad es más irregular, sus primeros 45 minutos y su final con el reencuentro con Debbie son magistrales.

 La película arranca con un plano en el que vemos a una mujer de espaldas saliendo de un casa hacia el exterior, se acerca un jinete ( John Wayne ) llamado Ethan, que con ese plano nos dice Ford que es un forastero que viene de fuera.  Ethan  ( del que nunca conocemos su historia ) ha vuelto de la guerra a visitar a su hermano, su cuñada y las hijas de ambos. Ford nos muestra de modo sutil y elegante como Ethan y su cuñada Martha se aman cuando vemos como ella acaricia tiernamente su ropa y como ella cierra los ojos al besarla él, viendo ese momento furtivo con cara de circunstancias el reverendo interpretado por Ward Bond. Cuando poco después y en ausencia de Ethan los Comanches matan a sus familiares y se llevan a su pequeña sobrina Debbie ( Lana Wood de niña y su hermana Natalie Wood de joven ) Ethan iniciará primero en grupo y luego solo junto al joven mestizo Martin (  Hunter ) la una búsqueda de la niña cada vez a más obsesiva y enfermiza .

  “ Centauros del desierto “ es sin duda un western atípico en la carrera de Ford. Tras su alabada trilogía de la caballería ( “ Fort Apache”, “ La legión invencible “ y “ Río grande “ ) y “ Cuna de héroes “ ambientada en West Point, en el que se alaban los valores castrenses como camareria, honor, sacrificio, la familia o la lealtad, en esta película es Ethan ( que ciertamente procede del ejército) y la odisea que emprende ( el título en inglés traducido sería “ Los buscadores” ) el eje de la acción. Ethan no es un personaje heroico como otros protagonistas del cine de su director, es un antihéroe racista y violento, es un perdedor que sabemos luchó en el bando confederado en la guerra y luego a favor de Maximiliano en Méjico ( otra guerra perdida ) se ha convertido por ello es un tipo desarraigado y solitario cuyo hábitat natural es ser errante y no vivir en sociedad ( de ahí su final en el que se nos muestra a Ethan desde fuera de la casa y la puerta se cierra dejándolo fuera, cerrando el círculo con el plano inicial inverso- la cámara sale de dentro a fuera y le vemos venir desde lejos - ) Acabada su misión cuasi militar de búsqueda, de nuevo se marcha errante..

  Wayne mejor actor de lo que tradicionalmente se le ha considerado ( baste recordar sus papeles en “Río rojo”, “ El hombre tranquilo “ O “ El hombre que mató a Liverty Valance “ ) logra una excelente  interpretación, haciendo que su personaje antipático y racista (  llega a disparar a los ojos de un indio muerto porque así no podrá según sus creencias entrar en las praderas del espíritu- lo que denuesta en realidad que conoce e incluso respeta sus creencias-  y trata de matar a su propia sobrina convertida en India ) llega no obstante a conectar con el espectador ( probablemente por estar acostumbrado a verle en personajes más heroicos  ) sobre todo al final. Como en otras cintas el director de “ El delator” enseña con una maravillosa  fotografía su adorado  Monument Valley y cuenta con el gran Max Steiner para su magnífica banda sonora. Junto a Wayne, destacan los fordianos Ward Bond y Vera Miles y una casi adolescente Natalie Wood, cuyo encuentro final con Wayne ( que inicialmente la rechaza y al final la coge en brazos, fundiéndose ambos en un abrazo ) y Hunter es emocionante y hermoso.

 

Lo mejor: El gran trabajo de Wayne, sus magistrales primeros 45 minutos, su bellísima fotografía y su desenlace.

Lo peor: Su tramo final menos inspirado y sus injustas acusaciones de racismo.

50 películas que hay que ver antes de morir ( 39 ): “ Érase una vez en America” ( 1984 )

Dirección : Sergio Leone.

Reparto: Robert De Niro, James Woods, Elisabeth McGovern, Tuesday Weld, Jennifer Connelly, Treat Williams, Burt Young, Joe Pesci.

  Una de las mejores películas del cine americano de la década de los 80. Aunque inicialmente fue recibida con división de opiniones por parte de la crítica y fue un fracaso de taquilla debido a que se estrenó con un montaje diferente al pensado por Leone y el público no entendió debidamente la trama del film, ya que se montó en orden cronológico en EEUU y no con los saltos temporales concebidos por Leone y que son uno de los elementos más innovadores de la película. Los problemas de post producción y la mala recepción de una obra que el director llevaba más de una década soñando con dirigir, amargaron los últimos años de vida de Leone. Con los años no obstante se ha ido reivindicando como una de las mejores películas de gánsters de la historia del cine.

 La película es un canto a la amistad, con una compleja estructura ( con saltos en el tiempo en tres épocas diferentes: 1922, 1933 y 1968 ) narrando la historia de 5 amigos ( en especial dos de ellos - Noodles y Max- )de origen judio y que se conocen en el Nueva York de 1922,  aunque son adolescentes se convierten en pequeños delincuentes. Noodles se enamorará de Deborah ( Connelly ) Cuando uno de ellos es asesinado ( en una de las escenas más emotivos del film ) Noodels lo vengará y entrará por ello en prision. Al salir en 1933 se reincorpora a la banda de sus amigos, convertidos ya en un grupo criminal y reencontrará con Deborah ( McGovern )..

 

 Leone logra una impresionante y fiel ambientación del Nueva York de inicios del siglo XX, recordando las escenas de esa etapa a las de la juventud de Vito Corleone en “ El padrino II” ( 1974 ) La parte de la película que retrata la infancia y adolescencia de los protagonistas es de una belleza cautivadora y una auténtica joya de iluminación ( por ejemplo la escena de Deborah bailando en la sala observada por Noodles ) fotografía, ambientación música e interpretación. Ese tramo de la película en que un anciano Noodels recuerda con nostalgia es posiblemente la mejor parte de la película, con escenas magistrales  como cuando un  Noodles ( en 1968 -tercera etapa de la acción del film - ) mira por un agujero y recuerda cuando de adolescente veía a Deborah bailar ballet bajo un rayo de luz en una elipsis genial, la escena en la que uno de los chicos de la banda le dice a noodles tras ser apuñalado que se ha caído, muriendo en sus brazos, el impresionante plano de la banda de niños pasando por debajo del puente de Brooklyn o cuando el aún niño Noodles prefiere devorar una tarta antes que el sexo que le ofrece una voluptuosa mujer. La composición de los planos magnificamente iluminados son propios casi más de un pintor que de un director de cine y demuestran la maestría visual de Leone que ya había empezado a acreditar en sus westerns de los 60.

  Para dar vida a este proyecto largamente acariciado el director contó con un reparto excepcional encabezado por un impecable De Niro que sabe transmitir con su mirada y gestos de la cara los pensamientos y sentimientos de su personaje. El film presenta un personaje protagonista con el que es difícil empatizar en su versión adulta, porque es un ladrón y un violador ( las dos brutales escenas de violación son de lo más criticado del film ) sin embargo el talento de De Niro logra que sintamos sus remordimientos, su tristeza, su añoranza...James Woods en una portentosa interpretación, es su amigo Max, al que acabará traicionando para salvarle con funestas consecuencias. La relación tan intensa de amistad entre ambos ( más fuerte que el amor de Noodles hacia Deborah ) es uno de los motores y claves del film ( algunos críticos incluso vieron un sentimiento de amor homosexual de Max hacia Noodles ) Aunque la película presenta una impresionante galería de secundarios de actores y actrices de carácter,  quien queda grabada en el recuerdo del espectador es una impresionante y bellísima Jennifer Connelly de tan solo 13 años, como la lolita y pequeña femme fatale Deborah, de la además de un joven Noodles caemos todos rendidamente enamorados.

 La película es ( al igual que la saga de El Padrino ) un retrato de los Estados Unidos de la primera mitad del siglo XX. Desde el Nueva York posterior a la Primera Guerra Mundial que contempla el ascenso del crimen organizado, pasando por el auge del gangsterismo en los 30 hasta llegar a los años 60. Una America de corrupción, violencia  y amoralidad y aborda temas como la amistad traicionada ( como en  “ Agáchate maldito” de Leone con el personaje de James Coburn ) el paso del tiempo, los recuerdos, la muerte, la ambición desmedida, el poder..

 Mención aparte merece la hermosa y evocadora banda sonora del gran Ennio Morricone, descubierto al cine por el propio Leone en sus recordados spaghetti westerns. Morricone compone una de sus mejores  bandas sonoras, con un aire poético, nostálgico y muy emocionante, que acompaña maravillosamente a los momentos álgidos del film. Aunque se ha discutido si todo lo que ve el personaje De Niro ya viejo es un sueño influido por el opio que toma su personaje mientras los pistoleros  lo buscan para matarle o es real, parece más bien todo fruto del sentimiento de culpa de su personaje y no algo que suceda realmente.

 Film muy  violento además de hermoso, las imágenes creadas por Leone, las bellas melodías compuestas por Morricone, la mirada de De Niro y la belleza de Connelly dieron lugar a una obra que parece suspendida en el tiempo y que se queda para siempre impregada en la mente y recuerdos del espectador.

 Lo mejor : Robert De Niro en una de las mejores interpretaciones de su carrera ( que ya ese Decir ) la banda sonora de Morricone, su impecable y preciosista ambientación.

Lo peor: Que Leone falleciera ( en 1987 ) sin conocer la admiración que años después generó esta joya de su filmografía.

 

50 películas que hay que ver antes de morir ( 38 ) “ Casablanca “ ( 1942 )

 

Dirección: Michael Curtiz

Reparto: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Claude Reins, Paul Henreid, Conrad Veidt, Peter Lorre, Sidney Greenstreet.

  Es imposible a estas alturas decir algo original de la que es  junto a “ Lo que el viento se llevó” la película más famosa de la historia. Adorada por varias generaciones de amantes del cine, a sus indiscutibles valores cinematográficos, se suma el mito, el haberse convertido en algo más que una película, es un referente emocional para muchos cinefilos a los que la  joya dirigida por  Michael Curtiz les traslada a un lugar exótico y familiar : el local regentado por Rick Blaine, antiguo combatiente en la Guerra Civil española, un antihéroe de pasado brumoso, que se mueve como pez en el agua en el filo de navaja, que no se mete en problemas y solo piensa en sí mismo y en sobrevivir. Rodada en plena Segunda Guerra Mundial,” Casablanca” es muchas cosas, es un alegato contra los totalitarismos en alza en aquella época, es una historia de amor inmortal, una película policiaca, de aventuras ...es una conjuncion de talentos en la dirección, el reparto, vestuario, el guión y la producción. Ganadora del Oscar a la mejor película, director y guión, su preparación y rodaje vivió numerosos avatares, que no afectaría nada a su resultado final.

 En cuanto a su argumento, para los pocos que no lo sepan, la película narra la historia de Rick Blaine ( Bogart ) un ciudadano norteamericano de oscuro pasado que regenta un exitoso café en Casablanca en 1941. El territorio se encuentra bajo la administración del gobierno de Vichy títere de los nazis. Allí se presentará un antiguo amor ( Bergman ) con su marido un líder anti nazi Víctor Lazslo ( Henreid ) al que los alemanes querrán echar el guante, Blaine recordara su antigua relación con Ilsa, mientras ella y su marido tratan de salir de Casablanca lejos de las garras de los nazis...

 El éxito del film es fruto del gran talento que se juntó en la película muy propio del sistema de estudios del Hollywood clásico. Michael Curtiz, director austriaco de origen judio, se encargó de la dirección, después de haber dirigido casi todas las películas ( “ Robin de los bosques” incluida ) que encumbraron a Errol Flynn como el héroe de aventuras más famoso del Hollywood de los 30 e inicios de los 40. Curtiz veria durante la guerra como familiares judios pasaron por los campos de concentración. Su estilo de dirección directo, ágil y con mucho ritmo era ideal para “ Casablanca “ y su magnífica labor fue justamente premiada con el Oscar .

 El guion pasó por las manos de hasta siete guionistas comandados por el productor Hal B. Wallis, el gran artífice del film, lleno diálogos inolvidables,

personajes magistralmente construidos y escenas muy famosas además de su escena final en el aeropuerto. Dicho final, uno de los

más famosos y comentados de la historia del cine no estaba inicialmente decidido y lo actores lo desconocían hasta muy avanzado el rodaje. El libreto está lleno de diálogos memorables : 

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«DE TODOS LOS TUGURIOS DE TODAS LAS CIUDADES DEL MUNDO TUVO QUE VENIR JUSTO AL MÍO“ ( Rick hablando a sam sobre ilsa )

“ MÁS DE UNA VEZ ME HE PREGUNTADO POR QUÉ NO REGRESA USTED A AMÉRICA. ¿ROBÓ LOS FONDOS DE UNA IGLESIA? ¿SE ESCAPÓ CON LA ESPOSA DE UN SENADOR? QUISIERA CREER QUE MATÓ A UN HOMBRE. SOY UN ROMÁNTICO» ( el capitan renault a rick )

—«¿QUÉ HARÁS ESTA NOCHE, RICK?».—«NO HAGO PLANES A TAN LARGO PLAZO» ( Rick a una CONQUISTA )

—«¿ME DESPRECIAS, VERDAD RICK?». —«SI ALGUNA VEZ PENSARA EN TI POSIBLEMENTE SÍ» ( Rick haBLando con Ugarte)

—«VINE A CASABLANCA A TOMAR LAS AGUAS». —«¿AL DESIERTO?».—«ME INFORMARON MAL» ( De nuevo Rick y Renault)

  El gran Max Steiner ( autor de entre muchas partituras de la de “ Lo que el viento se llevó “ y que obtuvo casi 20 nominaciones al Oscar ) se encargó de la banda sonora, con la recordada canción “ As time goes by” como emblema . El famoso diseñador Orry-Kelly ( ganador de tres Oscars ) de su vestuario, destacando la elegancia de sus diseños para Ingrid Bergman.

 Su reparto es asimismo espectacular. Bogart tras bordar su personaje del detective Sam Spade de vuelta de todo y despiadado en “ El halcón maltés” ( 1941 ) dio vida al amargado y endurecido Rick. El norteamericano es un tipo que vive bajo el lema vive y deja vivir, que no se compromete con nadie y mantiene una peculiar relación con el policía Renault. Bergman por parte acababa de debutar en Hollywood y la cinta supondría el inicio de una fulgurante carrera en la década de los 40 ( “ ¿ Por quien doblan las campanas?”  , “ Luz que agoniza”, “ Recuerda”, “ Encadenados”..) antes de su polémica huida a Italia con Rosellini.  Claude Reins ( que había trabajado con Curtiz en “ Robin de los bosques” como el traicionero Principe Juan ) es el capitán Renault, un policía del

Régimen de Vichy cínico, corrupto y sobre todo pragmático que admira a Rick ( la frase  final augura una futura relación de ambos personajes más que estumulante )Reins curiosamente volvería a coincidir con Bergman como su pretendiente nazi de “ Encadenados”. Conrad Veidt, que interpreta al Coronel Stasser era sin embargo un ferviente luchador por libertad y los derechos de los homosexuales. Lorre y Greenstreet que coincidieron con Bogie en “ El Halcón maltés “ completan la nómina de estupendos secundarios.

 La película aborda temas como  la lucha por la libertad y por nobles ideales ( representado por Laszlo Y en cierto modo por Nick que luchó por la causa perdida republicana en la guerra civil española ) la amistad masculina ( de Rick y Sam y la que se genera entre Rick y Renault ) el amor cuando da segundas oportunidades, la avaricia ( que encarna por ejemplo Ugarte- Lorre ) la corrupción ( ejemplificada por Renault ) y otros que fácilmente provocan que públicos de todas las épocas se puedan identificar con la cinta.

 Su  final es una de las claves que han hecho de la película una obra inmortal. Rick, que sigue enamorado de Ilsa se sacrificará finalmente en favor de los ideales y de la lucha por la libertad de su competidor por el amor de ella ( Laszlo ) poniendo en riesgo lo único que parecía importarle, es decir su vida y su negocio. Su imagen que hasta entonces tiene el espectador de tipo frío y nada comprometido, da un giro y vemos como le achaca Renault en algunos momentos de la película, que Rick es en realidad un romántico que nunca ha dejado de lado su lucha por las causas perdidas. Su discurso final para convencer a Ilsa de que se marche con Laszlo es magistral y eleva la categoría moral y ética del personaje. Lo que parece un final trágico no obstante, se endulza con la frase final de Rick a Renault de que “ ésto  puede ser el inicio de una gran amistad ” Años más tarde, Woody Allen haría un maravilloso homenaje al film en su divertidisima obra “ Tócala otra vez Sam “ - frase que en realidad no dice el pianista Sam - ) a Bogart y al final de Casablanca.

 Lo mejor : Todo.

 Lo peor : No emocionarse con ella y no soñar tomar una copa alguna noche en “ Ricks” 

50 películas que hay que ver antes de morir ( 37) “ Charada” ( 1963 )

Dirección: Stanley Donen.

Reparto: Cary Grant, Audrey Hepburn, Walter Matthau, James Coburn, George Kennedy.

  Inolvidable mezcla de comedia romántica y thriller de suspense que reunió a una de las parejas más atractivas y glamurosas de la historia del cine bajo la espléndida dirección. Con grandes influencias del cine de Hitchcock ( Grant se hecho era uno de los intérpretes fetiche del mago del suspense )pero con más humor paródico y notas de romanticismo como luego volvería con menos acierto a hacer Donen en “ Arabesco”( 1966 ) con Sophia Loren y Gregory Peck.  El director de “ Cantando bajo la lluvia” consiguió una de sus obras más recordadas gracias a la magia de Paris, el gran trabajo de un reparto de ensueño, la hermosa y evocadora banda sonora de Henry Mancini ( que ese mismo año compondría la de “ La pantera rosa “ ) un guión lleno de trampas y giros insospechados y su talento como realizador.

  La película narra la historia de Regina Lambert ( Hepburn) que tras quedar viuda por el fallecimiento en extrañas circunstancias de su marido ve como antiguos compañeros de guerra de éste, la acosan pensando que ella esconde una cantidad de dinero que estos robaron junto a su marido durante la Segunda Guerra Mundial. Un tipo misterioso pero encantador ( Grant ) se ofrecerá a ayudarla...

 En 1963 Grant se encontraba en el ocaso de su espectacular carrera y ya había rodado con Donen “ Indiscreta” ( 1958 ) y “ Pagina en blanco “ ( 1960 ) siendo “ Charada” su último gran film. El maduro actor no obstante no había perdido un ápice de su elegancia y atractivo y borda su personaje ambiguo, pillo y  de dudosas intenciones, pero irresistible para Regina. Hepburn por su parte había rodado “ Funny face “ con Donen y estaba en la cumbre de su carrera, protagonizando al año siguiente “ My fair lady “ y poco después “ Dos en la carretera “ ( 1967 ) de nuevo con  Donen. La protagonista de “ Sabrina “ es ideal para la vulnerable, acosada y a la vez decidida Regina y la química con Grant fue mágica. Junto a la atractiva pareja, un grupo de secundarios de lujo alejados de su roles habituales de buenos : James Coburn ( magnífico en su personaje  traicionero y bromista ) antes de protagonizar sus films de espías como el agente Flint, Walter Matthau y George Kennedy especializados en comedias y con aviesas intenciones.

 Donen realiza como en toda su filmografía un film muy elegante hasta los últimos detalles ( los modelos de Givenchy de Hepburn se convirtieron en iconos ) y contó con un espléndido guion de Merc Webb y Peter Stone cuya clave es la hábil mezcla de comedia ( la escena de la ducha con Grant y Hepburn o la última cuando ella descubre su auténtica identidad  ) suspense ( la magnífica secuencia persecución en el metro culminando en la columnata que ya hubiera querido Hitchcock ) cinta romántica ( la maravillosa escena en el  Baton Rouge nocturno ) y que tiene un gran ejemplo en la secuencia del baile de la  naranja que comienza con bromas y acaba con la agobiante escena en la cabina con las cerillas ) A ello se añadió el vibrante pulso del director en las escenas de suspense en su tramo final especialmente ( ademas de su trepidante persecución final, en la escena  en que se le señala - equivocadamente - a Regina quien es el autor de las muertes y en como se produce el descubrimiento de donde se esconde el botín  ) a lo que hay que sumar su capacidad para manipular las emociones y expectativas  del espectador con inteligencia.

 Lo mejor : La química y elegancia de la pareja protagonista y su tramposo guión lleno de giros argumentales muy bien logrados. 

 Lo peor : Que para algunos sea una película menor por sus comparaciones con el cine de Hitchcock.

50 películas que hay que ver antes de morir ( 36 ) “ Sed de mal “ ( 1958 )

Dirección: Orson Welles.

Reparto : Orson Welles, Charlton Heston, Janet Leight, Akim Tamiroff, Marlene Dietrich.

 

  Para muchos la última gran película del cine negro clásico y la última cinta de Orson Welles dentro del “ sistema“ de Hollywood, tras la cual se “ exiliaría” en Europa hasta volver a EEUU en los 70 donde no lograría terminar en vida su último film ( que estrenaría en 2018 Netflix) El film supuso el segundo acercamiento al cine negro del director tras “ La dama de Shanghai “ ( 1947 ) aunque las influencias del policiaco se notan también en “ El extraño “ ( 1946 ) y “ Mr Arkadin” ( 1955 )Welles no estaba previsto como director sino solo como actor pero el empeño de Charlton Heston, toda una súper Estrella en ese momento lo puso en la silla de director ( años más tarde el actor daría también la cara por otro cineasta maldito-Sam Peckimpah- frente a los productores “ Mayor Dundee” ) Welles sería despedido una vez terminado el film y no pudo montarlo a su gusto estrenándose una versión distinta a la querida por el director, que años más tarde remontaría la película siendo no obstante ambas versiones igualmente extraordinaria.

  

  La cinta se inicia con un trepidante y mítico plano secuencia de tres minutos que arranca con un plano de una bomba que activa una mano anónima y mete en el maletero de un coche, tras mostrarnos desde una grúa la trayectoria del coche desde arriba y desde un lado, entrecruzándose con la pareja formada por Janet Leight y  culmina con la explosión del vehículo, nada más con esos tres minutos Welles demuestra porque es visualmente un maestro del cine. El director interpreta a Quinlan un policía corrupto y amoral que durante la investigación del crimen se enfrentara a Heston, un policía mejicano de narcóticos honesto que sospecha que Quinlan no es trigo limpio...

 Welles vuelve a dejar su sello habitual desde que debutase en “ Ciudadano Kane” ( 1941 ) de barroquismo en los decorados, de capacidad para crear ambientes asfixiantes, emfermizos y opresivos,con claras influencias del expresionismo alemán en su fotografía de claroscuros, su afición por los planos enfáticos ( con abundancia de picados y contrapicados  ) búsqueda de profundidad en los planos  y personajes excesivos y megalómanos como Quinlan, Arkadin y el propio Kane. Todas esas señas visuales y de puesta en escena de identidad en su cine se unen a su pasión por Shakespeare ( dirigió tres adaptaciones del genio inglés ) que está presente en el personaje de Quinlan , que roba todo el protagonismo al héroe Mike Vargas ( Heston ) el viejo policía es un personaje de ecos Shakespirianos, un tipo trágico, marcado y al que le carcome su amoralidad, Welles realiza una interpretación poderosa  e imponente.

 Como en todas sus películas, Welles logró reunir un reparto de campanillas: un Charlton Heston inmediatamente antes de interpretar su mítico personaje de Ben Hur, la siempre carnal y magnética Janet Leight ( curiosamente en la película se hospeda en un motel de carretera regentado por un joven de aspecto perturbado - Dennis Weaver- que recuerda notablemente al que sería  su verdugo en otro motel de carretera en “ Psicosis “ dos años después ) y una impresionante galería de secundarios : Zsa Zsa Gabor, su actor fetiche Joseph Cotten, Mercedes McCambridge y Marlene Dietrich, en en un papel muy corto pero que se da clave en el desenlace de la historia.

 Consciente del material de Segunda en el que se basaba la película sería su puesta en escena, sus planos maravillosamemte iluminados y profundos y las interpretaciones lo que enganchan al espectador. Su trama en realidad es lo de menos, la clave es la forma que da Welles a la película  y los personajes extraños y traicioneros que pueblan el film y que convierten la cinta en una obra fascinante, morbosa y envolvente.

Lo mejor: El poderío que despliega el director.

Lo peor: Su trama, aunque es secundaria,  es endeble, si bien eso al poco de iniciarse el film no le importa demasiado al espectador.  

50 películas que hay que ver antes de morir ( 35 ) “ El verdugo “ ( 1963 )

Dirección : Luis García Berlanga.

Reparto: Nino Manfredi, José Isbert, Emma Penella.

  Considerada de modo unánime la mejor película de la historia del cine español, la cinta fue presentada con éxito en el Festival de Venecia ( obtuvo el Premio de la crítica) a pesar de que el embajador en Italia Sánchez Bella ( futuro ministro de Información y turismo ) trató de impedir su exhibición tachando el film de libelo. La película se estrenó coincidiendo con el fusilamiento de Julian Grimau y la ejecución por garrote vil de dos anarquistas y en Europa se le apodaba a Franco “El verdugo” por lo que algunos creyeron inicialmente que el film hacía apología de la dictadura. Nada más lejos de la intención del director y su guionista a Rafael Azcona que pretendían desde el humor negro hacer un alegato contra la pena de muerte ( Franco de hecho decía de Berlanga - que combatió en la Division azul- que que era peor que comunista, era un mal español ) 

 La película narra la historía de una joven pareja ( Manfredi y Penella - a la que no se le acercan los hombres al ser su padre verdugo- ) que cuando se le presenta la posibilidad de acceder a un piso como funcionario ( su suegro - inmenso Pepe Isbert - ya no puede al haberse jubilado - ) acepta a regañadientes hacerse verdugo creyendo que nunca tendrá que ejercer la profesión , hasta que un día lo llaman para “actuar como tal “ ...El film se inspiró en hechos reales: unos años antes del rodaje Antonio López Sierra un verdugo que decía que le daba igual realizar su oficio  mientras le diera de comer, tuvo que ejecutar a la llamada “envenenadora de Valencia “ y era tal su aprensión a ejecutar a una mujer que tuvieron que darle tranquilizantes para poder hacerlo ( la terrible y dura escena final de la película en la que Manfredi es arrastrado por los policías  que ejecute al reo como si fuese él al que van a ejecutar se basa en aquella anécdota )

  Sin duda fue una proeza que un film que critica de ese modo, no ya solo la pena capital, sino la sociedad de la España de entonces pudiera estrenarse. El director de “ La escopeta nacional “ realiza una película dura con una fuerte carga de crítica social, a través del humor , a veces muy negro ( por ejemplo cuando su yerno se está comprando una camisa y al preguntarle el empleado de la tienda que talla tiene, Isbert le mira el cuello y le dice muy seguro la talla- cabe recordar que el garrote o cuando el mismo Isbert defiende el garrote frente a otros medios de ejecución ) Berlanga realiza un retrato de la España de los 60 en donde a pesar del desarrollo económico de esos años existía aún la misería  propia de la posguerra, mostrando el inicio del boom turístico o los problemas de los jóvenes para el acceso a la vivienda ( que hoy día más de 60 año después siguen existiendo )

  La película que tiene el sello de mala uva y humor socarrón del cine de Berlanga está llena de diálogos  y escenas inolvidables como cuando Manfredi dice que será la última vez que lo haga ( una ejecución ) y con tono amargo Isbert dice que eso dijo también él. El tono amargo que tendría la etapa final del cine del director valenciano está ya muy presente en esta película desencantada, pesimista y de sabor a pesar de su humor negro, trágico.

Lo mejor: El magnífico guión de Azcona y Berlanga y el enorme trabajo del maravilloso Pepe Isbert.

Lo peor: La realidad detrás de la ficción.

50 películas que hay que ver antes de morir ( 34 ) “ Annie Hall” ( 1977 )

Dirección: Woody Allen.

Raparto: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Paul Simon, Shelley Duvall, Christopher Walken.

 La película que mejor resume y representa  el cine de Woody Allen. En ella se hallan por primera vez todas las constantes y temas que luego de una u otra forman se han repetido en casi todas sus películas. Pero lo que destaca sobre todo de ella y la convierten en la película más redonda del director es su maravillosa y muy madura historia de amor de idas y venidas. Nunca antes se había contado como hace el neoyorquino una relación de pareja, mezclando  de esa forma comedia y drama. Allen creó una película melancólica, agridulce y tierna que divierte y emociona a partes iguales.

 

  La película narra de un modo muy original y a través de la narración que hace Alvy ( Allen ) mirando hacia la cámara como si fuera un documental la historia de amor de éste, un cómico de éxito y una despistada y patosa aspirante a actriz ( sensacional Diane Keaton ) Allen y Keaton fueron pareja a fines de los 60 e inicios de los 70 y siguieron siendo amigos intervinieron juntos en 6 films entre 1972 y 1979 y dos más en 1987 y 1994. El film ganó 4 Oscars : película, director , guión ( ambos para Allen ) y actriz para una deslumbrante Diane Keaton. La Biblioteca del Congreso de EEUU la catalogó como digna de protección por las autoridades.

 El director de “ Manhattan “ aborda temas que se convertirían en recurrentes en su cine como los psicoanalistas, el Judaismo, las relaciones de pareja en crisis, la amistad masculina ( divertidísimos los diálogos con Tony Roberts)  el sexo, la literatura, la familia ( impagable la contraposición que hace el director entre ruidosa y caótica familia y la de Anne es muy divertida ) los recuerdos de la infancia , el antisemitismo ( cuando la abuela de Annie ve a Alvy como si fuera un rabino ) el retrato de mundo del espectáculo ( la escena en Hollywod con breve aparición de un jovencísimo Jeff es demoledora ).. La mirada del director sobre esos temas es paródica y crítica con un regusto amargo, sus diálogos rápidos y certeros son de un ingenio apabullante ( como en las dicusiones entre Alvy y Annie ) y el film está lleno de frases antológicas ( “ No te metas con la masturbación es hacer el amor con alguien que amo “ )Pocas veces se ha retratado la evolución de una pareja como en la película: si lo habitual en el cine  es mostrar el enamoramiento y como la relación  amorosa entre los protagonistas culmina o narrar como se termina el amor y una relación  se rompe, Allen retrata toda la evolución y final de esa relación con sus idas y venidas.

 El creador de “ Delitos y faltas” reunió un reparto con habituales en su cine como su musa Keaton, su amigo Tony Roberts y una interesante galería de secundarios como el cantante Paul Simón y jóvenes y prometedores Christopher Walken ( un año antes de su recordado papel en “ El cazador “ ) Shelley Duvall ( dos años antes de “ El resplandor  “ ) y Jeff Goldblum. Por encima de todos destaca Diane Keaton, que nunca estuvo tan  adorable, encantadora y vulnerable como Annie Hall ( inspirado en su nombre real )  una mujer torpe, divertida y sexy de la que era difícil no enamorarse. Incluso su peculiar estilo de vestir sería muy imitado por muchas mujeres.  El director  realizó uno de sus mejores y más complejos personajes, pero la visión que siempre se ha tenido de él como un ingenioso comediante impidió que se llevase  el Oscar como su compañera de reparto.

  El director supo captar su época. La America descreída y cínica de la época post Watergate y Vietnam y retratar la relaciones de pareja muy distintas al de la generación anterior, la visión más abierta sobre el sexo, las drogas, el uso de la píldora anticonceptiva..toda esa nuevo modo de mostrar las relaciones de pareja están en la película ( es especialmente incisivo el modo en el que retrata a las parejas de jóvenes   que Alvy va parando en la calle cuando rompe por primera vez con Annie )El hermoso realista y agridulce desenlace de la película con la metáfora de las gallinas y los huevos y ese último encuentro de Alvy y Annie visto desde la calle es uno de los mejores finales de la historía de la comedia romántica.

 

Lo mejor : Un guión prodigioso, Allen en su mejor momento y Keaton más hermosa y divertida que nunca.

   

Lo peor : No dejarse llevar por la historia.